quarta-feira, 30 de setembro de 2009

Festival do Rio 2009 - atualizações

Pela cobertura do Festival do Rio 2009, vocês já podem acompanhar os textos:

• 24 City, de Jia Zhang-Ke
• 35 Doses de Rum, de Claire Denis
• Barba Azul, de Catherine Breillat
• Bastardos Inglórios, de Quentin Tarantino
• Brilho de uma Paixão, de Jane Campion (1)
• Brilho de Uma Paixão, de Jane Campion (2)
• Cidadão Boilesen, de Chaim Litewski
• Das Weisse Band, de Michael Haneke
• Embarque Imediato, de Allan Fitterman
• Hotel Atlântico, de Susana Amaral
• Les Herbes Folles, de Alain Resnais
• O Desinformante!, de Steven Soderbergh
• O Pai de Meus Filhos, de Mia Hansen-Love
• O Rei da Fuga, de Alain Guiraudie
• Os Abraços Partidos, de Pedro Almodóvar
• Palavra Encantada, de Helena Solberg
• Politist, adjetiv, de Corneliu Porumboiu
• Sede de Sangue, de Park Chan-wook
• Singularidades de Uma Rapariga Loira, de Manoel de Oliveira
• Taking Woodstock, de Ang Lee
• The Time That Remains, de Elia Suleiman
• Tokyo!, de Michel Gondry, Leos Carax e Bong Joon-Ho
• Tulpan, de Sergey Dvortsevoy
• Viajo Porque Preciso, Volto Porque Te Amo, de Karim Aïnouz e Marcelo Gomes
• Vincere, de Marco Bellocchio

terça-feira, 29 de setembro de 2009

Edição 30 no ar

A revista eletrônica Filmes Polvo chega à trigésima edição com uma gama de reflexões dos mais diversos filmes e cineastas. A conferir:

Story Line - Leo Cunha
“Moscou: cinema mais teatro, menos teatro, versus teatro”
“Amantes e Arraste-me para o Inferno: sobre o mal e os males”

Cinetoscópio - Leonardo Amaral
“Marguerite Duras: construção / destruição do cinema”
“Almoço em Agosto”
“O Pornógrafo: hora de mudar as regras, vamos colocar as cartas na mesa”

Fora de Quadro - Nisio Teixeira
“O Rei do samba: o bloco do Sette pede passagem”
“Parênteses anglófono no cinema do Quebec – I: David Cronenberg e seu primeiro longa, Calafrios” (1975)

Plano Sequência - Gabriel Martins
“O Contador de Histórias”

Raccord - Ursula Rösele
“Moscou, ou, o que afinal Coutinho sabe fazer?”

Corte Seco - João Toledo
“Questões sobre À Deriva”
“Teorias da Conspiração – o fora de quadro”

Contra-Plongée - Marcelo Miranda
“Amantes”
“Michael Cimino: o esfacelamento de mitos para a construção de uma obra”

Tem ainda cobertura do Festival do Rio, a cargo de João Toledo.
Acompanhe aqui.


terça-feira, 22 de setembro de 2009

"Giallo", o novo Dario Argento



por Marcelo Miranda

Ele não vai ser visto num cinema perto de você, mas está por aí. Giallo, trabalho mais recente do mestre italiano Dario Argento, chega diretamente às locadoras brasileiras. A Califórnia Filmes, distribuidora, optou por não lançá-lo nas salas de exibição. Uma decisão lamentável, que priva o público de assistir na tela a um dos grandes nomes do cinema mundial em plena atividade. Ainda mais no caso de Giallo, que - já visto por este que escreve - mostra Argento em grande forma.

Se há poucos anos, em A Mãe das Lágrimas, o italiano pareceu realizar um filme quase por compromisso a si mesmo (o fecho de uma trilogia iniciada nos anos 70), com Giallo ele parece ter tido prazer absoluto. Quase tudo funciona no filme, elevando os pontos positivos e abafando os negativos de projetos recentes que muito se assemelham a este, como Quem Quer Ser Hitchcock? e O Jogador Misterioso, ambos não tão potentes quanto Giallo.

Não vou falar muito, pra dar oportunidade a todo mundo de ver. Pretendo escrever com mais detalhes a respeito do filme, em especial sobre como Argento se autoironiza a todo instante - desde o título, que remete ao subgênero que ele ajudou a firmar na Itália, até alguns desdobramentos da trama e da encenação.

O negócio é correr e pegar na locadora. Bem podia ser no cinema, mas, num circuito em que Quentin Tarantino fica na geladeira por mais de dois anos (À Prova de Morte, jamais lançado pela Europa Filmes), seria sonhar alto demais ter Dario Argento no cinema da esquina.

terça-feira, 15 de setembro de 2009

domingo, 13 de setembro de 2009

Alguns melhores do Indie

Em Belo Horizonte, terminou na semana passada o Indie - Mostra de Cinema Mundial. No dia 17 (quinta-feira), começa a edição paulista do festival, no Cinesesc. Compacta, ela traz alguns dos filmes mais interessantes da versão mineira. Em vista disso, a turma aqui do Filmes Polvo resolveu listar os cinco filmes que mais chamaram atenção de cada crítico que frequentou ostensivamente a mostra.

Vale registrar que as listas abaixo não tem qualquer valor "científico" nem muito menos esgotam as dezenas de possibilidades de outros bons filmes no Indie. O leitor irá perceber que as listas quase se fecham nas retrospectivas de Naomi Kawase, Philippe Grandrieux e Brillante Mendoza. Por um motivo simples: assim como festivais têm seus recortes de curadoria, nós tivemos as nossas próprias formas de mergulhar no universo infinito de imagens à nossa disposição. Portanto, as relações abaixo são não apenas fluidas, mas representativas do que mais agradou a cada um de seus autores dentro do universo limitado de tudo que foi assistido.

Aos favoritos, portanto. Os filmes com crítica no site estão linkados.

Ursula Rösele

1 - Shara (Naomi Kawase)
2 - Kinatay (Brillante Mendoza)
3 - Nascimento/Maternidade (Naomi Kawase)
4 - Tirador (Brillante Mendoza)
5 - A Floresta dos Lamentos (Naomi Kawase)

Leonardo Amaral

1 - Kinatay
2 - Nascimento/Maternidade
3 - Retorno a Sarajevo (Philippe Grandrieux)
4 - Gigante (Adrián Biniéz)
5 - A Floresta dos Lamentos

João Toledo

1 - Hotaru (Naomi Kawase)
2 - Tirador
3 - Shara
4 - No Meu Lugar (Eduardo Valente)
5 - Gigante

Marcelo Miranda

1 - Kinatay
2 - Serbis (Brillante Mendoza)
3 - Shara
4 - Sombra (Philippe Grandrieux)
5 - Hotaru

Rafael Ciccarini

1 - Shara
2 - Tirador
3 - Serbis
4 - A Floresta dos Lamentos
5 - Kinatay

quinta-feira, 10 de setembro de 2009

Indie 2009 - atualizações

Pessoal,

no ar em nossa cobertura: “Olhando o Paraíso e Sol Poente”, “Suzaku”, “Shara”, “Sombra”, “John John” e “Serbis”.

Para entrar em Indie 2009: aqui.

Equipe Filmes Polvo

terça-feira, 8 de setembro de 2009

Indie 2009: "Shara", de Naomi Kawase



Esta cena é de Shara, filme de 2003 da japonesa Naomi Kawase e integrante da programação da mostra Indie em Belo Horizonte. É uma pequena obra-prima que tem algumas das imagens mais arrebatadoras do festival até agora. Tem reprise nesta quarta-feira, às 19h, na sala 1 do Usina Unibanco de Cinema. Para não perder. Em breve, crítica na nossa cobertura.

segunda-feira, 7 de setembro de 2009

Uma conversa com o filipino Brillante Mendoza




por Marcelo Miranda

Numa breve e informativa conversa por e-mail, falamos com o diretor filipino Brillante Mendoza, ganhador da Palma de Ouro em Cannes como melhor diretor, por Kinatay. Seus filmes estão sendo exibidos no Indie 2009, em Belo Horizonte (com cobertura pólvica aqui), e em seguida vão passar no Cinesesc, em São Paulo. Na entrevista, Mendoza fala sobre seu cinema, as escolhas estéticas e narrativas de seus filmes e como é ser cineasta independente nas Filipinas.

Seu trabalho tem sido caracterizado como brutal, hiperrealista e provocador, devido ao uso da violência e do sexo. De onde vêm inspirações e ideias para os filmes que faz?
A fonte são histórias de pessoas diferentes que eu entrevisto sempre que faço pesquisa para algum tema sobre o qual eu gostaria de retratar. Minhas inspirações são essas pessoas, porque elas são gente de verdade. As tramas propriamente ditas são uma criação da minha imaginação.

A realidade das Filipinas é uma questão nos filmes? De que maneira você a leva às telas?
Não há como não ter a situação real das Filipinas nos meus filmes, porque eles estão baseados em histórias reais. Tento ser o mais verdadeiro e honesto possível ao retratar as realidades da vida. Procuro não ser pretensioso ou hipócrita. A verdade dói, e é por isso que algumas pessoas não gostam do que eu faço.

Num período de cinco anos, você realizou oito filmes e ganhou prêmio em Locarno com o primeiro (Massagista) e a Palma de Ouro de Cannes de melhor diretor com o último (Kinatay). Como define essa rápida trajetória? Sente que seu cinema mudou entre o primeiro filme e o mais recente?
Só quero seguir em frente. O cinema me faz sentir vivo. Sinto que ainda tenho muitas coisas a dizer e não vou parar até eu ser ouvido. Acredito que há um propósito no que acontece na minha carreira. Talvez meu estilo e a forma como conto minhas histórias tenham algo a ver com a aceitação dos filmes na comunidade internacional. Ou algumas pessoas talvez prefiram ver mais verdades do que as coisas que elas costumavam ver antes. Meu estilo cinematográfico não mudou de Massagista para Kinatay. O que muda é minha maturidade no trabalho, na perspectiva e na visão como cineasta.

O realismo e o tom de documentário são muito presentes nos filmes. Você quer fazer o espectador ser cúmplice do que conta?
Quero ter um público responsável e maduro. Quero envolvê-lo não só emocional e psicologicamente, mas também fisicamente. Quero que os espectadores tenham uma experiência tridimensional; não quero que fiquem apenas lá sentados, assistindo ao filme de uma forma distante ou desapegada. O que eu faço não é para entreter. Quero que o público pense e se envolva.

Você disse recentemente que seu país não está preparado para o tipo de cinema que propõe. Por quê?
Meu país, assim como na maioria dos países americanizados, estão expostos apenas a filmes de Hollywood. Pensamos que qualquer coisa de lá é muito boa, portanto, esforçamo-nos para sermos como Hollywood. Se não a visualizarmos, então o filme é ruim. Mas o que faço está muito próximo da realidade, e o público filipino não está preparado para ver roupa suja no próprio quintal.

As reações extremas que seus filmes geram (alguns amam, outros odeiam) faz bastante sentido na sua tentativa de provocar. Como lida com isso?
O cinema é completamente uma questão de troca de pensamentos e ideias. Se você não puder dizer algo sobre um filme, então o filme deve ser ruim. Se as pessoas não gostarem dos meus filmes, respeito suas opiniões, porque é um direito delas. Mas elas também devem respeitar meus direitos de contar as histórias como eu quero contar.

O que caracteriza o cinema hoje nas Filipinas?
Fazer cinema alternativo nas Filipinas não é caro, pois podemos conseguir os recursos gratuitamente e todo mundo quer prestar seus serviços também gratuitamente. Existe uma revolução na expressão dos nossos pensamentos e ideias devido à tecnologia digital. A maioria das histórias dos cineastas independentes é excepcional. Elas não se encaixam na narrativa tradicional. Os jovens cineastas são bravos e sem medo. Não se importam em perder dinheiro. Uma atitude filipina típica é o "bahala na" (venha o que vier). Mas, fora dessa revolução, o público em geral ainda vai procurar os filmes mais comentados. Ainda temos que encontrar e manter fiel o nosso público, e isso exige um longo processo.

domingo, 6 de setembro de 2009

Indie 2009 - atualizações

Pessoal,

acompanhem nossa cobertura do Indie 2009 por aqui.

No ar, os textos:

• A Arquitetura do Corpo, de Marcos Pimentel
• A Floresta dos Lamentos, de Naomi Kawase (1)
• A Floresta dos Lamentos, de Naomi Kawase (2)
• A Fuga, A Raiva, A Dança, A Bunda, A Boca, A Calma, A Vida da Mulher Gorila, de Felipe Bragança e Marina Meliande
• Abraçando, de Naomi Kawase
• Aeroporto, de Thiago Pedroso
• Anticristo, de Lars Von Trier
• Cães da Vizinhança, de Gabriel Sanna
• City Island, de Raymond De Fellitta
• Faces, de John Cassavetes
• Gigante, de Adrian Biniez
• Glória ao Cineasta, de Takeshi Kitano
• Katatsumori, de Naomi Kawase
• Kinatay, de Brillante Mendoza
• Nanayo, de Naomi Kawase
• No Meu Lugar, de Eduardo Valente (1)
• No Meu Lugar, de Eduardo Valente (2)
• Noite de Sexta, Manhã de Sábado, de Kleber Mendonça Filho
• Nº 27 de Marcelo Lordello (1)
• Nº 27, de Marcelo Lordello (2)
• O Dia em Que Não Matei Bertrand, de L.C. Oliveira Jr. E Ives Rosenfeld
• O Fim da Picada, de Christian Saghaard
• Passos no Silêncio, de Guto Parente
• Quanto dura o amor?, de Roberto Moreira
• Terra, de Sávio Leite
• Tirador, de Brillante Mendoza
• Tokyo!, de Michel Gondry, Leos Carax e Bong Joon-Ho
• “Céu, vento, fogo, água, terra”, “Nascimento e maternidade” e “Carta de uma cerejeira amarela em flor”, de Naomi Kawase
• “Kinatay”, “Tirador” e “A professora”: desconstrução da realidade

Esperamos vocês lá!

Equipe Filmes Polvo

Indie 2009

As coisas no blog andam devagar por um motivo justíssimo: a cobertura da 9ª edição do Indie - Mostra de Cinema Mundial está à toda no site. Um dos principais eventos audiovisuais de Belo Horizonte, o Indie tem este ano retrospectivas de três cineastas nunca exibidos integralmente no país: o filipino Brillante Mendoza, a japonesa Naomi Kawase e o francês Philippe Grandrieux. E, além deles, tem dezenas de outros filmes de diversos países.

O festival vai até o dia 10. A programação pode ser conferida aqui, e a nossa extensa (e ostensiva) cobertura está aqui, com atualizações diárias. Acompanhe e continue acessando também este blog, para mais novidades.

quinta-feira, 3 de setembro de 2009

Uma conversa com Clarissa Campolina



por Marcelo Miranda
*

Corre a boca miúda num certo nicho do audiovisual mineiro que, se você está perdido com o material que registrou para o seu filme, chame a montadora Clarissa Campolina, que ela resolve. Com ou sem o mito de salvadora, o trabalho de Clarissa tem ganhado cada vez maior destaque, por conta de sua habilidade em concatenar um plano a outro e, dali, criar sentidos que dialogam diretamente com as intenções do realizador.

Aos 30 anos, Clarissa é uma das sócias da produtora mineira Teia - que, do discreto casario localizado no bairro Barroca, articula alguns dos trabalhos mais instigantes da recente cinematografia do Estado. Montadora de quase todos eles, Clarissa estreou na direção - na verdade, na codireção, que dividiu com o colega Helvécio Marins - no curta-metragem Trecho, ganhador de diversos festivais no país e no exterior. Em seguida, fez o média Notas Flanantes, exibido no CineOP - Mostra de Cinema de Ouro Preto, em junho deste ano. Atualmente, Clarissa e Helvécio preparam Girimunho, nova parceria que vai marcar a estreia da dupla no longa-metragem.

Como você se tornou montadora?
Eu era estudante da UFMG e fui trabalhar como estagiária de direção do Samba Canção (primeiro longa de Rafael Conde). Virei assistente de direção e, quando o filme terminou de ser feito, eu estava no meu último ano da faculdade de rádio e TV. O Rafael, que era professor, tinha uma bolsa de pesquisa, e virei bolsista dele. Acompanhei todo o processo de montagem do filme e, logo no meu primeiro trabalho, conheci por dentro a feitura de um longa-metragem. Olhava tudo. Durante quatro meses fiquei calada, só observando e aprendendo a técnica e o conceito aplicado naquilo tudo. Logo em seguida, montei meu primeiro trabalho, Agtux, da Tânia Anaya, em 2005.

Em que parte do caminho você definiu a montagem como o seu trabalho?
Eu já tinha vontade de fazer aos 19 anos, mas fui conhecendo outras áreas e ia entendendo como diferentes combinações de imagens dão diferentes filmes e como a imagem te conta algumas coisas. Aí, a vontade foi surgindo. Especificamente, o diálogo que estabeleci com a Tânia no Agtux definiu de vez essa escolha.

E a Teia?
Veio um ano depois do estágio com o Rafael Conde. Já existiam diálogos entre nós (os outros sócios), então decidimos nos juntar pra trabalhar juntos.

Qual a sua visão sobre a montagem?
Acho que a montagem é realmente importantíssima para a construção de um filme. O Eduardo Escorel (montador, entre outros, de Cabra Marcado para Morrer, de Eduardo Coutinho) disse uma vez que existe um único bom filme com as imagens que você tem. O Nam June Paik (cineasta coreano) dizia que um filme montado eliminava todos os outros que poderiam existir. Hoje, me identifico muito mais com o Escorel. Cheguei a pensar em reeditar imagens do Trecho para outro filme e, quando voltei às filmagens, vi que não existia possibilidade, o filme já estava lá, pronto. O montador é essa figura que organiza a narrativa e a linguagem dentro das possibilidades já existentes. A criação talvez seja limitada, porque existe o material, mas a criação é igualmente infinita, porque a organização é também uma forma de criar.

O roteiro conta?
O cinema tem vários momentos de criação, da escrita do roteiro à saída para filmar, e aí vem a montagem, a edição de som e todas as etapas de pós-produção. Na montagem, penso eu, não importa mais o roteiro. Não importa mais o discurso do realizador, que é cada vez mais comum na forma de produção atual. Acredito na montagem através das imagens que eu tenho; elas me dizem o que realmente deve guiar a realização daquele filme único que está ali.


Helvécio e Clarissa com o pé e a câmera na estrada

Em Notas Flanantes, no que a experiência de montadora pesou ao projeto?
É óbvio que a experiência de montadora e de outras artes influencia naquilo que se vê e naquilo que eu faço, da pintura ao trabalho de outros realizadores. Mas, fora ser uma montadora, eu sou uma pessoa organizadora. Acho que isso inevitavelmente está no filme, até porque ele é muito subjetivo. Já me disseram que é o "flaneur" (poesia) mais organizado que já se viu, e é por aí. Existe uma aleatoriedade, mas também a organização. E na montagem, eu buscava organizar o discurso, a narrativa, porque o mais interessante era revelar o processo de feitura.

Em filmes de subjetividade e intimismo, como são Trecho e Notas Flanantes, qual o diálogo possível com o outro, ou seja, com quem recebe o filme e o assiste? Se o outro se permite ver, estar ali, experienciar o que está na tela, o diálogo pode ser maior. A espetacularização do mundo é diferente de se fazer algo tão mínimo e singular. Essa espetacularização virou um tipo de roteiro do mundo, e a possibilidade de você dialogar é muito menor, é difícil quebrar esse roteiro e deixar um espaço para outro. No "Notas Flanantes", mesmo tão subjetivo, com muito silêncio, tem a ideia de mostrar um encontro de quem filma com a paisagem, algo que permitisse ao outro a possibilidade de experiência de percepção que dialogasse com as imagens e sons.

Quais são suas referências no cinema?
Gosto de muitos trabalhos de muitas pessoas [risos]. Gosto do John Cassavetes, da Sophie Calle, da Agnés Varda... Cada um deles tem uma pesquisa diferente, como também o Stan Brakhage ou o Pedro Costa. Acaba sendo algo infinito.

No Trecho você divide a direção com o Helvécio Marins.
Já tinha feito trabalhos conjuntos, no Silêncio, do Sérgio Borges, e Nascente, do Helvécio, ainda que havia um nome como o diretor. Trecho foi o primeiro em que eu realmente dividi nominalmente a direção. Foi um projeto realizado em conjunto desde o argumento, a concepção, a filmagem, a exibição. É este que considero o meu primeira curta em 35mm.

Agora vocês fazem o Girimunho. Onde nasceu a proposta deste longa?
Surgiu da vontade de filmar no espaço onde ele vai ser filmado. Tudo começou na pesquisa de locação do Nascente, quando conhecemos são Romão, comunidade nas margens do rio São Francisco. Várias vezes voltamos lá e, numa dessas viagens, conhecemos um casal, que serão os personagens do filme. A partir de conversas com eles e com a Maria do Tambor, outra figura local, construímos o roteiro junto com o Felipe Bragança [roteirista de O Céu de Suely e No Meu Lugar]. E estamos agora com o roteiro delineado, mas já sentindo que ele não será estritamente seguido, porque os personagens serão os próprios moradores, e isso deve permitir coisas que não esperamos. O roteiro será o nosso guia, com várias possibilidade de abertura.

Qual a previsão?
Pretendemos filmar no primeiro semestre do ano que vem.

*Entrevista originalmente publicada no jornal O Tempo, no dia 28.8.2009