Blog do Polvo

A Von Trier, os holofotes

2011-05-19T16:37:00.006-03:00

por Ursula Rösele

Entre os vários frissons de Cannes, ontem foi a vez de Lars Von Trier. A entrada não chegou ao belicismo como aconteceu em The Tree of Life, mas tivemos de chegar à fila umas 7h da manhã para um filme que começaria às 8h30.

Von Trier não passou perto do acinte que é Anticristo, mas segue deprimido e afeito à polêmica. Depois de responder a um jornalista que o perguntou de seu novo projeto, se haverá ou não um Wasington para finalizar a trilogia Dogville-Manderlay-?, respondeu que está escrevendo um roteiro para um filme pornô com Kirsten Dunst e Charlotte Gainsboroug que durará horas.

Levando-se em conta a besteira que disse em seguida, esta pode ser considerada uma brincadeira de fato engraçada e espirituosa do diretor. Quando o mediador solicitou que fosse feita a última pergunta uma jornalista pediu para Von Trier falar de sua origem alemã e em como isso influencia suas criações, visto a aura gótica de seu filme. Ele disparou:

“I really wanted to be a jew, and then I found that I was really a nazi. You know, because my family was german, which also gave me some pleasure. What can I say…I understand Hitler, but I think he did some wrong things, absolutely, but I can see him seating in his bunker at the end. I think I understand the man. He’s not what you would call a good guy, but I understand much about him, I sympathize with him a little bit. But come on, I’m not for the Second World War and I’m not against jews. I’m very much for jews, not so much cause Israelis are pretty much a pain in the ass, and how can I get out of this sentence? (…) Ok, I’m a nazi”*.

A direção de Cannes imediatamente enviou um e-mail à imprensa:

Press release

The Festival de Cannes was disturbed about the statements made by Lars von Trier in his press conference this morning in Cannes. Therefore the Festival asked him to provide an explanation for his comments.

The director states that he let himself be egged on by a provocation. He presents his apology.

The direction of the Festival acknowledges this and is passing on Lars von Trier’s apology. The Festival is adamant that it would never allow the event to become the forum for such pronouncements on such subjects.

***

Artistas não estão imunes à estupidez... haja vista Woody Allen ou Roman Polanski. Mas simpatia a Hitler não dá para engolir. Von Trier curte uma polêmica, ok, e há muitos por aí que estão afim de ouví-lo anunciar suas tradicionais baboseiras, mas achar que há espaço para tecer um elogio a Hitler totalmente fora de contexto é dureza. Dizem que ele mandou um e-mail se desculpando e afirmando ter caído em uma provocação.

Hoje pela manhã a diretoria de Cannes enviou outro e-mail à imprensa:

Statement from the Board of Directors of the Festival de Cannes

The Festival de Cannes provides artists from around the world with an exceptional forum to present their works and defend freedom of expression and creation. The Festival’s Board of Directors, which held an extraordinary meeting this Thursday 19 May 2011, profoundly regrets that this forum has been used by Lars Von Trier to express comments that are unacceptable, intolerable, and contrary to the ideals of humanity and generosity that preside over the very existence of the Festival.

The Board of Directors firmly condemns these comments and declares Lars Von Trier a persona non grata at the Festival de Cannes, with effect immediately.

***

Como passamos o dia todo vendo filmes e escrevendo, ainda não sabemos ao certo a quantas anda a repercussão disso aqui. Um diretor como ele, que recebe confetes por onde passa, acaba sendo perdoado por ser excêntrico, polêmico, conhecido por falar bobagens. E o complicado é que ao proferir tais absurdos, ele desvia os olhares para aquilo que deveria de fato ser discutido aqui: o seu próprio filme. Um tolo. E um artista que vem ganhando cada vez menos o meu respeito.

*"Eu de fato quis ser um judeu e então descobri que eu era mesmo um nazista. Você sabe, pelo fato de minha família ser alemã, algo que também me deu certo prazer. O que eu posso dizer...eu entendo Hitler, mas eu acho que ele fez algumas coisas erradas, absolutamente, mas eu posso vê-lo sentando em seu bunker ao final. Eu acho que entendo o cara. Ele não é o que se pode chamar um “bom rapaz”, mas eu o entendo bastante, eu simpatizo um pouco com ele. mas vamos lá, eu não sou a favor da Segunda Guerra Mundial e não sou contra os judeus. Sou muito afeito aos judeus, não tanto, porque os israelenses são um pé no saco, e como eu me livro desta frase? (...) Ok, sou um nazista". (tradução minha)

Vladimir Carvalho fala sobre seu novo doc: Rock Brasília

2011-05-17T02:23:00.011-03:00

Por Leo Cunha

Será só imaginação? Não, o documentário Rock Brasília, de Vladimir Carvalho, está em pós-produção e estréia no segundo semestre de 2011. No último sábado, 14 de maio, em Pirenópolis (GO), o cineasta conversou com o público sobre o novo projeto.

Vladimir foi à FliPiri (Festa Literária de Pirenópolis) para a sessão comentada do seu curta “Vila Boa de Goiaz”, de 1973, que registra a primeira vez em que a poeta Cora Coralina foi filmada. Cora foi a autora homenageada nesta terceira edição da charmosa festa literária promovida pela prefeitura da cidade, em parceria com a Ong Casa de Autores, de Brasília.

Após a sessão, Vladimir conversou com o público sobre o curta de 1973 e depois, muito empolgado, adiantou detalhes de Rock Brasília, que terá cerca de 1h 45 min, divididos principalmente entre 4 bandas: Legião Urbana, Plebe Rude, Capital Inicial e Paralamas do Sucesso. Esta última, apesar de não ser “natural” de Brasília, teve uma passagem marcante pela capital e estabeleceu uma relação de amizade com os integrantes das outras bandas.

Morador de Brasília há várias décadas e admirador confesso de Renato Russo (“o maior poeta do rock brasileiro”, em sua opinião), Vladimir gravou, desde o início da década de 1980, horas e horas de material com (e sobre) as bandas brasilienses. Ensaios, shows, festas e mesmo simples conversas, além de entrevistas com familiares (a cena com a mãe de Renato promete!). Algumas das imagens, explicou o diretor, datam de antes mesmo da formação das bandas retratadas, e foram filmadas sem que imaginasse que o material acabaria virando (este) documentário.

Vladimir contou que fez questão de assistir a todos os documentários recentes sobre roqueiros brasileiros (A vida até parece uma festa, sobre os Titãs, Herbert de perto, sobre os Paralamas, Guidable, sobre os Ratos de Porão, etc). Seu filme, porém, tem um perfil diferente, pois a produção não teve ligação com os membros de nenhuma das bandas. “Se bem que eu me sinto bem próximo dos grupos, já que sou amigo dos pais de muitos dos músicos”, salientou.

Para quem estranhar esta incursão do veterano diretor pelo mundo do rock and roll, vale lembrar que ele já esteve presente em outros filmes de Vladimir, como Barra 68 e Conterrâneos Velhos de Guerra. Mas no novo filme o rock vira protagonista e só não vai aparecer mais por questões financeiras, como explicou o cineasta: “para cada música que aparece no filme tivemos que pagar os direitos autorais correspondentes. E tem que ser assim mesmo, não tem outro jeito.”

Se alguém estiver se perguntando “até quando esperar” (como canta a Plebe Rude), vale lembrar que alguns teasers de Rock Brasília já estão disponíveis na Internet, por exemplo aqui e aqui.

No ar, direto de Cannes

2011-05-15T11:11:00.000-03:00

por Ursula Rösele

Cobertura: http://filmespolvo.com.br/site/eventos/index/58

Textos disponíveis:

· Duelo Antes da Noite, de Alice Furtado (Mostra Cinéfondation)

· Habemus Papam, de Nanni Moretti (Competitiva)

· Hearat Shulayim (Footnote), de Joseph Cedar (Competitiva)

· Midnight in Paris, de Woody Allen (Fora da Competição)

· Poliss, de Maïwenn (Competitiva)

· Restless, de Gus Van Sant (Un Certain Regard)

· Sleeping Beauty, de Julia Leigh (Competitiva)

· Trabalhar Cansa, de Marco Dutra e Juliana Rojas (Un Certain Regard)

· We Need to Talk About Kevin, de Lynne Ramsay (Competitiva)

Allen em Cannes

2011-05-11T13:13:00.000-03:00

Frisson absoluto, imprensa enlouquecida, filme delicioso. E texto de Midnight in Paris no ar, em nossa Cobertura (para entrar, clique aqui).

Sidney Lumet (1924-2011)

2011-04-13T12:28:00.002-03:00

Farley Granger (1925 - 2011)

2011-03-29T18:02:00.002-03:00

"Vips", de Toniko Melo

2011-03-28T11:29:00.003-03:00

por Marcelo Miranda

Assistindo a "Vips", é impossível não nos remetermos ao célebre ensaio de Paulo Emílio Sales Gomes (1916-1977) "Cinema – Trajetória no Subdesenvolvimento". Analisando o histórico da produção audiovisual brasileira de ficção, o crítico escreve: "Não somos europeus nem americanos do norte, mas destituídos de cultura original, nada nos é estrangeiro, pois tudo o é".

"Vips" faria a alegria de um pensador como Paulo Emílio. É um filme corretamente realizado, de alta produção, assinada por Fernando Meirelles, e grife tipo exportação. É, acima de tudo, um filme que trabalha códigos de linguagem facilmente assimiláveis por um público viciado nos mesmos tipos de códigos estabelecidos nas produções de Hollywood frequentemente despejadas nas salas locais. Se você viu (e entendeu) obras como "Prenda-me se For Capaz", de Steven Spielberg, e "O Aviador", de Martin Scorsese, certamente vai entender (e gostar) de "Vips".

Deixando de lado a distinção evidente de mestres da narrativa como Spielberg e Scorsese em relação a "Vips", a diferença primordial é essencialmente no uso da língua. Leonardo Di Caprio (ator dos dois filmes citados) fala inglês; Wagner Moura, português. É uma experiência curiosa, a de "Vips". A trajetória do falsário interpretado por Moura é narrada de maneira razoavelmente fascinante, ainda que haja algumas derrapadas, especialmente na primeira parte (quando o filme parece não saber bem o que está, afinal, narrando) e numa certa ingenuidade psicológica das ações do protagonista.

A certa altura, quando a ação embala, "Vips" se assemelha cada vez mais com as matrizes, desde a forma de enquadrar e cortar de uma cena a outra, de inserir os coadjuvantes na trama e de concluir a história. Ao mesmo tempo em que nos remete a produções estrangeiras, "Vips" também mexe o tempo inteiro com o imaginário de qualquer um que se sinta instigado a encontrar, ali, alguma identidade.

De quem é o filme, afinal? Do diretor Toniko Melo? De Wagner Moura? De Meirelles? Talvez de todos, ou de nenhum. Em se tratando de um projeto sobre um vigarista que se caracteriza pelas mentiras pregadas ao longo da vida, chega a ser coerente que "Vips" não encontre, nunca, uma identidade própria.

Mas, antes de ser um procedimento intencional – o filme se leva a sério demais para aparentar minimamente estar fazendo troça ou ironia de sua própria concepção –, o que deve mover "Vips", de novo está no que Paulo Emílio escreveu no mesmo ensaio aqui já comentado: "A penosa construção de nós mesmos se desenvolve na dialética rarefeita entre o não ser e o ser outro. O filme brasileiro participa do mecanismo e o altera através de nossa incompetência criativa em copiar".

Elizabeth Taylor (1932-2011)

2011-03-23T12:21:00.001-03:00

Edição 39 no ar!

2011-03-19T11:27:00.005-03:00

Já está no ar a nova edição da revista eletrônica de cinema Filmes Polvo.

Confira as colunas:

Fade-out (Thiago Macedo): "Carlos", de Olivier Assayas

Story Line (Leo Cunha): "Cisne Negro" - Darren Aronofsky e a autodestruição

Cinetoscópio (Leo Amaral):
- Afinal, onde está o cinema brasileiro?
- A política da juventude: entre a utopia do caminho e a imagem utópica do pensamento singular

Fora de Quadro (Nísio Teixeira): Michel Brault (final) - "Les enfants de Néant" e "Les Ordres" em conexão com "Octobre", de Pierre Falardeau: jogos mortais de conformismo ou resistência

Plano Sequência (Gabriel Martins): Ficção, documentário, fissão - "Avenida Brasília Formosa" e "O céu sobre os ombros"

Raccord (Ursula Roesele):
- Entre o ego e a impaciência - sintomas de um cinema de desperdícios
- "Bravura Indômita" - releitura para a América de hoje

Corte Seco (João Toledo): "Lilian M: Relatório Confidencial"

Contra-Plongée (Marcelo Miranda): “Adam Resurrected”, ou “Adam – Memórias de uma Guerra” - a profissão de fé de Paul Schrader

O Oscar da escolha fácil

2011-03-01T11:58:00.003-03:00

por Marcelo Miranda

Foi irônico e maldoso que Steven Spielberg fosse chamado para apresentar o prêmio de melhor filme na entrega do Oscar 2011, na noite do último domingo, em Los Angeles. Há 12 anos, o diretor competia com "O Resgate do Soldado Ryan" e perdeu para "Shakespeare Apaixonado", do britânico John Madden e produzido pelos irmãos Weinstein. Pois foi Spielberg quem entregou a estatueta justamente aos Weinstein, produtores de "O Discurso do Rei", o maior vitorioso da festa - e outra produção britânica de relevância duvidosa.

Quando o clipe dos dez indicados na categoria a melhor filme começou a ser apresentado, as cartas estavam dadas: close no rosto de Colin Firth, no papel do rei George VI, e a íntegra da fala do personagem à nação inglesa às vésperas da 2ª Guerra, ao mesmo tempo em que imagens dos outros nove títulos eram apresentadas. A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood nunca fora tão pouco sutil.

Claro que a premiação a "O Discurso do Rei" era, como podemos definir, uma tragédia anunciada. Não apenas pelos inúmeros prêmios colhidos pelo filme nas semanas anteriores, mas especialmente pelo andar da festa do Oscar no domingo. Os troféus de roteiro, de ator (Firth) e de direção (Tom Hooper) davam a exata noção de que "A Rede Social", principal concorrente do filme inglês, estava sendo deixado para trás. O filme de David Fincher ganhou trilha sonora, montagem e roteiro adaptado.

A Academia, assim, deixou passar a oportunidade de premiar o filme mais significativo dentre todos os indicados. Não necessariamente o melhor, mas certamente o que mais representava um estado de espírito e de mundo na atual era da hiperinformação. A truncada saga de Mark Zuckerberg, criador do Facebook, reflete o espírito de uma geração e de toda a década passada.

"A Rede Social" leva essas questões não só à temática central do longa, mas à sua estética, fazendo do vai e vem dos depoimentos dos personagens espécies de hiperlinks impossíveis de serem totalmente conectados. Depois da provocação de premiar "Guerra ao Terror" no ano passado - filme controverso sobre a invasão norte-americana no Iraque -, os votantes da Academia decidiram ir pelo caminho mais fácil. "O Discurso do Rei" é inofensivo e inócuo e, por isso mesmo, certeiro na ânsia por não criar confusão com ninguém. Exalta-se o rei, e estamos todos conversados.

O restante da premiação também não guardou nada para além das previsões. Às vezes isso foi bom, como o pré-alardeado troféu a Natalie Portman por "Cisne Negro", cuja interpretação é quase unânime na apreciação do filme e a deixava realmente sem concorrência. Já o de ator para Colin Firth soou mais como adesão a uma quantidade considerável de troféus a "O Discurso do Rei" do que apenas pelo ator, indicado no ano passado pelo sutil trabalho em "Direito de Amar". Os coadjuvantes Melissa Leo e Christian Bale garantiram os únicos prêmios possíveis a "O Vencedor", também sem alarde.

E "Lixo Extraordinário", coprodução Brasil e Inglaterra, perdeu o Oscar de documentário para "Trabalho Interno", sobre a crise econômica nos EUA.

Vencedores mesmo.

Foi uma noite de glória a uma dupla tão discreta na presença física quanto indiscreta na campanha pelos filmes que faz. Os irmãos Bob e Harvey Weinstein confirmaram o notório faro a sucessos de premiação com a consagração de "O Discurso do Rei" na noite do último domingo.

Os Weinstein vinham de uma crise sem precedentes em suas trajetórias. Após anos de acertos, a última vez que emplacaram no Oscar fora nas premiações a "Chicago" (2002) e "O Senhor dos Anéis - O Retorno do Rei" (2003). E então, os dois entraram numa maré de confusões.

Primeiro, a tumultuada saída da Miramax, produtora onde eles tiveram significativa atuação entre o final dos anos 70 e meados dos anos 2000. "O Paciente Inglês", em 1996, foi o primeiro filme da grife deles a levar bateladas de prêmios da Academia de Hollywood. Em 2005, já fora da Miramax, vendida a um outro grupo, os irmãos fundaram a Weinstein Company. Mas isso não garantiu que evitassem a bancarrota. Eles acumularam prejuízos contínuos a ponto de fazê-los hipotecar 250 filmes de seu acervo para conseguirem se manter na indústria.

"O Discurso do Rei" foi uma cartada decisiva. Foram os Weinstein que sentiram o potencial de sucesso do filme de Tom Hooper e assumiram a produção executiva. Depois, mergulharam em pesada campanha de marketing e lobby ante os votantes das premiações norte-americanas.

Conhecidos pela forte sedução e benefícios, eles voltaram com tudo, emplacando "O Discurso do Rei" como o filme do ano no Oscar 2011. Pouca gente vai se lembrar do longa de Hooper daqui a uns poucos anos, mas certamente os Weinstein renascem fortalecidos graças a ele.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 1.3.2011

Annie Girardot (1931-2011)

2011-02-28T14:30:00.000-03:00

Mostra Inéditos em BH

2011-02-28T10:26:00.000-03:00

Dos dias 21 de fevereiro a 22 de março o Cine Humberto Mauro promove a Mostra Inéditos em BH, com filmes que não entraram em cartaz na cidade. Em nossa área “Cobertura” (link aqui) vocês encontrarão textos dos filmes exibidos por lá. Confiram.

O Oscar do drama

2011-02-27T17:24:00.003-03:00

por Marcelo Miranda

Antes de qualquer coisa, é melhor os brasileiros sossegarem o facho quando forem assistir à entrega do Oscar 2011 logo mais. Apesar de boa parte da mídia e os próprios realizadores estarem forçando para que "Lixo Extraordinário", de Lucy Walker, seja considerado um filme brasileiro concorrente a melhor documentário, trata-se de uma ilusão.

É notoriamente uma produção inglesa, feita em parceria com o Brasil, que entrou menos com a concepção artística e muito mais com aparato técnico e de infraestrutura. Ou seja, tecnicamente, o filme é mais brasileiro que britânico; essencialmente, é um filme da Inglaterra - e serão ingleses que deverão efetivamente levar a estatueta para casa, caso o longa seja escolhido hoje.

Dito isso, o que mais interessa na cerimônia a ser realizada em Los Angeles, no teatro Kodak, pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood? A 83ª edição do prêmio repete o que foi retomado no ano passado e coloca dez títulos na principal disputa, a de melhor filme. A estratégia serve principalmente para tentar alavancar a audiência da transmissão da festa na TV - quanto mais filmes no mata-mata, mais gente para torcer por seus favoritos.

A maior quantidade de competidores tira bastante da "coerência" das indicações que sempre marcou os votantes da academia, mas ainda é possível puxar alguns fios. A considerarmos a lista dos dez melhores de 2010, segundo a entidade, o que mais lhe chamou a atenção foram dramas absolutamente humanos - há, por exemplo, pouquíssimos filmes de toada mais fantasiosa, casos apenas de "A Origem" e "Toy Story 3", ambos azarões absolutos. Os demais passeiam pelos mais variados tipos de dramas, abarcando uma radiografia humana de crises, dores, dúvidas, derrotas, angústias, redenções e derrocadas.

Da trajetória amargamente vitoriosa do criador do Facebook em "A Rede Social" à melancólica saga de vingança e morte perpetrada por uma garotinha em "Bravura Indômita"; de mais uma garota em busca de algo - no caso, o pai - em "Inverno da Alma" a uma outra busca paterna, menos trágica, em "Minhas Mães e Meu Pai"; do mergulho no inferno das drogas que empaca a glória em "O Vencedor" até a superação de uma deficiência física em prol da nação mostrada em "O Discurso do Rei"; da solidão e do sacrifício ante a dor de "127 Horas" à jovem travada que luta contra as próprias barreiras psicológicas em "Cisne Negro".

Um outro elemento a ligar os dez filmes de alguma forma é que todos são sucessos de bilheteria nos EUA. Alguns são realmente campeões, justamente "Toy Story 3", com saldo de US$ 413 milhões, e "A Origem", com US$ 293 milhões. Outros são autênticos fenômenos, que, de custo baixo, funcionaram menos no marketing do que no boca a boca, casos de "Bravura Indômita" (US$ 164 milhões e ainda em cartaz), "O Discurso do Rei" (US$ 104 milhões, ainda em cartaz), "A Rede Social" (US$ 97 milhões) e "O Vencedor" (US$ 88 milhões).

A situação, portanto, é totalmente diferente se comparada ao ano passado, quando dois filmes opostos em quase tudo polarizaram o Oscar. De um lado, havia a megaprodução "Avatar", maior bilheteria da história do cinema; de outro, o independente "Guerra ao Terror", fracasso retumbante no contato com o público - e que acabou saindo glorificado da cerimônia, premiado em seis categorias, incluindo melhor filme, direção e roteiro original.

Apesar de "O Discurso do Rei" despontar como favoritíssimo hoje à noite - muito por conta de diversos outros prêmios vencidos pelo filme de Tom Hooper nas últimas semanas -, sempre há possibilidades de surpresa. Seus maiores adversários são "A Rede Social", também bastante premiado recentemente, incluindo o Globo de Ouro; "Cisne Negro", carregado em grande popularidade; e "Bravura Indômita", que, além de agradar a boa parte dos espectadores, tem colhido grande quantidade de críticas positivas. A categoria de direção, com cinco indicados, pode resolver ou reforçar escolhas da academia. Os votantes podem dar troféus alternados, por exemplo, a "O Discurso do Rei" e "A Rede Social".

Na disputa de ator e atriz, a barbada é quase sempre mais certa. Neste ano, só boas surpresas tiram o troféu de Natalie Portman, por "Cisne Negro", e de Colin Firth, que está em "O Discurso do Rei". O inglês, que em 2010 foi indicado pelo papel de um professor gay em "Direito de Amar", volta a disputar o prêmio com Jeff Bridges ("Bravura Indômita"), que o derrotou na interpretação de um cantor country em "Coração Louco".

Já Portman está num momento ideal de ser agraciada com o Oscar: jovem, talentosa, bonita, esforçada - ou seja, o típico exemplo de estrela que agrada a academia. Seu papel em "Cisne Negro" é uma semiunanimidade, muito maior do que o filme em si.

Nos coadjuvantes, Christian Bale está no topo das apostas com o boxeador em crise de "O Vencedor". O drama de David O. Russell compete com duas coadjuvantes (Melissa Leo e Amy Adams), que podem perder para Hailee Steinfeld ("Bravura Indômita").

Reflexões

Não são apenas os vários prêmios agraciados anteriormente a "O Discurso do Rei" que o credenciam como o maior favorito ao Oscar de melhor filme hoje à noite. Do alto de suas 12 indicações, o longa-metragem de Tom Hooper pode ser uma espécie de alívio diante da desilusão que se abateu na indústria no ano passado com a derrota de "Avatar".

Numa avaliação um pouco mais sociológica, a história de superação narrada no filme pode representar, também, um olhar mais positivo da academia para o cinema e para o mundo.

Faz algum sentido se tirarmos de exemplo a alternância dos vencedores nos últimos anos. Em 2010, "Guerra ao Terror" mostrou um personagem viciado em desarmar bombas, que abria mão de estar com a esposa e com o filho para ir ao front de batalha visão nada utópica da constituição familiar.

Em 2009, "Quem Quer Ser um Milionário?" partia da pobreza indiana, com seus esgotos a céu aberto (e garotos banhados em fezes), para a vitória num jogo de TV e a dança redentora que unia a todos otimismo em alta.

Um ano antes, "Onde os Fracos não Têm Vez", dos mesmos irmãos Coen que neste ano disputam com "Bravura Indômita", apresentava o mundo brutal do interior norte-americano, marcado pela desilusão e niilismo surgidos a partir de uma mala de dinheiro.

Nesse vai e vém, estaria na hora de algo mais positivo. "O Discurso do Rei" se encaixa à perfeição, tanto mais por ser uma produção britânica. Afinal, como se sabe, sempre soa simpático por parte da academia premiar trabalhos da Inglaterra, mais ainda se são filmes com olhar carinhoso para a Coroa vide "A Rainha", concorrente forte em 2007 e que deu prêmio de atriz a Helen Mirren, interpretando a monarca Elizabeth II. Curiosamente, "O Discurso do Rei" trata da ascensão de George VI, pai de Elizabeth II.

O mais interessante será se a academia realmente surpreender e escolher outro para a categoria de melhor filme. Nessa hipótese, todas essas ponderações deverão ser reorganizadas.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 27.2.2011

Peões

2011-02-20T19:21:00.000-03:00

por Ursula Rösele

Post de certa maneira tardio sobre a última sequência de Peões (2004), em que Coutinho conversa com um operário que conta do período das greves no ABC paulista e em determinado momento olha nos olhos de Coutinho e pergunta: "o senhor também é peão?"; ao passo que o diretor fica em silêncio, o cinegrafista mantém a câmera ligada e vemos um dos instantes mais políticos do cinema nacional.

Em uma imagem apenas, temos escancarada na tela a distância entre aquelas duas pessoas. A ideia de um documentário que revelaria os incômodos daquele homem diante das circunstâncias políticas que haviam levado o Lula ao segundo turno das eleições de 2002, mas que acaba por registrar uma impossibilidade social. Se Coutinho não é peão, ele jamais poderá entender um peão. Isso tudo ali, em poucos segundos.

Esta cena vale o filme inteiro.

Ethan e Joel Coen

2011-02-13T23:06:00.008-02:00

por Ursula Rösele

Ajuste Final (1990)

Barton Fink (1991)

Fargo (1996)

E Aí Meu Irmão, Cadê Você? (2000)

O Homem Que Não Estava Lá (2001)

Onde os Fracos Não Têm Vez (2007)

Bravura Indômita (2010)

Definitivamente são os “Midas da atuação”: tudo o que tocam vira ouro.

"Girimunho", de Helvécio Marins e Clarissa Campolina

2011-02-09T14:48:00.006-02:00

por Marcelo Miranda

No característico vocabulário do interior mineiro, girimunho é entendido como um pequeno redemoinho. A palavra pode ser aplicada tanto ao enredo do primeiro longa-metragem da dupla Helvécio Marins e Clarissa Campolina quanto à própria experiência de ambos na realização de um projeto acalentado há anos.

Depois de sete anos decorridos entre a ideia e a concretização, de 2011 não passa. Em montagem e finalização, "Girimunho" tem previsão de estar pronto nos próximos meses. Já pleiteia exibição em alguns festivais - por enquanto, sigilosos, com toda a discrição também tipicamente mineira.

Isso nem é o mais importante a Helvécio e Clarissa. Ambos estão muito mais atentos a ajustar os cortes do filme. O repórter do Magazine esteve, com exclusividade, na ilha de edição onde os dois têm se debruçado com a montadora carioca Marina Meliande para transformar as imagens brutas filmadas no pequeno município de São Romão, no Norte de Minas (521 Km de Belo Horizonte), em narrativa.

Pode parecer estranho falar em "narrativa" a quem conhece os trabalhos de Helvécio e Clarissa. Juntos, fizeram o curta "Trecho" (2006), premiado no Festival de Brasília; sozinhos na direção, ele fez "Nascente" (2005), e ela, "Notas Flanantes" (2009). Em todos, há rarefação, fragmentos, tempo aberto.

"Girimunho" será isso também, desta vez com "curva dramática", como frisa Helvécio Marins. "Tudo que está no filme é baseado na vida das personagens, que interpretam elas mesmas em situações reconstruídas por um roteiro que a gente tinha", explica Clarissa.

O script do carioca Felipe Bragança (também roteirista em "O Céu de Suely" e "No Meu Lugar") transita pelo universo de Maria Sebastiana, a Bastu, e de Maria do Boi. Senhoras em seus 83 anos de idade, moradoras de São Romão desde sempre, elas serviram de inspiração e motivação para Helvécio e Clarissa prepararem um filme protagonizado por elas mesmas.

Bastu e Maria do Boi não podiam ser mais diferentes. Para Helvécio, a primeira é a doçura em forma de gente. "Ela é uma contadora de histórias sem saber que é, pois conta de um jeito mágico, com toques surreais, que te fazem acreditar em tudo, por mais fantástico que seja".

Bastu, viúva do ferreiro da cidade, facilitou o trabalho da dupla. Bem diferente de Maria do Boi, de personalidade mais arredia. "Ela é uma batuqueira de tambor ancestral africano, autêntica mestre dos mestres", exalta Helvécio. Ele e Clarissa tiveram dificuldades em convencer Maria a fazer o que queriam para o filme. Clarissa diz: "Ela tem integridade e respeito pelas raízes, e isso é muito comovente. Mesmo sisuda, é uma figura doce. Esses contrastes a fazem misteriosa e especial".

Helvécio e Clarissa em foto de Lis Kogan

O girimunho que vai colocar as duas personagens em contato direto é a morte de Feliciano, marido de Bastu. "A partir desse acontecimento, a gente tenta acompanhar a forma como as duas se relacionam com o mundo e como a Bastu vai se reencontrar e se recolocar no ambiente, agora, sem o marido", adianta Clarissa. "A Maria do Boi entra no filme quase como uma entidade. A Bastu se movimenta, faz a história andar, mas a Maria sabe de tudo".

O choque se dará na relação com as novas gerações, encarnadas pelos jovens mostrados no filme - em especial no caso de Maria, que, temendo não ter a quem deixar seu legado, busca herdeiros para a tradição do batuque e da memória africana.

Aprendizados.

"Mentira eu não falo. Não vou fazer isso". A firmeza de Maria do Boi nessa frase permeou vários dos momentos de impasse na realização de "Girimunho", em São Romão. Mesmo os diretores explicando à batuqueira que se tratava de uma cena reencenada pela ficção, a intérprete de si mesma não abria mão de suas convicções.

"A gente podia até tentar passar uma conversa nela, mas nunca funcionava", conta o diretor Helvécio Marins. "A Maria é muito, muito inteligente, ainda que diga ser ‘analfabética’".

O jeito era ele e Clarissa Campolina rearranjarem o roteiro de modo a inserir situações nas quais Maria do Boi se sentisse à vontade de interpretar.

"Acho que, no fim, todas as mudanças foram para melhor", acredita Clarissa. "Tínhamos que ter o olhar para o que era mais potente dentro daquilo que tanto a Maria quanto a Bastu queriam nos oferecer".

A diretora conta que, por mais completo que estivesse o roteiro, na hora de filmar, a situação podia mudar. "A gente preparou a história do filme a partir do que elas nos contaram. Mas, quando você vai para o processo da filmagem, a forma como elas querem se mostrar diante da câmera é modificada. E era mais interessante a gente se abrir ao que acontecia fora do roteiro do que tentar forçar e direcionar o trabalho delas".

As locações foram as casas de Bastu e Maria do Boi, em São Romão, às margens do rio São Francisco, onde a dupla de cineastas morou por dois meses. O período permitiu que o filme brotasse devagar, no tempo das próprias personagens.

O Magazine assistiu a quatro cenas já montadas de "Girimunho". Nelas, é possível sentir o tom afetivo que Helvécio e Clarissa imprimem ao filme, numa construção cuidadosa de ambientação, com atores/personagens compondo o quadro em harmonia com o espaço.

Numa das cenas, Bastu fala sobre a perda do marido; em outra, Maria do Boi comanda uma grande festa noturna, na qual o som dos batuques promete ser um dos grandes atrativos do filme numa projeção em cinema - e o trabalho da dupla mineira O Grivo na edição sonora deve garantir ainda mais a qualidade.

A experiência de transitar do curta e média-metragem para um longa apenas somou à visão de trabalho e de vida da dupla de cineastas. "Sempre aprendo muito fazendo filmes", constata Helvécio Marins. "Muita gente me cobrava um filme longo. Eu nunca fiz porque não me preocupo com formatos".

Por sua vez, Clarissa Campolina concorda que o aprendizado é o maior ganho do processo. "Sinto que crescemos bastante fazendo esse filme, não apenas em relação ao trabalho, mas a nós mesmos".

*Matéria publicada no jornal O TEMPO em 6.2.2011

O Discurso do Rei

2011-02-09T14:41:00.002-02:00

por Marcelo Miranda

Haveria uma grande chance de “O Discurso do Rei” passar incólume pelo circuito de exibição se não tivesse 12 indicações ao Oscar. É daqueles casos em que se percebe o quanto uma significativa parcela do público pauta suas escolhas do que ver pela premiação de Hollywood.

Isso porque “O Discurso do Rei” é um filme que não nos diz nada. Quer dizer, há ali a reconstituição da ascensão do duque de York ao reinado da Inglaterra, tornando-se George IV e liderando a nação rumo à Segunda Guerra Mundial. O centro do filme é a deficiência sofrida pelo personagem: gago devido a inseguranças de infância, o duque procura a ajuda de um “terapeuta da fala” para conseguir dar conta do problema.

Para além do simplismo de reduzir o destino de um império a uma gagueira, “O Discurso do Rei” faz a mais básica hagiografia do protagonista. O duque é sempre mostrado de maneira solene e condescendente – mesmo num arroubo de arrogância, logo ele trata de pedir desculpas.

Sob outra ótica, este poderia muito bem ser classificado como um filme de propaganda, feito para exaltar um regime de governo e a imagem do chefe nacional. Como estamos falando da Grã-Bretanha, e como estamos falando de um trabalho cujo valor histórico está em apenas recontar o que convém à sua “mensagem” exaltativa, voltamos à pergunta inicial: a que nos interessa?

A direção de Tom Hooper é daquela sobriedade automática, com nada fora do lugar. Colin Firth tem interpretação bastante forte – mas desde quando isso é novidade (ao menos a quem acompanha os bons trabalhos do ator britânico)?

A questão vai além de “O Discurso do Rei” ser bom ou não, mas, sim, o quanto um filme como esses ganha holofotes pelos motivos errados – a saber, o excesso de indicações a uma premiação notadamente comprometida com outros aspectos que não os artísticos.

Compra o discurso quem quer.

Cisne Negro

2011-02-09T14:34:00.003-02:00

por Marcelo Miranda

Depois de dois filmes chiliquentos ("Pi" e "Réquiem para um Sonho") e um tropeço escandaloso ("A Fonte da Vida"), o diretor Darren Aronofsky colocou o pé no chão e fez um dos trabalhos mais intensos do cinema norte-americano nos últimos anos. "O Lutador" (2008), que venceu o Leão de Ouro do Festival de Veneza, tinha no corpo e no rosto de Mickey Rourke a maior parte de sua força, e Aronofsky soube aproveitar isso.

Ele faz o mesmo em "Cisne Negro", seu novo trabalho. Desta vez, o corpo e o rosto são de Natalie Portman, já uma papa-prêmios por sua interpretação (que deve lhe dar o Oscar). Ela faz a jovem e inocente bailarina Nina, cujo grande sonho é ser a protagonista de uma nova versão para "O Lago dos Cisnes".

Após conseguir o papel, Nina entra numa espiral de situações estranhas, envolvendo uma rival, sua antecessora e, especialmente, sua própria personalidade conflitante.

Aronofsky faz aqui uma mistura do histrionismo de "Réquiem para um Sonho" com a fluidez e sobriedade de "O Lutador". O filme é claramente dividido em duas partes, sendo a primeira o processo de adequação de Nina e a segunda, o impacto desse mesmo processo.

Se há algo a chamar a atenção em "Cisne Negro" é a despreocupação de Aronofsky em criar uma "trama". Há Nina às voltas com as estranhezas ao redor, e nada mais que isso. É corajoso para um filme de clara busca por mercado, o que não significa que seja um procedimento sempre bem-sucedido.

Ao mesmo tempo em que tateia em busca do que pode causar choque à imagem, Aronofsky também escorrega para o inócuo, tornando "Cisne Negro" algo esquizofrênico. A entrega de Portman ao papel - de maneira física e psicológica - torna-se o maior atrativo do filme.

Isabella (1938-2011)

2011-02-03T16:45:00.002-02:00

Maria Schneider (1952-2011)

2011-02-03T13:48:00.002-02:00

Listas individuais da Voz do Polvo

2011-02-02T00:04:00.007-02:00

Depois de revelar os filmes mais bem votados pela turma do Filmes Polvo (foram sete votantes, e não nove, conforme está no post abaixo), é hora de conhecer quem votou em o quê. O editor Rafael Ciccarini pediu a cada um que escolhesse três longas e três-curtas-metragens vistos na 14ª Mostra de Cinema de Tiradentes. Lá vão.

LONGAS-METRAGENS

Gabriel Martins
1-Os Monstros, de Luiz Pretti, Ricardo Pretti, Guto Parente e Pedro Diógenes
2-O Céu Sobre os Ombros, de Sérgio Borges
3-O Gerente, de Paulo Cezar Saraceni

João Toledo
1-Os Monstros, de Luiz Pretti, Ricardo Pretti, Guto Parente e Pedro Diógenes
2-O Céu Sobre os Ombros, de Sérgio Borges
3-Os Residentes, de Tiago Mata Machado

Leonardo Amaral
1-Os Residentes, de Tiago Mata Machado
2-O Céu Sobre os Ombros, de Sérgio Borges
3-Santos Dumont – pré-cineasta?, de Carlos Adriano

Marcelo Miranda
1-O Gerente, de Paulo Cezar Saraceni
2-Os Residentes, de Tiago Mata Machado
3-Transeunte, de Eryk Rocha

Rafael Ciccarini
1-Os Residentes, de Tiago Mata Machado
2-O Gerente, de Paulo Cezar Saraceni
3-O Céu Sobre os Ombros, de Sérgio Borges

Thiago Macêdo
1-Os Monstros, de Luiz Pretti, Ricardo Pretti, Guto Parente e Pedro Diógenes
2-Os Residentes, de Tiago Mata Machado
3-O Céu Sobre os Ombros, de Sérgio Borges

Ursula Rösele
1-O Gerente, de Paulo Cezar Saraceni
2-O Céu Sobre os Ombros, de Sérgio Borges
3-Os Residentes, de Tiago Mata Machado

CURTAS-METRAGENS

Gabriel Martins
1-Mens Sana in Corpore Sano, de Juliano Dornelles
2-Náufragos, de Gabriela Amaral Almeida e Matheus Rocha
3-As Aventuras de Paulo Bruscky, de Gabriel Mascaro

João Toledo
1-Náufragos, de Gabriela Amaral Almeida e Matheus Rocha
2-As Aventuras de Paulo Bruscky, de Gabriel Mascaro
3-Borboletas Indômitas, de Daniel Chaia

Leonardo Amaral
1-Mens Sana in Corpore Sano, de Juliano Dornelles
2-Náufragos, de Gabriela Amaral Almeida e Matheus Rocha
3-Canoa Quebrada, de Guile Martins

Marcelo Miranda
1-Contagem, de Gabriel Martins e Maurílio Martins
2-Mens Sana in Corpore Sano, de Juliano Dornelles
3-Borboletas Indômitas, de Daniel Chaia

Rafael Ciccarini
1-As Aventuras de Paulo Bruscky, de Gabriel Mascaro
2-O Assassino do Bem, de Hiro Ishikawa e Thiago Pedroso
3-Náufragos, de Gabriela Amaral Almeida e Matheus Rocha

Thiago Macêdo
1-Náufragos, de Gabriela Amaral Almeida e Matheus Rocha
2-As Aventuras de Paulo Bruscky, de Gabriel Mascaro
3-Canoa Quebrada, de Guile Martins

Ursula Rösele
1-As Aventuras de Paulo Bruscky, de Gabriel Mascaro
2-Náufragos, de Gabriela Amaral Almeida e Matheus Rocha
3-O Assassino do Bem, de Hiro Ishikawa e Thiago Pedroso

Prêmio Voz do Polvo

2011-01-31T23:14:00.006-02:00

Depois de nove dias de imersão na 14ª Mostra de Cinema de Tiradentes (como o leitor pode conferir na nossa vasta cobertura clicando aqui), a turma do Filmes Polvo resolveu fazer uma votação interna para escolher os melhores filmes, em longa e curta, exibidos na instigante edição do festival em 2011. Com votos de seis redatores mais o editor, o resultado foi o seguinte.

MELHOR LONGA-METRAGEM
Os Residentes (MG), de Tiago Mata Machado

MELHOR CURTA-METRAGEM
Náufragos (SP), de Gabriela Amaral Almeida e Matheus Rocha

Numa próxima postagem, divulgaremos o voto individual de cada um.
Por enquanto, parabéns aos vencedores - e, de quebra, a toda produção inventiva que povoou nossas cabeças nos últimos dias.

Tiradentes 2011: Cléber Eduardo e a Aurora

2011-01-23T19:01:00.007-02:00

por Marcelo Miranda

A mostra Aurora começa nesta segunda-feira, dia 24, na 14ª Mostra de Cinema de Tiradentes. Momento oportuno de republicar aqui a entrevista que fiz para o jornal O TEMPO com o crítico e curador Cléber Eduardo sobre o que representa a Aurora, para mal e para bem. Vale atentar especialmente para o puxão de orelhas em relação à vaidade de alguns cineastas.

Sendo esta a quarta edição da Aurora, como você caracteriza o recorte anualmente feito especificamente para esta mostra dentro da grade de programação de Tiradentes? É um recorte em alguma medida geracional em primeiro lugar, com exclusividade para primeiros e segundos longas de diretores, e em um segundo nível esse recorte prioriza uma abertura a "riscos". Mas essa opção pelos riscos é menos uma obsessão curatorial e mais reflexo desse momento criativo de uma geração de realizadores independentes. Uma programação de riscos não significa uma estratégia de legitimação crítica em si, mas abertura para discutirmos o não consensual e avaliarmos sua importância ou não. Partir do dissenso para o debate. Riscos implicam, também, rejeições. É preciso ter essa consciência. Na camada mais instigante e inquieta dessa geração, há uma tendência para a rarefação e outra para os choques, ambas anteparos para uma relação mais direta com sentidos específicos e organizações entre planos. Isso traz problemas para a percepção de muitos espectadores e de alguns críticos. É previsível que haja reações.Há exageros nessas raferações e choques ao meu ver. Inclusive do curador algumas vezes. Toda reação é positiva no fundo. Mesmo as negativas.

É possível identificar alguns caminhos seguidos pelos filmes selecionados este ano? São sete caminhos. Cultivo de memória e testemunho de superação, questionamento de políticas públicas,pesquisa com material de cinemateca, reverências e referências reatualizadas, dramatugia audiovisual em associação com lampejos de arte contemporânea, antropologia a partir de atritos de testemunho, documentário com sentido de classe sem perda de subjetivação. O que se percebe dessa soma? Há algo dessa soma que diga algo de nosso presente cinematográfico? Isso está sempre no ar. Sobreviventes de enchentes, funcionários de segurança, relação de religiosos estrangeiros com índios brasileiros, moradores de margens de rio, inventor de avião, atriz com realidade de figurante, fragmentos de anônimos em tensão. Esses universos sugerem conflitos, mudanças no mundo, relações de forças, o olhar do sujeito, ou uma crise desse sujeito com esse espaço, em organizações em geral livres, de esquematização pouco evidente, ao menos como quadro geral. Se isso é bom? Espero que me digam depois de ver os filmes

Dentro do seu trabalho de curador, gostaria de saber como é o trabalho de escolher filmes para um recorte tão segmentado dentro de um imenso manancial de projetos inscritos. Nem o recorte é tão segmentado, porque a considerável maioria dos inscritos é de flmes de uma nova geração e de anônimos dos quais nunca vi nada antes, nem esse manancial é tão grande. Estamos partindo nos últimos dois anos de um universo de mais de 70 filmes. Estamos exibindo esse ano 23 longas selecionados. Não há tantas opções assim. Trabalho com o que há disponível, os recortes sugem desse universo, não surgem antes do fime a filme. O importante é deixar claro que a curadoria não é só seleção. Não se trata de escolher os melhores 20 filmes. Temos três sessões, Aurora, Olhares e Vertentes, cada uma com um perfil. O Aurora é competitivo, apenas para diretores no primeiro ou segundo longa, produções miúras, sem prêmios principais, sem carreira internacional ainda. Não é para qualquer filme. A Olhares é para filmes premiados, ou de diretores já reconhecidos. A Vertentes é para filmes estranhos a seu modo, que tem seu valor, mas não foram valorizados. Tem ainda a sessão da Praça. Precisa ser aberta a todas as idades. E há as sessões de sexta, sábado e domingo, mais lotadas, com perfil de público mais heterodoxo, para as quais procuro programar filmes mais abertos, embora nem sempre eu os tenha entre os inscritos em grande número. É uma engenharia.

Quais as maiores dificuldades com as quais você se depara na definição dos filmes que vão para a Aurora? A dificuldade é sempre saber se um filme de estreante ou um segundo longa de um diretor entra ou não no Aurora. Esse ano dois filmes programados para fora do Aurora estiveram em algum momento no Aurora, mas depois remanejei alguns filmes para a competição ganhar algumas características, perder outras, como se fosse a construção de um corpo de filmes. Nem sempre tenho à disposição um grande número de filmes com força para o Aurora, mas ai é que a curadoria, baseada em seus critérios de observação de provocação, precisa lidar com elementos extra-estéticos para escolher esse ou aquele filme, às vezes pelo senso de contingência história, às vezes pelo senso de estímulo ao debate.

A Aurora tem ganhado importância ano a ano, tanto pela força dos filmes exibidos quanto pelos jurados que avaliam estes filmes e premiam com o troféu Aurora. Consequentemente, ganha espaço na mídia e visibilidade. Você, como curador, sente maior vaidade dos cineastas selecionados e/ou inscritos, devido à força dessa janela de novos realizadores? O Aurora não é celeiro de Orson Welles e Jean-Luc Godard. Sua crescente importância é saudável, mas não pode asifixiá-lo, porque seu espírito é de arejamento. Novos ares. A vaidade, a frustração e o ressentimento são três forças destrutivas do cinema brasileiro. Auto-destrutivas. A nova geração não está livre disso. Não podem se sentir os bambas com direito a exigências apenas porque tiveram um filme selecionado ou premiado no Aurora. A mostra é para filmes pequenos com alguma força. Assim precisa permanecer, ao menos em minha visão. Estrelas, poderes e fama são valores de outras mostras. Aqui ainda é diferente. Ainda é.

Edição 38 no ar

2011-01-13T13:10:00.005-02:00

A Filmes Polvo comemora 4 anos de atividade com uma nova edição no ar.

Veja a relação dos textos:

Fade-out: A Rede Social: o filme do Facebook – e de uma geração.

Story Line: Mario Monicelli: idade, covardia e coragem

Cinetoscópio: Dos procedimentos do cinema direto de Wiseman à imagem cínica: quando o cinema vira telejornal e o telejornal incita um cinema precário

A verdade da memória e a escritura do tempo: a trilogia da Ilha de Coudres

Fora de Quadro: Michel Brault, parte VI - L’Acadie, L’Acadie’?!, Elogie du Chiac em conexão com High School, de Frederick Wiseman: o ano sem fim de 1968 e belas lições cinematográficas.

De Gypsy woman a Superfly: saudades do Curtis Mayfield

Plano Sequência: Pós-2010: aberta a estrada da renovação

Jackass 3D

Raccord: Arrested Development, Modern Family e The Office: a câmera como personagem e o ator como personagem de um pretenso mundo real

Corte Seco: Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos

Contra-Plongée: “Contagem”, de Gabriel Martins e Maurílio Martins: filme-catástrofe da intimidade

Blake Edwards (1922-2010)

2010-12-16T23:43:00.001-02:00

Polvo em Londrina

2010-12-10T11:43:00.003-02:00

por Marcelo Miranda

Escrevo de Londrina, interior do Paraná, onde estou como jurado da mostra competitiva nacional de curtas-metragens do 12ª Mostra Londrina de Cinema. O festival, coordenado pelo chapa Rodrigo Grota, começou no dia 8 e segue até o dia 12. Eu, o dramaturgo Mário Bortolotto e o cineasta Marcelo Lordello temos a tarefa de ver e avaliar 16 curtas, que concorrem a prêmios de filme, direção, roteiro, montagem e direção de arte. Tem ainda uma mostra de filmes paranaenses e outra específica a produções de Londrina - ambas em competições específicas e júris distintos.

A mostra de longas e médias (não-competitiva) tem a característica de exibir trabalhos de realizadores menos experientes, o que, à sua forma, dialoga com o Festival de Brasília 2010 - e garante, no mínimo, um certo sopro de renovação na produção contemporânea brasileira (se pra mal ou pra bem, é outro papo). Talvez os únicos veteranos sejam José Eduardo Belmonte, com "Meu Mundo em Perigo", e Paula Gaitán, com "Diário de Sintra".

Dentre os demais, tem "A Última Estrada da Praia" (Fabiano Souza), "Além da Estrada" (Charly Braun), "Vigias" (Marcelo Lordello), "Um Lugar ao Sol" e "Avenida Brasília Formosa" (Daniel Mascaro), "Laura" (Felipe Barbosa). Já exibidos por aqui na quinta-feira, há "Permanências" (Ricardo Alves Jr) e "Chantal Akerman, de Cá" (Gustavo Beck e Leo Luiz Ferreira).

Pretendo escrever dos longas e médias neste espaço, para buscar algum canal de diálogo com estes filmes e os leitores do Filmes Polvo. Dos curtas, por motivos óbvios, vou me abster de comentar até a semana que vem.

Os filmes estão sendo exibidos no recém-reaberto Cine Vila Rica, tradicional sala da cidade que vem sendo utilizada para outros fins (escolares e religiosos). É um espaço agradável e simpático, de forte carga nostálgica. O grave é o calor. Como a estrutura ainda é limitada, não há ar condicionado. A produção colocou ventiladores espalhados no lugar. Portanto, a estratégia é se sentar próximo às geringonças, sob risco de derreter.

Por enquanto, é isso. Voltem logo. Até lá, conheçam o site da mostra clicando aqui.

O encerramento do 43º Festival de Brasília: Minas e tumulto

2010-12-02T17:22:00.006-02:00

Sérgio Borges segura Candango, em Brasília

por Marcelo Miranda

A noite de encerramento do 43º Festival de Brasília, na terça-feira, bateu um provável recorde para Minas Gerais. Filmes realizados no Estado saíram com 11 prêmios, em todas as categorias. Nove troféus para longa (de um total de 13) foram distribuídos entre "O Céu sobre os Ombros", de Sérgio Borges, e "Os Residentes", de Tiago Mata Machado. O curta "Contagem", de Gabriel Martins e Maurílio Martins, levou um, e o digital "Queda", de Pablo Lobato, outro.

Tudo seria apenas festa, não fosse a atenção da noite desviada por um equívoco jornalístico. Às 23h, o site do jornal "Folha de S.Paulo" e o portal Uol quebraram embargo combinado previamente com a assessoria do evento e publicaram a lista completa de vencedores, aproximadamente duas horas antes dos anúncios oficiais.

Os ganhadores passaram a ficar em segundo plano, a partir do momento em que a plateia que lotava o Cine Brasília se manifestava no boca a boca da lista vazada. "Não posso acreditar que ganhei", disse uma emocionada cineasta brasiliense. "Olha no Uol!", gritou alguém do público.

Essa foi a toada de toda a noite, uma das mais constrangedoras na história do festival. Os primeiros troféus Candango foram entregues ainda no suspense. De repente, um curta-metragista premiado timidamente comentou ao microfone: "Obrigado. Eu já sabia, porque está na internet".

Numa fração de segundos, celulares com conexão à web e notebooks se tornaram as vedetes da ocasião - até o computador do repórter do Magazine virou artigo perigosamente visado. Entre um zumzumzum e outro, o casal de apresentadores da premiação, Marta Benêvolo e Sérgio Fidalgo, parecia não ter ideia do que estava acontecendo.

Cada novo prêmio passou a ser gritado por gente da plateia antes de ser anunciado. O progressivo esvaziamento da sala, as vaias constantes e as provocações de quem insistia em acompanhar a agora ex-festa causaram momentos de tensão - especialmente quando a produtora brasiliense Andréa Glória protestou contra o "desrespeito" e os "conchavos" e pediu explicações da organização sobre o vazamento. "Obrigado, Andrea, você já fez a sua performance", disse o apresentador - e também diretor do evento - Sérgio Fidalgo.

Leo Pyrata, ator de "Contagem", representou o filme na premiação de melhor direção da categoria. Aproveitou a oportunidade para lançar impropérios impublicáveis contra o ocorrido. Sérgio Borges subiu pouco depois para receber o primeiro troféu por "O Céu sobre os Ombros" e ironizou: "Quero agradecer ao júri pelos prêmios que ainda vou ganhar".

Quase no fim da cerimônia, com Borges e toda sua equipe de pé no palco, celebrando os cinco Candangos recebidos por "O Céu sobre os Ombros" (veja no quadro), Fidalgo pediu desculpas por ter se "exaltado" anteriormente com Andréa Glória. "Estamos tão surpresos quanto vocês", clamou.

Em seguida, convocou ao microfone a assessoria de comunicação do festival para dar explicações. "Não houve privilégio a nenhum veículo de comunicação. O Grupo Folha, infelizmente, não cumpriu o acordo de embargo e soltou a relação antes dos outros, prejudicando toda a festa. Pedimos desculpas", disse um assessor, debaixo de gritos e vaias.

Não havia ninguém do Uol ou da "Folha de S.Paulo" presente no Cine Brasília durante a premiação. Nenhum dos dois veículos se manifestou a respeito do vazamento e da quebra do embargo.

(ATUALIZAÇÃO: nesta quinta-feira, tanto o site da "Folha" quanto o Uol publicaram notas a respeito do vazamento. Foi assumido um "erro da redação".)

Premiação. O vazamento da lista de premiados foi das coisas mais lamentáveis já testemunhadas numa cobertura de festivais. Porém, o que fica são os filmes. E o júri deste Festival de Brasília não poderá ser acusado de falta de coragem. Integrados ao perfil dos longas em exibição neste ano –de trabalhos com forte caráter de busca, experimentação e risco –, o acerto na escolha dos agraciados com o Candango (e um total em dinheiro de R$ 555 mil) soou até excessivo.

Os mineiros "O Céu sobre os Ombros" (Sérgio Borges) e "Os Residentes" (Tiago Mata Machado) concentraram os troféus, levando nove dentre os 13 distribuídos pelo júri oficial. O primeiro, dirigido por Sérgio Borges, integrante do coletivo de produção Teia, arrematou melhor filme, direção, roteiro, montagem e especial do júri para os personagens.

O filme de Sérgio implode (de novo, e com categoria) limites entre real e ficção, ao abordar três personagens comuns em suas vidas cotidianas na metrópole, sem jamais explicitar se há encenação ou apenas a liberdade de ter a câmera o tempo todo presente. Já "Os Residentes" é um potente e controverso mergulho dentro de referências de vanguarda (cinematográficas, literárias, artísticas) para falar de solidão e destruição.

Dar prêmio de roteiro a "O Céu sobre os Ombros" parece soar incoerente com a própria ideia do filme. A roteirista Manuela Dias, em debate, já tinha sinalizado que o trabalho de script não fora realizado de maneira convencional. Na tela, o que se vê é um trabalho construído no tempo dos planos e das ações e na cadência dos corpos, sem caminhos previamente traçados.

O maior injustiçado da noite foi o carioca "Transeunte", de Eryk Rocha. O filme levou apenas os troféus mais óbvios a ele – ator, pelo imbatível trabalho de Fernando Bezerra, e som, que é a alma do longa. Mas é muito pouco para reconhecer projeto tão vigoroso e renovador de alguns conceitos da forma de filmar ficção no Brasil, elevando sua potência a cada novo segundo de projeção.

Leo Pyrata, ator em "Contagem", agradece prêmio

Nos curtas-metragens – neste ano, com pouquíssimos bons filmes, muitos deles "fofinhos" demais e com cinema de menos –, outro mineiro brilhou. "Contagem" deu à dupla de realizadores Gabriel e Maurílio Martins o troféu de melhor direção – e um prêmio de R$ 10 mil que vai tirá-los das dívidas contraídas com essa pequena pérola independente, que exala frescor e paixão a cada nova imagem.

Fechando o arrasa-quarteirão de Minas Gerais em Brasília-2010, o digital "Queda", de Pablo Lobato, foi agraciado como melhor direção na categoria.

Reconhecimento. Para além de Minas Gerais se sagrar vencedor forte no festival deste ano, a produtora Teia saiu fortalecida do evento. O histórico já era dos melhores. Em 2006, o curta-metragem "Trecho", de Helvécio Marins e Clarissa Campolina, venceu na categoria de melhor filme, montagem e fotografia. No ano passado, o longa "A Falta que me Faz", de Marília Rocha, competiu na seleção oficial – ainda que tenha ficado sem prêmio algum.

Na noite de terça-feira, a Teia – um coletivo de realizadores audiovisuais fundado em Belo Horizonte em 2003 – ficou com seis dos troféus do 43º Festival de Brasília e um total de R$ 160 mil em prêmios nas diversas categorias nas quais venceu com "O Céu sobre os Ombros" e "Queda".

A presença da Teia sempre foi muito forte em mostras internacionais e agora, enfim, começa a ter espaço também no Brasil. Enquanto dois filmes de Marília estão em cartaz no Usiminas Belas Artes ("Acácio" e "A Falta que me Faz"), Helvécio e Clarissa seguem na montagem de "Girimunho", primeiro longa-metragem da dupla. Quem tem colaborado no trabalho é Marina Meliande, codiretora do carioca "A Alegria", que também competiu em Brasília.

O Mineiro Gabriel

2010-12-01T15:14:00.004-02:00

por Ursula Rösele (e certa de que o resto do pessoal assina embaixo)

Ontem, apesar de percalços por conta de furos de reportagem que geraram muito desconforto aos premiados do 43º Festival de Cinema de Brasília, foi uma noite que ainda será comemorada por todos nós um bom tempo.

Nosso polvo Gabyto (Coluna Plano Sequência) ganhou o prêmio – junto de seu amigo e companheiro de direção, Maurílio Martins – de Melhor Direção de Curta Metragem em 35mm no Festival com o curta "Contagem"!

Venho aqui, em nome do site, dar os parabéns ao nosso caçula e desejar vida longa aos seus filmes e que eles cheguem à muitas salas do Brasil e do mundo em um futuro bem, bem próximo.

Fica aí de lembrança uma foto de um dos clássicos churrascos da Filmes Polvo, num momento de deleite, amizade e boemia, algo que sempre marcou nosso convívio.

Parabéns Gabyto, parabéns Maurílio!

Mario Monicelli (1915-2010): doces molecagens e cruel carinho

2010-11-30T16:50:00.005-02:00

Por Leo Cunha

Ao cineasta italiano Mario Monicelli, não se pode dizer que faltou reconhecimento: foi premiado em Berlim (3 Leões de Prata, por Il marchese del Grillo, Caro Michele e Padri e figli), Veneza (um Leão de Ouro por A grande guerra e outro pelo conjunto da obra, já em 1991), além de ser indicado quatro vezes ao Oscar, sem vencê-lo.

Com uma obra muito vasta (mais de 100 roteiros, mais de 60 direções), consagrou-se como um dos grandes mestres da "comédia à italiana". Seu filme mais famoso talvez seja O incrível exército de Brancaleone, mas não podemos esquecer a tragicomédia Parente é Serpente, ou o humor rasgado e sacana de Meus caros amigos (partes 1 e 2, sendo que a 2ª ficou conhecida por aqui como Quinteto Irreverente).

Entre seus temas mais frequentes estavam a amizade, a família, a política. E, mesmo nas comédias, freqüentemente tinha um lado amargo, ou mesmo negro. Aos 95 anos de idade, estava lúcido e ativo, mas muito doente, quando tomou a decisão de se jogar da janela de um hospital, ontem, em Roma.

Mais que nunca, merece ter sua obra relembrada e revista.

Festival de Brasília: "Amor?", de João Jardim

2010-11-30T12:56:00.002-02:00

por Marcelo Miranda

Logo de início, Lilia Cabral aparece falando sobre como passou a entender seu papel de mulher no mundo a partir do instante em que apanhou do marido. O incômodo é imediato e evidente, tanto quanto a atenção ao que Lilia narra. Essa era a ideia central na proposta de "Amor?", quarto longa-metragem com direção do carioca João Jardim. O filme compete no 43º Festival de Brasília e teve exibição na noite de domingo.

Foi o mais bem recebido pelo público até o momento. E, mesmo antes do último competidor (o pernambucano "Vigias", previsto para a noite de ontem), será difícil tirar de "Amor?" o troféu de júri popular. Não é por menos. Jardim realiza uma mistura de documentário e ficção a partir das histórias de pessoas cujos relacionamentos amorosos foram ou são caracterizados por tipos variados de violência física.

João Jardim convidou atores conhecidos da TV e do cinema - entre eles, Silvia Lourenço, Julia Lemmertz, Mariana Lima, Ângelo Antônio, Eduardo Moscovis, Fabíula Nascimento, Cláudio Jaborandy e a citada Lilia Cabral - para interpretarem os depoimentos de anônimos que não podiam ser identificados. "Pelo teor do que falam, dá para entender como seria impossível que eles mesmos se expusessem", disse o diretor. "Menos que estética ou linguagem, fiz o filme na intenção de atingir a plateia pelo teor das falas. Usar rostos reconhecidos ajuda a legitimar e dar peso ao que está sendo dito".

O artifício foi dar aos atores a transcrição das falas de seus personagens reais e permitir que eles recontassem os fatos em conversas diretas para a câmera. Ainda que semelhante, o procedimento se difere do utilizado por Eduardo Coutinho em "Jogo de Cena". "Fiz ‘Amor?’ como instrumento para falar do tema, que é a violência entre casais. Não me interessava discutir os limites entre o que é verdade e ficção, pois o Coutinho esgotou isso no filme dele", garantiu João Jardim.

Ninguém do elenco teve acesso às gravações originais. Para o diretor, era primordial que houvesse total liberdade na forma como as histórias seriam apresentadas. "Busquei fazer com que cada participante do elenco se apropriasse daquilo que ia contar como se fosse ele mesmo, em vez de falar de alguém de fora. Daí eu não ter informado a biografia dos entrevistados, no intuito de que os atores inserissem, de alguma forma, as suas próprias biografias no que era contado".

Como fica claro durante a projeção de "Amor?", os homens demonstram mais resistência a falar do assunto do que as mulheres. Isso resvala para as interpretações, nas quais vemos as atrizes aparentemente sentindo de fato o que narram, enquanto os atores, por vezes, mais recitam do que absorvem o teor dos relatos. Foi algo sentido por João Jardim desde a pesquisa. "Sempre havia uma resistência, uma barreira dos homens, na hora de repetir as falas originais. Era bem mais fácil ter resultado com as atrizes do que com os atores", explicou Jardim.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 30.11.2010

**Confira transmissão da premiação do festival, ao vivo, a partir das 22h desta terça-feira, dia 30, no meu endereço no Twitter ou do Facebook.

Festival de Brasília: "Os Residentes" e "O Céu sobre os Ombros"

2010-11-29T15:15:00.003-02:00

por Marcelo Miranda

O fim de semana na 43ª edição do Festival de Brasília foi estrelado por longas mineiros. Os dois trabalhos do Estado na competição provocaram reações diversas, ao apresentarem propostas estéticas e (não) narrativas bastante desafiadoras ao senso "comum" ainda dominante, tanto na produção quanto na recepção do que se faz em cinema no Brasil (e no mundo, convenhamos).

Na sexta-feira, "Os Residentes" (foto acima), de Tiago Mata Machado, implodiu sentidos de "roteiro" ao lançar na tela uma série de situações aparentemente sem nexo que, juntas, formam um instigante tratado sobre relações diluídas. Numa casa dentro de um espaço nunca identificado, grupo de personagens marginais busca um tipo de convivência em meio a discussões sobre arte, estética, ética, signos e referências.

Filhote direto e assumido tanto do "cinema polifônico" de Jean-Luc Godard, como define Tiago, e também do vigor de Julio Bressane e Rogério Sganzerla, "Os Residentes" foi frontalmente rejeitado por parte da plateia e por alguns jornalistas e críticos aqui presentes. A postura inicial de Tiago durante o debate realizado no sábado não ajudou: reticente de explicações sobre o filme, o diretor se esquivou de algumas perguntas, para a fúria de repórteres interessados em "entender" o processo que levou a "Os Residentes".

Mas logo Tiago e equipe se soltaram e falaram sobre os caminhos da concepção do filme - caminhos obviamente tortuosos e cheios de enigmas indecifráveis, o que soa coerente com o que se viu no próprio projeto. "O cinema brasileiro precisa de oxigenação, e muitos filmes vêm aí com essa proposta. Vocês vão ter que se acostumar", provocou o diretor.

Na noite do mesmo sábado, o outro mineiro, "O Céu sobre os Ombros", de Sérgio Borges, teve acolhida mais calorosa. Num misto de documentário e ficção - sem necessariamente optar por um ou outro -, Borges acompanha três pessoas de Belo Horizonte em meio a rotinas tão ricas quanto simples: uma transexual prostituta que dá aula de psicologia; um atendente de telemarketing adepto do hare krishna e integrante da Galoucura (torcida organizada do Atlético-MG); e um escritor deprimido cujo maior feito é não querer publicar os próprios escritos.

"No dia a dia nós ficcionalizamos a vida e a reproduzimos na realidade. Os limites entre o que é verdade e encenação ultrapassam o cinema, eles estão no nosso cotidiano e na nossa forma de olhar e explicar o mundo. Eu quis transpor essa questão para o filme", disse Borges.

Ele usou duas câmeras para registrar um total de 180 horas dos três protagonistas, escolhidos a partir de pesquisas de campo. "Às vezes eu os acompanhava a alguns lugares, em outras ocasiões propunha situações a serem criadas, mas buscava, acima de tudo, que eles mesmos guiassem a encenação e os próprios movimentos". O resultado brilha na tela e faz com que "O Céu sobre os Ombros" soe como experiência cristalina de captação do simples ato de viver.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 29.11.2010

Festival de Brasília: "A Alegria", de Felipe Bragança e Marina Meliande

2010-11-28T12:49:00.004-02:00

por Marcelo Miranda

A definição veio de um crítico francês: "É um lindo ovni brasileiro". A frase cunhou texto sobre "A Alegria" após a exibição do filme no Festival de Cannes, em maio deste ano, na mostra paralela Quinzena dos Realizadores. Seis meses depois, o segundo longa dirigido pela dupla carioca Felipe Bragança e Marina Meliande abriu a competição do 43º Festival de Brasília, na noite de quarta-feira, causando estranhamento similar - ainda que ninguém o tenha chamado de "ovni".

O filme fecha uma trilogia informal denominada Coração no Fogo, precedida por "A Fuga da Mulher Gorila" (vencedor de prêmio da crítica na Mostra de Tiradentes em 2009) e pelo projeto coletivo "Desassossego", coordenado pela dupla de cineastas. "A Alegria" é, ao mesmo tempo, o ponto de partida e de chegada desse caminho. Surgiu a partir de um roteiro de Bragança, depois desmembrado nas duas outras realizações. Tanto "A Fuga..." quanto "Desassossego" foram feitos enquanto "A Alegria", mais ambicioso em termos de gastos e produção, aguardava a vez de ganhar o set.

Com orçamento de R$ 750 mil - parte dele vindo do fundo holandês Hubert Bals -, o filme de Bragança e Meliande lida com um universo pouco abordado no Brasil: mundos fantásticos, imaginação, monstros, superpoderes. Só que, diferente do que poderia ser considerado habitual, a dupla traveste o filme numa chave de melancolia e sensação de vazio e falta de posturas objetivas de uma certa camada da juventude brasileira, especificamente a carioca (já que o enredo se ambienta no Rio de Janeiro).

"A gente nunca pensou ‘A Alegria’ como um filme de gênero voltado ao público juvenil", apontou Felipe Bragança, em debate realizado ontem num hotel da capital federal. "Nosso interesse na juventude era premissa estética para construirmos alguma coisa a partir dele. Mas não foi (necessariamente) um filme feito para adolescentes". Marina Meliande completa: "Buscávamos a estranheza desde a fala dos personagens, porque não são pessoas em posturas confortáveis no mundo".

Encontrar esse tom de incômodo esteve presente no trabalho da dupla desde a escolha do elenco, que mescla atores profissionais (Mariana Lima, Maria Gladys e Márcio Vito) a amadores, escolhidos por redes sociais ou indicações e testes. "Na escolha da protagonista, por exemplo, sempre foi claro a nós que precisávamos de uma atriz disposta a um tipo de risco, insegurança e capacidade de se jogar contra alguma coisa", afirmou Bragança.

Os dois diretores conseguiram encontrar o que procuravam na jovem Tainá Medina, de apenas 16 anos e achada através de um perfil no Orkut. "A Tainá foi a única que tentou atravessar de fato a parede; as outras meninas, não", brinca Felipe Bragança, em referência a uma das cenas-chave do filme.

No debate em Brasília, jornalistas perguntaram a Bragança e Meliande sobre claras alusões a filmes do indiano (hoje nos EUA) M. Night Shyamalan, especialmente "O Sexto Sentido" e "A Dama na Água". "Na última década, o Shyamalan levou o cinema fantástico a um espaço de risco, de investigação, de descoberta. Não chega a ser uma referência direta da gente, mas nos identificamos com a ideia de que o lidar com o imaginário é importante e que o cinema brasileiro pode encontrar o seu lugar nesse caminho", disse o diretor.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 26.11.2010

Festival de Brasília: "Contagem", de Gabriel Martins e Maurílio Martins

2010-11-28T12:43:00.005-02:00

por Marcelo Miranda

"A gente vê muito cinema que parece vídeo, mas deve ser a primeira vez que eu vejo um vídeo que parece cinema". As palavras, ditas em tom empolgado e olhos brilhando, são de Carlos Reichenbach.

O veterano diretor paulista, homenageado no 43º Festival de Brasília, ficou encantado com o curta-metragem mineiro de ficção "Contagem", de Gabriel Martins e Maurílio Martins, exibido na noite de quinta-feira. Tanto que, durante toda a manhã de ontem, Carlão (apelido pelo qual é conhecido) se propôs a apresentar a dupla de realizadores a curadores de festivais de outros países. Devidamente munidos de DVDs contendo o filme, Gabriel e Maurílio conversaram com representantes de filmes brasileiros na França - o que pode render algum convite.

Nada mal para um projeto absolutamente independente, feito como trabalho de conclusão de um curso de cinema. A dupla financiou, do próprio bolso, os R$ 2 mil gastos nas filmagens, realizadas na periferia de Contagem, região metropolitana de Belo Horizonte. Selecionados para a competição de curtas de Brasília, precisaram pagar R$ 4 mil para o transfer do vídeo digital para película, formato exigido no festival. O dinheiro também veio por conta deles. "Estamos no cheque especial, mas muito felizes", exaltou Gabriel Martins, nitidamente emocionado e choroso, no palco do Cine Brasília.

Acompanhados do ator Leo Pyrata e do produtor André Novais (autor de "Fantasmas", exibido em Tiradentes e um dos curtas mais originais já feitos no país nos últimos anos), Gabriel e Maurílio celebraram o fato de estarem no mesmo evento que consagrou ídolos de ambos, como Julio Bressane, Rogério Sganzerla e o próprio Reichenbach. "Nem tem como expressar o que significa para a gente estarmos aqui hoje", disse Gabriel.

Recentemente, o grupo fundou a produtora Filmes de Plástico, no intuito de fazerem filmes de invenção dentro do esquema guerrilheiro que marcou "Contagem". Outros projetos já estão em andamento, incluindo um longa-metragem. Ironicamente, eles têm tido dificuldade de conseguir editais que banquem filmes baratos. "Com R$ 100 mil, a gente faz o nosso longa. Mas não tem edital de longa para isso! Só de curta e média. Não dá para entender", lamenta Maurílio.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 27.11.2010

Festival de Brasília: "Transeunte", de Eryk Rocha

2010-11-28T12:37:00.004-02:00

por Marcelo Miranda

Antes mesmo de tomar consciência do mundo, Eryk Rocha era um inquieto. Nasceu em Brasília em 1978, quando o pai, Glauber Rocha, filmava "A Idade da Terra", seu filme derradeiro. Viveu na Europa até os 15 anos, ficou na Colômbia (país da mãe, a videoartista Paula Gaitán) até os 20, estudou cinema em Cuba e hoje reside no Rio de Janeiro, sua autêntica terra natal, no corpo e na alma. Não é coincidência, portanto, que os filmes de Eryk trafeguem pela geografia, espaço e tempo - ora buscando memórias do passado ("Rocha que Voa"), outras captando o presente ("Intervalo Clandestino") e algumas revirando conceitos e lugares ("Pachamama").

Menos surpreendente ainda é Eryk estrear na ficção com um filme denominado "Transeunte". Exibido na segunda noite de competição do 43º Festival de Brasília, na noite de quinta-feira - em sessão dedicada por Eryk à mãe e "ao meu pai, Glauber" -, o trabalho provocou impacto excepcional na plateia e nos críticos e jornalistas. Apesar de se assumir como relato fictício, o longa-metragem é construído a partir do contato do protagonista - um recém-aposentado de 65 anos chamado Expedito - com a realidade, a urbanidade, os tipos que circulam por calçadas, ruas, avenidas e estabelecimentos comerciais ou de entretenimento.

A fagulha para "Transeunte" surgiu quando Eryk estava no Festival de Cannes, em maio de 2004, quando lá exibiu o curta-metragem "Quimera". Olhando ao redor, naquele dia a dia abarrotado de celebridades, câmeras, fotógrafos e glamour, o diretor pensou num contraponto. "Eu era um completo anônimo ali. Então me veio essa imagem, a de um homem que ninguém conhece: se ele morre, quem vai contar sobre sua passagem no mundo?".

A questão perseguiu Eryk Rocha durante os esboços de argumento rabiscados nos dias posteriores. Após entraves típicos da escrita, convidou a roteirista Manuela Dias para colaborar no script. "Me convenci de que, se existia algo possível de registrar o caminho de um homem como esse, no sentido de materializar a sua existência, esse algo seria o cinema".

Ao longo dos anos, Eryk foi aprimorando o argumento e decidiu que, para ser honesto com sua própria origem de documentarista, precisaria incorporar elementos do real ao recorte ficcional. Não que tenha sido pensado assim tão claramente: para o diretor, o trânsito entre um e outro é não apenas natural, mas enriquecido pela própria confusão que isso pode gerar. "Na sessão aqui em Brasília, dois espectadores me procuraram querendo saber se o filme era mesmo uma ficção ou se era um documentário sobre aquele personagem. Eu não podia querer um retorno melhor que esse", exalta.

A escolha pela fotografia em preto-e-branco também se deveu a uma escolha estética. "Desde aquela imagem inicial do homem desconhecido, tudo o que pensei era em preto e branco. Nunca cogitei que o filme fosse colorido".

Em "Transeunte", Expedito (vivido pelo ator baiano Fernando Bezerra), homem de poucas - ou nenhuma - palavras, circula pelas ruas do Rio de Janeiro sem qualquer tipo de perspectiva ou ambição. Mora sozinho num apartamento, não se incomoda com a barulhenta construção em frente, apenas fala de si quando perguntado por outros e parece só ter como ente querido a memória de uma mulher (sua mãe ou esposa, algo que o filme propositadamente confunde).

Num dia comum, ele descobre as maravilhas de um rádio de pilha, o qual carrega para todo lado. Esse rádio - e as músicas e notícias que saem dele - passam a servir de "voz interior" de Expedito, como define Eryk Rocha. "O que ele escuta faz comentários do que ele vê. Eu queria que o radinho de pilha fosse um momento de virada para esse homem", comenta Eryk.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 27.11.2010

Polvo Paul (2008 - 2010)

2010-10-26T19:00:00.003-02:00

Uncle Boonmee

2010-10-12T06:18:00.007-03:00

por Ursula Rösele

Thalia, cinema de Augsburg, sul da Alemanha. Como não pude desfrutar das coberturas da Filmes Polvo em que nossos tentaculares viram o novo Apichatpong, fiquei felicíssima ao descobrir que Uncle Boonmee está no cinema aqui. Fui lá conferir, claro. Cineminha super agradável, meio parecido com o Belas Artes de Belo Horizonte e melhor: legendado, coisa rara por aqui. Sentei-me lá na primeira fila, bem no estilo “polvos no Cine Humberto Mauro”. Silêncio, ninguém aparecendo. Eu e Joe, apenas. Uns quinze minutos de filme e um homem entra, senta mais atrás. Mais ou menos com uma hora de projeção ele vai embora. É Joe...espero que quando estrear no Brasil as coisas sejam – ao menos um pouco - diferentes.

Dinner for One

2010-10-07T00:30:00.003-03:00

por Ursula Rösele

Este curta se chama Dinner for One, também conhecido como The 90th Birthday e também Der 90. Geburtstag, em alemão. Na década de 1920 um autor britânico escreveu uma esquete para o teatro inglês e em 1963 o canal alemão NDR a transformou em um pequeno curta cômico.

A versão alemã manteve a língua inglesa sendo falada entre os atores (com esta introdução em alemão que verão a seguir) e como poderão ver, foi uma decisão acertada, uma vez que o filme necessita da aura britânica para manter seu sentido cômico.

Esta versão de 1963 entrou para o Guiness (entre os anos 1988-1995, pois as edições seguintes do livro não possuem mais esta categoria) como o programa de TV que mais passou em toda a história. O filme se tornou figura emblemática da comemoração de Ano Novo das televisões de diversos países, como Alemanha, Dinamarca e Suécia, além de ser considerado um clássico cult nesses países e na Noruega, Finlândia e Áustria.

Divirtam-se...

Tony Curtis (1925-2010)

2010-10-01T14:22:00.001-03:00

Arthur Penn (1922-2010)

2010-09-29T14:49:00.001-03:00

Sally Menke (1953-2010)

2010-09-28T12:07:00.007-03:00

Montadora de todos os filmes de Quentin Tarantino e considerada por ele uma verdadeira "autora", Sally Menke morreu na terça-feira, aparentemente vítima do calor, depois de ficar um dia desaparecida. Foi o dia mais quente da história em Los Angeles, com os termômetros ultrapassando 45º C.

Menke foi indicada duas vezes ao Oscar de montagem, por "Pulp Fiction" e "Bastardos Inglórios". Morreu sem vencer o prêmio.

"Terra Deu Terra Come": em busca do diabo

2010-09-23T12:13:00.005-03:00

por Marcelo Miranda

"Eu encasquetei que queria saber como era um pacto com o capeta". Simplificadamente, foi esta a grande motivação do cineasta Rodrigo Siqueira ao pegar a estrada no final de 2004 e circular por regiões remotas de Minas Gerais. Sua inspiração? A literatura de Guimarães Rosa, em especial "Grande Sertão: Veredas" - a quem leu o romance, a curiosidade de Rodrigo em torno do pacto com o diabo vai ficar bem mais clara.

Tão instigante quanto seu ponto de partida foi o resultado do périplo de Rodrigo: o filme "Terra Deu Terra Come", troféu de melhor longa brasileiro do festival É Tudo Verdade, em março deste ano, e destaque em agosto numa mostra paralela do Festival de Gramado. Em vias de estrear no circuito comercial a partir de outubro, o filme também deverá ser exibido em novembro no forumdoc.BH.2010.

Serão as primeiras apresentações de "Terra Deu Terra Come" em sua própria casa. Rodrigo é nascido em Conselheiro Pena, pequeno município de 23 mil habitantes localizado no Norte de Minas, no Vale do Rio Doce, a 513 Km de Belo Horizonte. Rodrigo, 37, mudou-se para a capital aos 4 anos. Depois de algumas experiências locais com cinema e produção, migrou para São Paulo em 2001, e lá reside até hoje.

Mas Minas Gerais ainda impregna o imaginário e a criatividade de Rodrigo Siqueira. Tanto que não se satisfez em apenas ler Guimarães Rosa. Quis se imbuir da atmosfera roseana. O que ele não esperava era encontrar um típico personagem do escritor na figura do contador de histórias Pedro de Alexina, 82 (idade incerta). "Seu" Pedro encantou Rodrigo logo no primeiro encontro de ambos, em janeiro de 2005. "A gente conversou por horas, e eu, já com a câmera, gravei três fitas desse papo", relembra o diretor. "Resolvi voltar pra filmá-lo ao descobrir que ele era o único a ainda saber cantar os vissungos. Precisava fazer um registro daquele patrimônio imaterial".

Os vissungos são definidos como cantigas entoadas por descendentes de escravos africanos nos garimpos de diamantes e ouro das regiões de Diamantina, São João da Chapada e Serro, em Minas. Rodrigo encontrou Pedro de Alexina no Quartel do Indaiá, antigo quilombo perto de Diamantina, onde restam poucos moradores e no qual o contador é o último a ainda relembrar os vissungos. "Tem um genro dele que parece possuir ouvido musical, mas os jovens não têm interesse em dar continuidade a isso. Quando ‘seu’ Pedro morrer, há o risco desse patrimônio desaparecer junto com ele".

Ao propor realizar um filme com Pedro, Rodrigo diz que o contador - também benzedor, curandeiro e mestre do garimpo - pediu que, ao voltar, o cineasta lhe levasse uma sanfona. "Bom garimpeiro que foi, ele já estava fazendo negócio". Rodrigo retornou quase um ano depois - com a sanfona de oito cordas pedida por Pedro. Dali em diante, os dois tiveram uma cumplicidade ímpar e inesperada. O cineasta ficou um mês na região, conversou e tomou cachaça com o ex-garimpeiro e se permitiu ter a inesquecível experiência que resultou em "Terra Deu Terra Come".

Codireção
Não é por menos que Rodrigo Siqueira credita Pedro de Alexina como codiretor de "Terra Deu Terra Come". Ao estimular o ex-garimpeiro a narrar suas histórias e a falar da própria vida e das relações dos vivos com os mortos ("A morte, existe ela, ela anda com sua foice dela" é uma das frases-chave de Pedro), Rodrigo se viu dentro de um jogo de representações no qual o limite entre verdade e ficção já não importava. "Propus situações para entrar no que ele tinha a contar. Sempre que eu ia com uma ideia, ele vinha com outra, e nos alimentávamos", relembra Rodrigo. "Ele entrou no jogo, ficou empolgado e criou um teatro em torno de si mesmo".

A máscara usada por Pedro em alguns momentos do filme surgiu quase ao acaso, a partir de ações dele próprio. "O ‘seu’ Pedro tinha preparado a brincadeira do bumba-meu-boi e, numa noite, colocou aquela máscara e entrou no que parecia um transe, encarnando outra pessoa que não era ele. Havia ali algo de ancestralidade africana, e eu não pude deixar isso de fora".

O projeto de “Terra Deu Terra Come” venceu um edital de financiamento do programa Petrobras Cultural na categoria de patrimônio imaterial. No decorrer do desenvolvimento do que se tornaria o filme, o diretor Rodrigo Siqueira sentiu a necessidade de ir além, até pelo caráter abstrato do que tinha se proposto fazer.

“Não tem como tratar desse patrimônio de maneira isolada, pois ele tem a ver com o lugar e com a geografia onde as pessoas vivem, tem relação com a África, com dialetos e heranças”, aponta Rodrigo. “Eu buscava chegar à memória do ‘seu’ Pedro de Alexina, através de suas histórias, seus familiares, o garimpo, os mortos. Era a única forma de atingir aquilo que eu buscava. E não tem coisa mais infilmável que a memória”.

Enterro
O eixo de “Terra Deu Terra Come” é a morte de João Batista, senhor de 120 anos e cujo velório, orientado por Pedro de Alexina, é acompanhado pela câmera e pela presença física de Rodrigo Siqueira. O realizador não apenas registra, mas interage com o entorno do que acontece na comunidade de Quartel do Indaiá a partir da presença de um corpo. “A proposta era criar certa narrativa que permitisse uma atmosfera predominante em todo o filme, através de sequências flutuando em torno dessa atmosfera e que a interpenetrasse e ecoasse para além do filme”.

No decorrer da produção, Rodrigo faz com que Pedro de Alexina relembre todo o procedimento de “embalar” os mortos no intuito de permitir-lhes uma passagem bem-sucedida para o “outro lado”. No processo, claro, depara-se com crenças envolvendo a existência (ou não) do diabo – “aquele outro”, “o sujo”, “o tal”, como é referenciado várias vezes nas falas dos moradores do ex-quilombo.

Quando, enfim, acontece a caminhada do enterro, Rodrigo conseguiu captar em imagens e sons vários vissungos cantados por “seu” Pedro. “É de chorar, né?”, emociona-se o cineasta, ao ser perguntado sobre a sensação de estar ao vivo testemunhando a manifestação da ancestralidade.

Rodrigo Siqueira teve de base dois trabalhos sobre vissungos. O escritor Aires da Mata Machado tinha contabilizado 67 cânticos no livro “O Negro e o Garimpo em Minas Gerais”, publicado em 1943. Em pesquisa acadêmica recente, Lúcia Nascimento levantou aproximadamente 12 – o que mostra a extinção de uma tradição.

Durante a filmagem do velório de João Batista, Rodrigo Siqueira diz ter conseguido identificar alguns vissungos que não estavam na pesquisa de Lúcia, justo num momento de troca de bateria da câmera. Ao pedir para “seu” Pedro repetir o cântico, o ex-garimpeiro disse que não conseguiria. Naquele momento, Rodrigo constatou de vez que o instinto da tradição superava a busca pela memória.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 22.9.2010

Fussball Karneval

2010-09-21T18:23:00.003-03:00

por Ursula Rösele

Mainz, time alemão jogando pela Bundesliga atualmente. Após todos os jogos, os jogadores pegam uma pequena câmera digital e filmam. São considerados o “time-carnaval” da Alemanha, pois a cidade ostenta o melhor carnaval do país (sabe-se lá o quê eles estão chamando de carnaval, mas enfim) e os jogadores são de uma alegria ímpar.

Disseram que depois da Bundesliga irão fazer um filme com essas imagens. 99,7% de chances de ser uma porcaria, mas que para nós que gostamos de futebol sempre fica uma vontade de ver o resultado, ah isso fica.

Claude Chabrol (1930-2010)

2010-09-12T12:24:00.002-03:00

Site de volta

2010-08-30T12:29:00.003-03:00

Caros leitores,
depois do susto, a bonança.
O servidor conseguiu o back up do Filmes Polvo, e o site está de volta ao ar. Esperamos não voltar a acontecer. Testem à vontade: www.filmespolvo.com.br

Atenciosamente,
Equipe Filmes Polvo

Site Filmes Polvo

2010-08-26T17:29:00.000-03:00

Caros leitores,

tivemos um problema grave com nosso host, o que acarretou em sérios problemas no armazenamento de nossos dados, portanto, ficaremos um período – que esperamos seja o mais breve possível – fora do ar somente com nosso blog ativo. Precisaremos mudar de host e averiguar como recuperar tudo que perdemos no site, pois, aliás, ainda não sabemos a dimensão desta perda.

Acabamos de ficar sabendo e pedimos desculpas pelo contratempo, que afetou a todos nós.

Abraços angustiados,

Equipe Filmes Polvo

50 anos de "Psicose"

2010-08-20T11:20:00.005-03:00

por Marcelo Miranda

Quando "Psicose" foi lançado nos EUA, em 16 de junho de 1960, uma publicidade protagonizada pelo próprio diretor Alfred Hitchcock proibia qualquer espectador a entrar na sala de cinema depois que o filme tivesse começado. Reza a lenda, inclusive, que Hitchcock em pessoa circulava pelos lugares fiscalizando se sua ordem expressa era cumprida à risca. O motivo, o cineasta explicou em entrevista a François Truffaut: "Os retardatários ficariam esperando o momento de ver [a atriz] Janet Leigh [em cena], quando, na verdade, ela já teria deixado a tela e morrido!".

Hitchcock tinha plena noção de que matar a protagonista de seu filme aos 45 minutos de projeção era um ato não apenas ousado, mas absolutamente inesperado - mais ainda se a personagem em questão era interpretada por uma estrela reconhecida como Leigh.

No próximo dia 25, completam-se 50 anos da estreia de "Psicose" no Brasil. Foram menos de dois meses de espera em relação às primeiras exibições nos EUA, mas o suficiente - numa era anterior à circulação hiperveloz da informação, como hoje - para manter o mistério em torno tanto da morte de Marion Crane (Leigh), quanto do segredo de Norman Bates (Anthony Perkins), e quanto à identidade do assassino.

"O suspense é antes de tudo a dramatização do material narrativo de um filme ou ainda a apresentação mais intensa possível de situações dramáticas", descreveu o crítico e pesquisador Ismail Xavier no prefácio de "Hitchcock/Truffaut" (Cia das Letras, 1993-2004). As palavras sintetizam toda a obra do diretor inglês e, mais ainda, a essência de "Psicose".

Rodado em menos de três meses, em preto e branco, com técnicos de televisão, orçamento de apenas US$ 800 mil e sem qualquer esperança da produtora Universal de que fosse render algum centavo, o longa se tornou a maior bilheteria de toda a vasta carreira de Hitchcock, integrada por 53 filmes realizados entre 1922 e 1976. "Psicose" faturou, na época, US$ 15 milhões, valor astronômico em se tratando de um suspense barato, adaptado do obscuro romance escrito por Roberto Bloch.

A propósito do livro de Bloch, disse Hitchcock: "Acho que a única coisa que me agradou e me fez decidir fazer o filme foi o caráter repentino do assassinato no chuveiro". A cena mais famosa de "Psicose" era, no fundo, o atrativo do diretor. Hitchcock se notabilizou por uma forma peculiar de criação: ele fazia filmes a partir de uma única ideia, cena ou sequência que povoava sua mente, desenvolvendo todo um enredo para encaixar essa determinada obsessão.

Assim foi com o chuveiro no qual Janet Leigh se banha. A filmagem da morte da personagem durou sete dias e exigiu 77 posições de câmera, no intuito de capturar todo e qualquer ângulo. Foi na montagem que Hitchcock deu o ritmo eternizado por aqueles três minutos de cena e potencializado pelos estridentes violinos da composição musical de Bernard Herrmann.

O pavor causado por "Psicose" também se deve à encarnação de Anthony Perkins como o frágil Bates. Dono de um motel falido na beira da estrada, o misterioso rapaz vive solitário com a mãe doente e deseja Marion Crane desde o primeiro instante em que a vê. O espectador primeiro sente piedade, depois desconfiança, em seguida dúvida e, por fim, medo.

A fusão final, com o rosto de Norman sobreposto ao do cadáver da mãe e ao porta-malas do carro onde está depositado o corpo desnudo de Marion, reforça, em termos puramente cinematográficos, o caráter assombroso da criação de Hitchcock. Cinco décadas depois, "Psicose" ainda é capaz de provocar frisson em velhos e novos espectadores. E isso é para sempre.

Para relembrar

Não apenas um filme, “Psicose” se tornou verdadeiro ícone da cultura pop. Existe uma infinidade de livros, teses, documentários e referências que prestam tributo ao filme de Hitchcock. Até mesmo a cena do chuveiro ganhou, em 2010, um livro dedicado apenas a dissecá-la – “The Girl in Alfred Hitchcock’s Shower” (a garota no chuveiro de Alfred Hitchcock), de Robert Gray.

Em maio deste ano, a 63ª edição do Festival de Cannes, na França, fez a sua parte e exibiu uma versão restaurada do filme. “Psicose” passou por rigorosa recauchutagem, especialmente sonora, o que valorizou os acordes musicais de Bernard Herrmann e a utilização estética do som e ruídos de ambiente no desenvolvimento do suspense no filme. O mais interessante é que, na sessão de Cannes, aproximadamente dois terços do público presente à lotada sessão nunca tinha assistido ao longa, segundo enquete realizada ali, no calor da hora.

A melhor forma de relembrar “Psicose” em seu cinquentenário é rever o filme nas várias versões lançadas em DVD no Brasil (a diferença entre uma e outra está nos extras) ou na edição especial em Blu-ray, lançada justamente para celebrar o aniversário da produção.

Também ler o monumental “Hitchcock/Truffaut” se torna tarefa de primeira linha. O vasto livro em que o francês François Truffaut trava um longo diálogo com o cineasta inglês é referência sob qualquer aspecto relativo ao cinema. Só sobre “Psicose” são 19 páginas, incluindo fotos de bastidores e decupagem de cenas importantes.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 20.8.2010

CURSO CINEMA MUNDIAL: UM OLHAR, ALGUMAS POSSIBILIDADES DE ANÁLISE

2010-08-15T13:29:00.003-03:00

por Ursula Rösele

Caros,

gostaria de convidá-los para um curso que iniciará a partir de segunda-feira. O curso pode ser pago por todas as aulas ou para cada dupla, em que a primeira aula se consistirá de um panorama pelo tema e na segunda iremos assistir a um filme e discuti-lo depois.

Ursula Rösele (Crítica de Cinema pela Revista Eletrônica Filmes Polvo – www.filmespolvo.com.br /Mestranda em Cinema pela UFMG)

Início: 16/08/10 - Término: 08/09/10 - Horário: 19h às 22h (Segundas e Quartas)

Aulas 1 e 2 (16 e 18/08): Primeiro Cinema, do mudo ao falado, a cor, o cinema de gênero, os grandes diretores e movimentos ao redor do mundo.

Aulas 3 e 4 (23 e 25/08): Woody Allen: o amor e ódio que rodeiam seu cinema.

Aulas 5 e 6 (30 e 01/09): Cinema Documentário: de Flaherty a Vertov, do documentário clássico ao rompimento com as barreiras real e ficção.

Aulas 7 e 8 (6 e 08/09): Documentário brasileiro contemporâneo.

Local: Poterie Atelier – Rua Eurita, 62 Santa Tereza / Contato: 3282-8061 / 8425-2821

"A Origem", de Christopher Nolan

2010-08-07T12:40:00.001-03:00

por Marcelo Miranda

De cara é bom esclarecer: “A Origem” não revoluciona, não inova, não é brilhante. O pesado marketing em torno do filme tenta vender a ideia de estarmos diante de uma nova forma de se olhar a ficção científica, de uma nova filosofia dos sonhos, de um novo conceito. Nada disso – nem muito menos é um trabalho “onírico”, como já se classificou (oníricos são filmes de David Lynch, Luis Buñuel ou Alejandro Jodorowski). O que “A Origem” tem de atraente me parece ser, de imediato, a forma bem executada como desenvolve seus próprios conceitos. Em suma: o filme interessa não pelo que supostamente oferece de “novo”, mas pelo que ele faz tão bem de “velho”.

Depois do sucesso arrebatador de “Batman – O Cavaleiro das Trevas”, o diretor Christopher Nolan ganhou carta branca da Warner para fazer o que bem quisesse. E fez esse projeto, que acalentava há uma década. Há, de fato, um certo ar de brincadeira juvenil em “A Origem”, e curiosamente isso faz muito bem ao filme. Trata seus assuntos centrais – sonhos, amores perdidos, culpa – através do filtro de gêneros: estamos num longa de ficção/ação/aventura no qual existe uma missão central que precisa ser completada por um grupo de pessoas.

No entorno, Nolan vai lançando as demais questões e, a certa altura, o espectador é capaz de esquecer por que, afinal, aquele bando de gente – liderado por um Leonardo Di Caprio em chave semelhante à sua interpretação em “Ilha do Medo”, de Martin Scorsese – está invadindo sonhos alheios. Isso pouco importa. Muito mais interessante é curtir a viagem de Nolan e toda a molecagem camarada que ele vai lançando a cada sequência e a cada momento cartilha-explicativa.

“A Origem” se configura um filme mais relevante se pensado no contexto da obra do diretor. Soa exagero chamar Nolan de “autor”, como também se tem feito em alguns espaços. Ele possui características que o identificam, mas está longe de possuir uma identidade estética, um olhar específico sobre o mundo (e sobre o cinema), uma forma de encenar que o diferencie de congêneres. Nas categorias artísticas, ele estaria mais para um eficiente artesão.

No novo filme, Nolan problematiza a própria condição de criador. Ele já o tinha feito em “O Grande Truque” (2006), mas com “A Origem” a questão sobre os limites do cinema enquanto espaço onde há a eterna disputa real versus a ficção se torna o cerne do filme. Nolan embaralha conceitos e cria dilemas para seus personagens resolverem dentro de um jogo narrativo com várias possibilidades de saída. É como o labirinto que a personagem da atriz Ellen Page precisa criar: ela o desenha em dois minutos para que a pessoa saia dele em 60 segundos. Este é o desafio de Nolan desde a conceituação de “A Origem” – qual a melhor forma de olhar ao redor: pelo viés da fantasia ou da realidade? E o tempo está correndo.

A se pautar por trabalhos como os dois “Batman”, que tentam trazer para o universo realista uma criação essencialmente ficcional, Nolan tende a preferir deixar a imaginação de lado. Porém, considerando “A Origem”, percebe-se um questionamento muito mais intenso em torno do ofício de realizador; e a luta interna dentro da tela resvala na empolgação externa de quem se entrega a ela. Muito por conta disso, “A Origem” é uma experiência bastante agradável de acompanhar.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 6.8.2010

Seis graus de separação cinematográficos para Kevin Bacon

2010-08-01T21:05:00.005-03:00

por Nísio Teixeira

Inspirados, talvez, nessa história de seis graus de separação, uns caras fizeram um site curioso, desafiando o cinéfilo a conseguir sequer atingir esses seis graus, cinematograficamente. O site é o "Oráculo de Bacon", que lança mão do banco de dados do IMDB. Tentei vários nomes, alguns mais antigos, de outros países, e mal conseguia passar dos três graus. Alguns, aliás, com diferentes links de possibilidade de conexão cinematográfica. Foi digitando errado o nome da atriz Lilian Gish, que consegui atingir meu recorde: quatro graus de separação entre Lilian Lish, obscura atriz grega de um filme só da década de 1950, e o nosso footwinner Kevin Bacon. Mas, por que o Bacon? Vai entender o mundo...

http://oracleofbacon.org/index.php

Lilian Lish
was in
Ekeines pou den prepei n' agapoun (1951)
with
Koulis Stoligas
was in
O ippolytos kai to violi tou (1963)
with
Andreas Katsulas
was in
Executive Decision (1996)
with
Oliver Platt
was in
Loverboy (2005)
with
Kevin Bacon

Grande, esplêndido...

2010-07-22T14:13:00.004-03:00

Por Leo Cunha

Foi com um misto de tristeza e alívio que eu visitei a livraria "El Ateneo", na avenida Santa Fé, bairro da Recoleta, em Buenos Aires. Tristeza porque o maravilhoso prédio era antigamente um cinema, o "Grand Splendid". Alívio porque, ao contrário do que costuma acontecer por aqui, pelo menos este cinema não virou igreja evangélica, banco, loja de secos e molhados. Manteve-se a vocação cultural do prédio, pelo menos.

Curiosamente, a seção de cinema da "El Ateneo" não é grandes coisas. Procurei no centro da cidade uma famosa livraria especializada em livros de cinema, a "Entelequia", mas ela fechou há pouco. Acabei encontrando alguns livros bem interessantes na "Libros del Pasaje", no bairro de Palermo Viejo.

As polegadas de Crawford, Bennet, Garbo e outras

2010-06-30T19:08:00.006-03:00

Por Nísio Teixeira

No clima ainda anos 1930, mais uma delícia da revista Carioca (9 out 1937), com uma matéria de Peregrino Júnior sobre o "padrão cinematographico de belleza feminina". Curiosamente, a referência é a estátua da Vênus de Milo... Fiz a conversão aproximada em metros e quilos ao lado do dado em polegadas e libras. Claro, mantive o padrão de escrita de então.

__

“Num inquérito antropométrico ainda há pouco realisado em Hollywood os technicos americanos chegaram a uma conclusão interessantíssima: as mulheres mais bonitas do cinema yankee têm, com pequenas diferenças individuaes, as seguintes medidas:
Altura = 5 pés e 4 pollegadas = aprox. 1,60m
Peso = 115 libras = aprox. 52 quilos
Busto = 33 ¾ pollegadas = aprox. 85 cm
Quadris = 35 ½ pollegadas = aprox. 90 cm
Tornozelos = 7 ½ pollegadas = aprox. 19 cm

Essas dimensões foram encontradas, exactas, em 36 estrelas de Hollywood. E isso, em última análise, quer dizer que a beleza feminina de Hollywood está perfeitamente “standardizada”.

Dentre os nomes estão Joan Crawford, Lila Lee, Lena Lane, Bebé Daniels, Dorothy Mackaill, Marillyn Miller, Sharon Lynn, Dixie Lee, Marion Davies e Carole Lombard. Como comparação, o texto ainda utiliza as medidas da Vênus de Milo, tida como ideal de beleza e diz que “as diferenças são insignificantes”

Altura = 5 pés e 4 pollegadas = aprox. 1,60 metros
Peso = 135 libras = aprox. 61 quilos
Busto = 34 ¾ pollegadas = aprox. 88 cm
Quadris = 37 ½ pollegadas = aprox. 95, 25 cm
Pernas = 13 ½ pollegadas = aprox. 34, 3 cm

Constance Bennet (foto) é que mais se aproxima dessas medidas. Já Greta Garbo e Marlene Dietrich mostram-se “altas e gordas” diante do padrão hollywoodiano. Janet Gaynor e Dorothy Lee mostram-se mais “baixas e finas”.

__

Assim escreveu a Carioca...

Ouro Preto e a Cinédia

2010-06-19T11:07:00.004-03:00

por Marcelo Miranda

Antes da Vera Cruz e da Atlântida, houve a Cinédia. O primeiro estúdio de cinema do Brasil foi fundado em março de 1930, no Rio de Janeiro, pelo então crítico Adhemar Gonzaga. Oito décadas depois, a quinta edição da CineOP - Mostra de Cinema de Ouro Preto resgata não apenas a história da ascensão e queda da Cinédia, como principalmente alguns de seus filmes mais emblemáticos. Numa oportunidade de ouro, cinco longas-metragens produzidos pelo estúdio carioca serão exibidos em cópias restauradas - um avanço indescritível em relação às versões de VHS ou de televisão que os cinéfilos vêm tomando contato nos últimos anos. A quem nunca viu esses filmes, melhor ainda.

A proposta, segundo Raquel Hallak, coordenadora geral da CineOP, é "entender o contexto social, político e cultural do surgimento da Cinédia a partir de um olhar contemporâneo". "Eram tempos de Humberto Mauro indo filmar no Rio, Adhemar Gonzaga fundando o estúdio e Getúlio Vargas subindo ao poder no Brasil", relembra Raquel.

Para o crítico e pesquisador Cléber Eduardo, colaborador da temática histórica da mostra, resgatar a Cinédia em pleno século 21 permite enxergar a própria trajetória das tentativas do cinema brasileiro em se tornar indústria. "É uma perspectiva histórica de contextualizar o que significava isso em 1930 em paralelo com a chegada de Vargas à Presidência, com seu discurso e projeto de industrializar o país, e como isso há 80 anos é uma questão ainda de futuro, não de passado", acredita Cléber. "A Cinédia nos lembra do futuro que nunca chegou de fato, de um sertão que não virou mar", completa, usando de referência o verso de Glauber Rocha para "Deus e o Diabo na Terra do Sol" (1963) no intuito de falar sobre a eterna luta nacional por posições pessoais diante de imposições coletivas.

Glauber, aliás, é lembrança oportuna em se tratando da Cinédia. Para o diretor baiano falecido em 1981, "Ganga Bruta", do mineiro Humberto Mauro, seria o primeiro grande clássico da produção brasileira - ainda que, quando lançado em 1933, o filme tenha sido um fracasso de público. "Ganga Bruta" é um dos títulos programados para o CineOP e ganha apresentação no Cine Vila Rica na próxima segunda-feira.

Outros são "Alô Alô Carnaval" (1936), que marca o início da caminhada bem-sucedida de Carmem Miranda; "Bonequinha de Seda" (1936), cujo ritmo foi moldado pelas comédias de Hollywood do período; e "Lábios sem Beijos" (1930), outro de Mauro, a ser exibido com uma orquestra ao vivo tocando trilha sonora inédita e original, composta especialmente para a mostra em Ouro Preto. Uma verdadeira viagem ao cinema primordial.

Estúdio era caminho natural
"Em meados dos anos 1920, em São Paulo, o próspero industrial Adalberto Almada Fagundes, proprietário de uma fábrica de louças, tentou ampliar seu ramo de atuação patrocinando a construção de estúdios e fundando a Visual Filmes. No entanto (...), identificou as dificuldades de produzir cinema no país e preferiu continuar num ramo mais seguro para investimentos - (...) fabricar louças".

O trecho é de "Cinema Brasileiro - Das Origens à Retomada" (2005, Ed. Fundação Perseu Abramo, 160 págs.), no qual o historiador Sidney Ferreira Leite radiografa os descaminhos da produção nacional desde o começo do século 20. E o trecho reflete bem a dificuldade de se criar a tão falada indústria de produção audiovisual.

A Cinédia surgiu nesse bojo, quando os filmes nacionais ganhavam importância (e eram valorizados pelo próprio governo, que criou leis para protegê-lo) e um grupo de realizadores pensava em tirar os filmes do aspecto primário como eram feitos e modernizar o seu processo de "fabricação". A fundação de um estúdio - com material e equipamento de ponta, muitos vindo de fora do Brasil - era caminho natural. "Foi o primeiro empreendimento de um sonho de industrialização que, historicamente, continua a ser um ideal cuja prática continua artesanal", diz Cléber Eduardo.

Alice, a herdeira
Era 1935. Cinco anos depois da Cinédia ser fundada, Alice Gonzaga nasceu. Filha do crítico de cinema e produtor Adhemar Gonzaga e da atriz Didi Viana, Alice cresceu junto com o estúdio fundado pelo pai. Herdeira de todo o acervo de filmes e documentos, ela será a pessoa a representar a Cinédia na CineOP, que começa hoje em Ouro Preto e segue até terça-feira.

Alice não é só a herdeira. É mantenedora, difusora e restauradora de tudo relativo ao estúdio nos últimos 35 anos. “Entrei, gostei e nunca parei”, resume ela, em conversa por telefone. Graças a Alice, filmes da Cinédia foram restaurados e ganharão lançamentos especiais nos próximos meses, incluindo uma mostra no Rio de Janeiro e a própria apresentação de cinco títulos na programação da CineOP.

As memórias de Alice Gonzaga em relação ao estúdio – reunidas no livro “50 Anos de Cinédia” – remontam aos primórdios. “Lembro de, bem criancinha, adorar ir até a Cinédia, porque lá tinha um jardim”, relembra ela. “Tinha umas estátuas de anões de um lado e peixinhos nadando nesse lago, então queria sempre ir”.

A produtora circulou entre grandes estrelas da época, como Gilda de Abreu e Carmem Miranda, e acompanhava o pai onde pudesse – e também onde ele não estivesse: a pequena Alice costumava circular pelas instalações da Cinédia mexericando nos trabalhos dos funcionários. “O pessoal tinha que engolir em seco, porque eu era chatinha, mas era filha do diretor”, conta ela, aos risos.

E Alice também foi “útil” à Cinédia. Quer dizer: uma utilidade oportuna. Como sempre zanzava pelo lugar, era ela a escolhida para testar novos equipamentos. “Se chegava uma câmera ou um refletor, precisavam de alguém para ver se estava funcionando, e eles me chamavam. Eu era a rainha dos testes e a cobaia dos novos equipamentos”.

Já adolescente, Alice foi estudar num colégio interno no Rio de Janeiro. Às quintas-feiras, tinha consultas no dentista. Aproveitava a saída, claro, para ir até a Cinédia. “Almoçava no estúdio e passava a tarde inteira lá. Vi muitas filmagens nessa época e lembro bastante, porque estava grandinha”. Certo dia, em meados dos anos 1970, Adhemar Gonzaga foi diagnosticado como vítima de dois infartos e com um “coração cansado”.

Ao sair do hospital acompanhando o pai, Alice se deu conta: o que seria da Cinédia se Adhemar morresse? “Eu não fazia ideia, nunca tinha pensado nisso, ainda que ajudasse meu pai a organizar livros e papéis”. Felizmente, Alice teve habilidade e talento para eternizar o que a Cinédia havia criado ao longo dos anos.

Adhemar Gonzaga, fundador da Cinédia e pai de Alice, morreu em 1978. Desde então, ela toca os trabalhos do estúdio, que parou de produzir para se dedicar a cuidar de seu próprio acervo. Apesar de vinculado aos anos 30, o estúdio da Cinédia produziu filmes até o final dos anos 40, quando a Atlântida, fundada em 1941, já atuava realizando as populares chanchadas e filmes musicais

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 17.6.2010

*Acompanhe a cobertura da CineOP no Filmes Polvo

Rogério Sganzerla

2010-06-12T15:05:00.008-03:00

por Marcelo Miranda

Na preparação do livro "Por um Cinema sem Limite", que Rogério Sganzerla publicou em 2001 pela editora Azougue, sua filha caçula, Djin, teve participação fundamental. "Tive uma função de secretária, revisando e formatando os textos dele", relembra a atriz, aos risos.

Essa mistura de âmbito pessoal com produção artística e intelectual é o mote central da "Ocupação Rogério Sganzerla", exposição em cartaz gratuitamente no Instituto Itaú Cultural, em São Paulo, até o dia 18 de julho - e na qual a reportagem esteve na última quarta-feira. Trata-se da primeira reunião pública de parte do vasto acervo que o catarinense Sganzerla - morto em 2004, aos 57 anos - deixou guardado em dois armários. São anotações, fotografias, objetos, roteiros, cartas, textos críticos, que perpassam não apenas a carreira, mas a vida inteira de um criador genial, responsável por "O Bandido da Luz Vermelha" (1968) e "A Mulher de Todos" (1969), entre tantos mais.

"Um espaço dedicado às artes contemporâneas é ideal para reverberar a poética do Rogério através de seu caráter fragmentário", define o cineasta Joel Pizzini, curador da exposição.
Ao longo dos últimos 12 meses, Pizzini e equipe se dedicaram a vasculhar o material deixado por Sganzerla e guardado por sua esposa por 37 anos, a mítica atriz Helena Ignez, e por suas filhas, Djin e Sinai. O que foi selecionado para o Itaú Cultural transmite a noção "polifônica do multiartista", segundo Pizzini, através de três eixos relacionados à obra do diretor: luz, abismo e caos.

A exposição consiste numa mistura interativa de imagens, músicas e letras. Inclui roteiros de Sganzerla ("uma grande descoberta, que pouca gente conhecia", diz o curador), trechos de filmes inacabados ou perdidos (como "Carnaval na Lama", o qual ninguém sabe onde está) e um segmento dedicado ao cinéfilo e pai Sganzerla, com credenciais de jornalista, máquina de escrever, câmeras e dois escritos incríveis - um cartão-postal para o "incorrigível Julio Bressane" e para a "Helena linda", enviado na época em que Bressane e Ignez eram namorados, e uma carta à filha Sinai, então com 9 anos, na qual ele se mostra um pai afetuoso e, nas entrelinhas, celebra a presença de Orson Welles - seu maior ídolo - num determinado festival de cinema.

Seis anos depois da morte de Rogério Sganzerla, 2010 parece ser especial à sua memória. Ainda que o diretor nunca tenha saído da reflexão sobre os caminhos do cinema brasileiros – não apenas pelos seus vários longas e curtas desde 1967, mas também pelo trabalho final da carreira, o impressionante “O Signo do Caos” (2003) –, a exposição no Itaú Cultural se soma a uma série de ações que vão garantir presença contínua de Sganzerla na mídia cultural.

Em julho, dois livros reunirão os textos críticos escritos por Sganzerla em duas fases: a primeira, quando, antes dos 20 anos de idade, ele se tornou colunista do jornal “O Estado de S. Paulo”; a outra, já nos anos 80, do alto de uma experiência precoce reforçada pela produção continuada de filmes provocativos e ousados.

No final do ano, chegará aos cinemas “Luz nas Trevas – A Volta de Luz Vermelha”, filme dirigido por Helena Ignez e Ícaro Martins a partir de roteiro deixado pelo próprio Sganzerla. No elenco, o cantor Ney Matogrosso encarna o personagem vivido intensamente por Paulo Vilaça em 1968. “Luz nas Trevas” era um dos projetos mais sonhados por Sganzerla: uma continuação de “O Bandido da Luz Vermelha” de teor “menos intelectualizado, mais pop, mais gibi”, como disse em 1998.

Fora isso, há dois longas de Sganzerla disponíveis em DVD (“O Bandido da Luz Vermelha” e “Sem Essa, Aranha”) e outros devem surgir em breve. “Os filmes ainda soam como um escândalo, com toda aquela inteligência e humor. Ao mesmo tempo, é tudo absolutamente pessoal”, exalta a filha, a atriz Djin Sganzerla. “Queremos restaurar essa obra e trazê-la ao público como foi feita: em sua máxima potência e visceralidade”.

Para o carioca Julio Bressane, ex-sócio da produtora Belair com Sganzerla e Helena Ignez em meados dos anos 60 (juntos, fizeram seis longas-metragens em dois meses), ter o acervo pessoal do diretor colocado diante do público é “um tipo de milagre”. “É uma obra que serve como instrumento de autotransformação. Não pedem explicação, e nem são feitas a isso, como todo tipo de imagem moderna. Eles pedem e exigem uma interpretação. Isso não se concilia com a tirania do aspecto comercial que está aí hoje, nessa política genocida que se pratica no atual cenário do cinema brasileiro”, dispara Bressane.

O gerente do núcleo de audiovisual do Itaú Cultural, Roberto Cruz, conta que a escolha de Rogério Sganzerla para o projeto Ocupação foi coerente aos artistas anteriormente definidos – dentre eles, o dramaturgo Zé Celso Martinez Corrêa e o poeta Paulo Leminski. “São todos iconoclastas”, resume Cruz. “A grande originalidade da atual exposição foi não trabalharmos especificamente com os filmes de Sganzerla, mas com o processo de sua criação e pensamento”.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 12.6.2010

Mostra sobre o cinema do Quebec em SP

2010-06-10T01:12:00.006-03:00

por Nísio Teixeira

Entre 24 de junho a 04 de julho do corrente acontece uma mostra que reúne produções do cinema quebequense sobretudo dos anos 2000. Mas há filmes também dos anos 1970 e 1960, como Bûcherons de la Manouane (foto), já comentado aqui no dossiê Quebec da Filmes Polvo. A mostra acontece na Cinemateca Brasileira e o CINUSP “Paulo Emílio” e tem curadoria de João Cláudio de Sena e Paula Morgado. Debates com alguns dos cineastas canadenses que participam da mostra acontecem nos dois locais e também na Academia Internacional de Cinema e no LISA – Laboratório de Imagem e Som em Antropologia da USP. O evento conta com o apoio do Consulado-Geral do Canadá e do Escritório de Québec de São Paulo, da Embaixada do Canadá no Brasil, da Pró-Reitoria de Cultura e Extensão e do Laboratório de Imagem e Som em Antropologia da Universidade de São Paulo, e da empresa Rio Tinto Alcan. Mais informações no site http://www.cinequebec.blogspot.com/

CINEMATECA BRASILEIRA
24 de junho a 4 de julho (mostra de filmes e debate)
Largo Senador Raul Cardoso, 207
próximo ao Metrô Vila Mariana

Terça a sexta: 19 e 21 horas

sábados e domingos: 17, 19 e 21 horas
Outras informações: (11) 3512-6111 (ramal 215)
http://www.cinemateca.gov.br/ (de onde foi retirado parte do texto acima e informações)
Ingressos: R$ 8,00 (inteira) / R$ 4,00 (meia-entrada)
Atenção: estudantes do Ensino Fundamental e Médio de escolas públicas têm direito à entrada gratuita mediante a apresentação da carteirinha.

CINUSP “PAULO EMÍLIO”
29 de junho a 2 de julho (mostra de filmes)
Rua do Anfiteatro, 181 – Colméia, Favo 04
Cidade Universitária

Segunda a sexta, 16 e 19 horas.
Outras informações: (11) 3091-3540
www.usp.br/cinusp
ENTRADA FRANCA

LABORATÓRIO DE IMAGEM E SOM EM ANTROPOLOGIA DA USP
29 de junho (palestra)
Rua do Anfiteatro, 181 – Colméia, Favo 10
Cidade Universitária
Outras informações: (11) 3091-3045
http://www.lisa.usp.br/

Clint Eastwood, 80

2010-05-31T14:52:00.002-03:00

Dennis Hopper (1936-2010)

2010-05-29T15:20:00.002-03:00

Apichatpong, o Joe

2010-05-22T09:59:00.006-03:00

por Marcelo Miranda

Por pouco, o diretor tailandês Apichatpong Weerasethakul não consegue vir à Riviera Francesa apresentar seu novo filme na competição do 63º Festival de Cannes. Ele teve dificuldades de sair de seu país, por conta da guerra civil que tomou conta do lugar na última semana. "Tive problemas com o passaporte e fui a três embaixadas até conseguir embarcar. Estou com medo da volta", disse ele ontem aos jornalistas.

Weerasethakul (ou Joe, como é mais conhecido) está na Croisette exibindo "Uncle Bonmee Who Can Recall His Past Lives" (ou "Tio Bonmee que pode recordar suas vidas passadas", em tradução livre). O filme marcou outro momento memorável desta edição do evento. Uma Palma de Ouro a Joe não seria de todo imprevisível e ainda iria coroar uma decisão corajosa do júri presidido por Tim Burton. A premiação acontece domingo.

O cinema desse tailandês de 39 anos não se parece com absolutamente nada do que você já viu ou verá, sob todo e qualquer aspecto. Há vários cineastas ímpares assim, mas o caso de Joe é ainda mais forte por vir de uma periferia do mundo como é a Tailândia, sempre sofrendo com toda dificuldade possível a uma nação do terceiro mundo. Imaginação como a de Weerasethakul só poderia brotar num ambiente desses, e o tipo de trabalho que ele faz só tem sentido quando o espectador limpa olhos e mentes de quaisquer noções prévias do que acredita que um filme deva ser, e embarca virgem para a experiência sensorial e estética proposta por Joe.

"O cinema é basicamente ilusão. Eu queria usar elementos para criar verdadeiras ilusões porque o cinema também pode preservar o espírito das pessoas", disse o cineasta em Cannes. O teor metafísico de Joe tem relação direta com suas crenças e seu projeto artístico. "Uncle Bonmee" parte da noção oriental de reencarnação, muito mais ampla que a ocidental. "Acredito na transmigração de almas entre humanos, plantas, animais e fantasmas. O filme mostra a relação entre homens e bichos ao mesmo tempo em que destrói a linha divisória entre eles", explicou.

Seria injusto e pouco produtivo tentar descrever ou definir do que trata o filme. Existem personagens, a ficção é embebida da realidade, há um roteiro como ponto de partida. Mas só isso é pouco. O mesmo pode ser dito de qualquer longa anterior de Weerasethakul, diretor injustamente quase nunca exibido no Brasil (apenas em mostras) e que acumula até o momento seis longas-metragens. Dois deles foram premiados em Cannes: "Eternamente Sua" (2002) ganhou troféu de melhor filme da mostra Um Certo Olhar (paralela à competição) e "Mal dos Trópicos" (2004) ficou com o Grande Prêmio do Júri. "Síndromes e um Século" (2006) teve passagem de respeito pelo Festival de Veneza, na Itália.

Algumas palavras-chave dão vaga noção do que se vê e sente nos filmes do diretor: floresta, grilo, caverna, calmaria, espíritos, sombras, ironia, água, música. "Quando alguma coisa é representada através do cinema, ela se torna memória coletiva de quem a assiste", comenta Joe. "Eu estou interessado em explorar as entranhas desse processo".

"Uncle Bonmee" é o mergulho mais radical de Weerasethakul nesse compartilhamento de sentimentos com o público. A naturalidade ao lidar com questões como reencarnação, espiritismo e choque cultural provoca imediato estranhamento, para logo depois transformar qualquer interrogação em puro fascínio. Só filmada por alguém com olhar depurado e sem vícios, uma cena de sexo entre um bagre e uma garota numa cachoeira soa como a coisa mais bonita e comum do mundo.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 22.5.2010

Copie Conforme, Kiarostami e Binoche

2010-05-19T11:30:00.003-03:00

por Marcelo Miranda

Juliette Binoche foi às lágrimas durante encontro com a imprensa mundial no começo da tarde de ontem, em Cannes. Na Riviera Francesa para exibir o novo filme no qual é protagonista, "Copie Conforme", do iraniano Abbas Kiarostami, a atriz francesa não conteve a emoção ao ser informada, durante a coletiva, que o diretor Jafar Panahi, preso desde março no Irã por supostamente defender ideias contrárias ao regime local, teria começado uma greve de fome.

Quase a metade da entrevista com Kiarostami e Binoche girou em torno de Panahi. O próprio diretor, antes mesmo de ouvir qualquer pergunta, adiantou: "Sei que viemos aqui para falar do nosso filme, mas me deem apenas um minuto que eu pretendo comentar uma grande injustiça e violência", alertou. "Já devem saber que estou falando de Jafar Panahi. Quando vinha para cá, recebi recado de que a esposa dele queria falar comigo. Espero boas notícias".

Em seguida, Kiarostami foi desiludido: uma repórter francesa pediu a palavra e disse que a novidade era que Panahi iniciaria greve de fome. Nesse momento, Binoche, entristecida desde quando entrara na sala de conferências, começou a chorar, gesticulando para que os fotógrafos se afastassem, e recebendo um lenço da organização.

"Um cineasta preso por fazer seu trabalho é uma coisa intolerável. Filmar não pode nunca ser considerado um crime", frisou Kiarostami. "No Irã, os diretores independentes sempre vivem esse drama: se o governo não gosta do filme ou fica sabendo de alguma repercussão no exterior, logo pensa que tem algo a ver com os ocidentais", denunciou.

Enfim, sobre "Copie Conforme" (ou "cópia autenticada", em tradução livre), Kiarostami deu verdadeira aula de cinema. Não apenas com o filme em si, excelente, mas com cada uma de suas palavras sobre ele. "Eu queria colocar em cena duas pessoas discutindo relações de amor, fosse verdade ou mentira. Mas isso era pretexto para questões bem mais complexas que me interessavam", disse.

Em "Copie Conforme", Kiarostami muda completamente o tom de seu cinema. Ganhador da Palma de Ouro em Cannes com "Gosto de Cereja" (1997), o iraniano sempre foi adepto de filmes mergulhados na realidade pobre de seu país e em figuras anônimas (não-atores selecionados nas próprias locações) tentando sobreviver, como em "Onde Fica a Casa do Meu Amigo?" (1987) e "O Vento nos Levará" (1999). Na última década, o diretor mergulhou em verdadeiros experimentos, casos de "Dez" (2002), "Five" (2005) e "Shirin" (2008), nos quais Kiarostami ambicionava "desaparecer" com o ofício de diretor, tentando fazer filmes que nascessem no contato câmera-objeto/rosto.

Eis que Kiarostami surge neste ano com um aparente romance protagonizado por uma estrela do cinema europeu (Juliette Binoche) e um cantor de ópera inglês (William Shimell), que circulam pela Toscana, na Itália, discutindo aspectos do amor, da arte, da vida e da atração homem-mulher. Em meio à construção crescente e surpreendente, mesclando diálogos em inglês, francês e italiano, e captando a ambientação por onde o casal transita, brota de "Copie Conforme" um drama de relacionamento como poucas vezes se assiste. Binoche está num papel que é presente a qualquer grande atriz, e o qual a francesa agarra com fervor.

Mantendo a postura autoral, "Copie Conforme" põe em questão encenação, construção, representação, arte: é aí que se percebe estarmos, de fato, no mundo de Kiarostami (um mundo paralelo, mas ainda o dele); todo o peculiar encaminhamento do longa e a forma estética que o diretor lhe dá engrandecem a experiência da projeção - e a tornam tão encantadora quanto perturbadora. "Esse filme é tão misterioso a mim quanto o é para vocês", disse Binoche.

"Sempre me envolvi com meus personagens porque eles são parte de mim", afirmou Kiarostami. "Claro que sou aquele homem, mas sou também a mulher e o filho dela. São todos nascidos do meu interior, e é essa relação que eu crio com os filmes que faço".

A vontade de fazer o filme surgiu fortemente quando Abbas Kiarostami soube do interesse de Juliette Binoche em trabalhar com ele. “Vi uma entrevista na qual perguntavam se ela queria ir fazer filmes em Hollywood; a resposta foi que ela queria filmar comigo”, lembrou. Ao lado do diretor, Binoche confirmou e disse ter ido visitar o Irã para saber sobre a vida das mulheres no país.

Ao receber o roteiro com informações de sua personagem, Binoche ficou perplexa. “Ela parecia uma louca”, afirmou, aos risos. “Fui logo pesquisar na internet em busca de mulheres que fossem neuróticas, mas Abbas me disse: seja você mesma. Foi quando entendi que qualquer mulher poderia ser como aquela personagem, que tenta inventar outra existência para si mesma”.

Aos 46 anos, Binoche está em grande fase autoral desde 2005. De lá até aqui, filmou com o austríaco Michael Haneke (“Caché”), o chinês Hou Hsiao-Hsien (“A Viagem do Balão Vermelho”), o israelense Amos Gitai (“Aproximação”), o francês Olivier Assayas (“Horas de Verão”) e anunciou projetos com outros dois cineastas da China, Jia Zhang-ke e Jiang Wen.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 19.5.2010

Juliette Binoche em Cannes

2010-05-18T20:01:00.003-03:00

Filmado por Marcelo Miranda

Juliette Binoche em Cannes, em três tempos.

A entrada na sala de imprensa

As lágrimas por sensibilidade a Jafar Panahi, preso no Irã

Um momento de alegria

Copie Conforme, Kiarostami

2010-05-17T20:16:00.000-03:00

por Marcelo Miranda

Se eu fosse dar Palma de Ouro para algum dos filmes exibidos até agora na competição de Cannes, ia para "Copie Conforme", pérola do iraniano Abbas Kiarostami, pela primeira vez trabalhando fora de seu país. É um romance incrivelmente original e complexo, que passa na tela como a coisa mais simples do mundo. Tem Juliette Binoche num papel que é um presente a qualquer grande atriz (como ela), e que a francesa agarra com fervor. A foto aí acima é de uma cena-chave.

Filmado em lindas paisagens de uma comunidade italiana e mesclando discussões sobre relacionamentos a um perturbador jogo de representação, Kiarostami faz, desde já, um dos grandes filmes do ano, quiçá dos últimos anos.

O diretor já ganhou a Palma em 1997, com "Gosto de Cereja", trabalho totalmente vinculado ao seu até então estilo próprio de filmar e narrar. Há uma guinada em "Copie Conforme", mas Kiarostami segue um autor que tem muito a nos deixar perplexos, seja em qual chave ou tom ele decidir trabalhar.

Novo filme de Iñarritu, nada bonito

2010-05-17T20:10:00.006-03:00

por Marcelo Miranda

Depois de três filmes misturando histórias, personagens, tempos e espaços, o cineasta mexicano Alejandro González Iñarritu estava cansado. Queria fazer algo mais direto. Realizou "Biutiful", seu quarto longa-metragem, exibido ontem, dentro da competição do 63º Festival de Cannes.

"Fiquei exausto depois de rodar o globo para fazer ‘Babel’", disse ele, sobre o filme de 2006 que lhe rendeu o prêmio de melhor direção aqui mesmo em Cannes, e cujo enredo se espalhava por três países (EUA, Marrocos e Japão). "Prometi a mim mesmo que faria um próximo filme simples, com um personagem, um único ponto de vista, uma só cidade e falado na minha língua", brincou.

A renovação foi o tema central da conversa de Iñarritu com os jornalistas em Cannes. O que não foi sequer mencionado é o fato de "Biutiful" marcar a primeira experiência do diretor sem a parceria com o roteirista Guillermo Arriaga. Juntos, eles fizeram "Amores Brutos" (2000), "21 Gramas" (2003) e o citado "Babel". Por desentendimentos artísticos - Arriaga exigia crédito de coautor nos filmes -, os dois se separaram e seguiram caminhos distintos.

Curiosamente, um somou a função do outro em seus projetos seguintes. Arriaga escreveu e dirigiu "Vidas que Se Cruzam" (2009), enquanto Iñarritu dirigiu e escreveu "Biutiful" junto com o colega roteirista Armando Bo. "Eu quis experimentar novas formas de narrativa e estrutura. Fiz algo diferente de tudo o que já tinha realizado mas, ao mesmo tempo, igual, com as mesmas obsessões", afirmou.

As obsessões de Iñarritu se referem ao apocalipse da intimidade que ele tanto gosta de abordar. Em "Biutiful", o enredo se concentra em Uxbal (Javier Bardem), homem bom, divorciado, com a guarda dos filhos e sempre na luta para viver com dignidade. Um dia, ele descobre que está com câncer terminal. No pouco tempo que lhe resta, Uxbal tentará fazer o que acredita ser certo, mesmo com "o mundo inteiro contra ele", nas palavras de Iñarritu.

É outro filme mundo-cão do cineasta, tomado por um tom melodramático, que nem sempre funciona muito bem. Iñarritu poetiza demais alguns pequenos gestos, o que o deixa no limite entre o sensível e o cafona - e não parece ser essa a intenção num filme de pegada tão séria. Apesar de todo o mergulho no inferno do dia a dia, Iñarritu defende ter feito seu trabalho "mais otimista".

"Há muita esperança. Estou falando de relações próximas numa era dominada pela internet e na qual todos vivemos distantes uns dos outros. A privacidade se tornou o movimento punk moderno", protestou Iñarritu. Jornalistas bateram palmas, e ele logo completou: "Só temos visto filmes com explosões, cinismo, matança. Isso é a vida? É engraçado? Eu acho depressivo", questionou.

Iñarritu pareceu dar uma resposta quase explícita ao concorrente da noite anterior. "Outrage" (ultraje), do japonês Takeshi Kitano, também concorrente à Palma de Ouro, mostra a guerra entre duas gangues de mafiosos numa Tóquio dominada por vingança e violência. O tom quase farsesco de "Outrage" contrastou com a pegada supostamente "vida real" de "Biutiful". O embate de atmosferas cria algumas distâncias interessantes na competição, que segue até sábado.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 18.5.2010

"Aurora", Puiu e o cinema romeno

2010-05-17T19:58:00.003-03:00

por Marcelo Miranda

Em 2005, a pequena produção romena "A Morte do sr. Lazarescu" venceu o prêmio principal da mostra paralela Um Certo Olhar, no Festival de Cannes. Porém, seu diretor, Cristi Puiu, precisou ir embora antes: durante o evento francês, ele recebera a notícia de que seu pai havia morrido. Cinco anos depois, Puiu volta à Croisette com o trabalho seguinte, "Aurora". Minutos antes de me conceder uma entrevista exclusiva, o assessor de Puiu comunica: o diretor teve que sair às pressas por "problemas de saúde com o filho". O mais curioso disso tudo é que ambos os filmes de Puiu lidam com mortes ou doenças.

Felizmente, o mesmo assessor do mau agouro entregou um material bastante completo contendo várias respostas do diretor a respeito das questões que seriam feitas em torno de "Aurora", exibido no final da semana, na edição 2010 da mesma mostra Um Certo Olhar que o premiou anos atrás. Quando "A Morte do sr. Lazarescu" foi aclamado, a maior queixa da imprensa no festival era entender por que o filme não estivera na competição à Palma de Ouro - o que lhe daria chances genuínas de vencer no ano em que o irregular inglês "Ventos da Liberdade", de Ken Loach, foi agraciado.

A "pressão" dos jornalistas em 2005 não foi suficiente para o novo Puiu entrar na competição deste ano. "Aurora" é uma experiência ainda mais radical que "A Morte do sr. Lazarescu"; somada às suas três horas de duração, deve ter sido complicado inseri-lo dentro da apertada grade do festival. A única sessão na sala Debussy, na última sexta-feira, estava lotada. Ao fim, a plateia reagiu friamente ao mergulho de Puiu no cotidiano de um homem que mata pessoas. Entrar nos detalhes do enredo de "Aurora" não faria justiça ao efeito perturbador de assisti-lo.

O projeto nasceu a partir de um programa de TV sobre assassinos, ao qual Puiu assistiu na TV romena. "O que me afetou foi saber que a maior parte dos crimes de morte são perpetrados num círculo de pessoas que se conhecem: pais, amigos, colegas de trabalho, vizinhos", diz Puiu.

Em "Aurora", o próprio Cristi Puiu interpreta o personagem central. Aos 42 anos, metalúrgico, recém-divorciado, pai de duas filhas, Viorel é a imagem do homem simples de um país subdesenvolvido. Certo dia ele acorda, vai ao trabalho, caminha por Bucareste (capital romena), compra equipamentos para montar um rifle. Puiu acompanha o passo a passo de Viorel com total detalhamento e paciência. Somente com uma hora de projeção o filme começa a dizer a que veio. Até ali, o espectador já deverá ter mergulhado na interação de Viorel com o ambiente que o cerca - e, mais que isso, estará estranhamente tenso ao tentar decifrar os motivos que fazem aquela figura se preparar para alguma coisa sobre a qual não sabemos absolutamente nada.

"De que forma confrontar a experiência de tirar a vida de outro ser humano tendo por base a nossa experiência de nunca ter matado alguém?", questiona Puiu, a respeito de suas intenções em "Aurora". "Eu quis evitar qualquer tipo de clichê que desse ao ato de matar, no filme, algum viés extraordinário".

A visão seca do filme de Puiu dialoga com trabalhos similares e de universos audiovisuais bem distintos, como o norte-americano "Na Mira da Morte" (1968), de Peter Bogdanovich, e o polonês "Não Matarás" (1988), de Krzysztof Kieslowski - além de uma inspiração óbvia, ainda que aparentemente não assumida: o colossal romance "Crime e Castigo" (1886), de Dostoiévski. "Acho que existe alguma coisa no mundo que nos faz eliminarmos uns aos outros", completa Puiu. "Estamos sempre lutando contra os nossos pensamentos, e o cérebro tem reações mecânicas para controlar os instintos. Mas o mundo que existe na nossa cabeça pode acabar provocando tragédias".

Como em “Aurora”, Cristi Puiu fez em “A Morte do sr. Lazarescu” o desenvolvimento de uma catástrofe íntima. O martírio de um idoso doente procurando vaga em hospitais de Bucareste chocou e encantou plateias dos festivais onde foi exibido. É um dos filmes mais fortes, intensos, políticos e memoráveis do cinema contemporâneo. Ainda assim (ou talvez por isso,) permanece inédito no circuito comercial.

“Lazarescu” abriu caminho para vários outros filmes romenos nascerem em Cannes ao longo dos últimos cinco anos, tendo seu auge em 2006, quando “4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias” saiu carregando a Palma de Ouro. Na edição 2010, não apenas “Aurora” marca presença. “Marti, Dupa Cracium” (ou “terça, depois do Natal”, em tradução livre), de Radu Muntean, teve exibição também na mostra Um Certo Olhar, a mesma de “Aurora”. De um país pobre da Europa Oriental, com 22 milhões de habitantes, vem uma das filmografias mais expressivas dos tempos atuais.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 17.5.2010

Godard

2010-05-17T10:36:00.005-03:00

por Rafael Ciccarini

Marcelão já deu o furo lá no Tempo: Godard não vem à Cannes. Passou a perna nos jornalistas, que, após a notícia, entraram num parafuso tão grande (todos já com matérias previstas para o coletiva do homem) que tornaram essa sala de imprensa, já tradicionalmente bastante maluca, em uma zorra poucas vezes vista. Nosso amigo Kléber Mendonça Filho, por exemplo, era visto em pé, procurando por trinta minutos por uma cadeira que simplesmente não existia.

Agora, o mais bacana foi a carta de Godard ao Festival, a qual reproduzo:

Suite à des problèmes de type grec, je ne pourrai être votre obligé à Cannes. Avec le festival, j’irai jusqu’à la mort, mais je ne ferai pas un pas de plus. Amicalement. Jean-Luc Godard.

Problemas do tipo grego?

Precisa vir não, Jean-Luc, nada do que dissesse seria melhor que isso.

O novo de Woody Allen em Cannes

2010-05-16T19:48:00.003-03:00

por Marcelo Miranda

O sábado na Croisette foi tomado por Woody Allen. O norte-americano dominou todos os holofotes e flashes possíveis, nesta edição do festival marcada pela falta de títulos com grandes estrelas midiáticas e hollywoodianas (para desespero dos paparazzi e repórteres de celebridades). No caso do filme de Allen, não faltou glamour, especialmente pela presença das atrizes Naomi Watts e Lucy Punch e do ator Josh Brolin. Todos vieram para a exibição, fora de competição, de "You Will Meet a Tall Dark Stranger", 44º filme dirigido por Allen.

Após a primeira sessão mundial do longa, mal terminaram os créditos e a multidão de jornalistas correu para a sala de imprensa, onde Allen e elenco falaram sobre a produção. O filme é mais uma comédia melancólica de Woody Allen, mostrando a ciranda de vários casais de distintas gerações tentando atingir alguma felicidade no amor. Diferente do que possa parecer à primeira vista, o longa tem como mote central a desilusão e a velhice.

O próprio título, "You Will Meet a Tall Dark Stranger", tem conotação dúbia, como frisou Allen: nos EUA, a frase serve como expressão popular dirigida a mulheres esperançosas de conseguir uma paixão ("você vai encontrar um moreno alto") e também pode soar como uma maneira de expressar a chegada da morte.

Como é praxe, Woody Allen, 74, apareceu em Cannes cheio de tiradas irônicas, quase todas de pegada pessimista. "Se eu encontrasse os personagens desse filme numa festa, por mais tolos que eles sejam, certamente eu estaria bem mais infeliz do que eles", disse, logo na primeira resposta a um repórter. "Não sou eu quem disse, mas Nietzsche ou Freud: as pessoas precisam de ilusão para viver e, por causa disso, passam a pregar pequenas mentiras no seu dia a dia".

Cineasta fortemente vinculado a Nova York, em "You Will Meet a Tall Dark Stranger" ele volta a filmar na Europa - e de novo em Londres. "O principal motivo está nos custos, é bem mais barato", afirmou. Há boatos de que Allen esteja se preparando para filmar no Rio de Janeiro, mas nada foi dito na entrevista.

E MAIS
Para além dos filmes em exibição no festival até o dia 23, uma série de controvérsias tem cercado alguns dos realizadores que estarão em Cannes nesta semana. O russo Nikita Mikhalkov, cujo “O Sol Enganador 2” (sequência de um filme dele mesmo, premiado em Cannes em 1994) compete aqui, tem rebatido questionamentos sobre sua suposta simpatia pelo controverso governo da Rússia atual. No país, um grupo de cineastas e críticos circulou petição contra Mikhalkov, intitulada “Não o queremos”.

Já o iraniano Abbas Kiarostami, competindo com “Copie Conforme” – e já vencedor da Palma de Ouro com “Gosto de Cereja” (1997) –, deverá estar preparado para responder a perguntas sobre sua omissão a respeito da prisão do colega conterrâneo Jafar Panahi (diretor de “O Balão Branco”), preso há meses por declarações contrárias ao regime do Irã.

Desde o ocorrido, Kiarostami não deu nenhuma palavra sobre o assunto, num momento em que a comunidade cinematográfica mundial tem feito declarações e abaixo-assinados a favor de Panahi. Por sua vez, o franco-argelino Rachid Bouchareb – realizador de “Outside of the Law”, na competição – despertou a ira de representantes do governo francês, que viram no longa, cujo tema é a polêmica relação entre a Argélia e a França no pós-Segunda Guerra, “erros e anacronismos tão numerosos e óbvios que podem ser apontados por qualquer historiador”. (MM)

Wall Street em Cannes

2010-05-15T20:17:00.002-03:00

por Marcelo Miranda

Oliver Stone tem aproveitado o contexto onde vive. Seu filme anterior, "W.", biografava a trajetória pessoal e política do então presidente dos EUA, George W. Bush. Em Cannes, ontem, Stone apresentou, fora de competição, outro trabalho inspirado pelo atual momento histórico: "Wall Street 2 - Money Never Sleeps", continuação de um dos filmes-emblema dos anos 80, "Wall Street" (1987).

Com subtítulo afirmativo ("o dinheiro nunca dorme"), o cineasta volta a retratar o universo das bolsas de valores e dos especuladores financeiros, desta vez sob a ótica de jovens que saem das universidades dispostos a se dar bem nesse disputado ambiente econômico.

Num lotado encontro ontem com os jornalistas que estão em Cannes (imediatamente após a igualmente entupida sessão do filme, no Grand Theatre Lumière, pela manhã), uma turma encabeçada por Stone e Michael Douglas - ator tanto do primeiro filme (pelo qual foi premiado com o Oscar) quanto do segundo - falou sobre a concepção do projeto e os motivos que fizeram o diretor voltar ao personagem Gordon Gekko, encarnado por Douglas.

"Não queria celebrar a cultura da riqueza", afirmou ele, ao relembrar que chegou a recusar uma proposta do próprio Michael Douglas para um segundo "Wall Street", isso, em 2006. Apenas dois anos depois veio a crise financeira mundial, mostrando a Stone que os eventos do filme de 1987 haviam ganhado uma nova proporção no século XXI, dando a deixa perfeita para voltar a falar de economia e cobiça.

"Senti a crise como um grande ataque cardíaco", exaltou. "Parece que nos embebedamos demais (com as seduções do capitalismo) e hoje estamos sem qualquer tipo de regulamentação", afirmou. Ao seu lado, Josh Brolin, que interpreta no longa um ambíguo e selvagem investidor, complementou: "Não existem limites para a acumulação de capital. Tudo o que se quer é sempre mais".

Em "Wall Street 2", o Gekko encarnado por Douglas se assemelha ao Michael Corleone de "O Poderoso Chefão 3", de Francis Coppola: depois dos crimes e pecados do passado, ele retorna como um tipo regenerado, tentando acertar as pontas com a nova vida - no caso, Gekko sai da prisão depois de oito anos de confinamento. Agora, ele é um escritor que sobrevive de palestras sobre suas experiências na especulação financeira, mas logo é novamente engolfado pelos acontecimentos econômicos.

A imagem de "herói" e "vilão" deixa de existir no filme, o que é bastante condizente também com os novos tempos. "A ganância não acaba, e hoje ela é protegida por lei", disse Michael Douglas, reafirmando o caráter anacrônico de Gordon Gekko nos dias atuais. "Ele foi muito bem escrito no primeiro filme e virou uma espécie de modelo para estudantes de MBA que, hoje, tomaram espaço nas companhias de investimento".

Oliver Stone tem uma relação pessoal com o tema de "Wall Street": seu pai foi investidor financeiro, numa época, segundo o diretor, em que tudo funcionava de maneira mais humana e menos mercantilista. "Meu pai sempre foi honesto, na minha visão, acreditando que deveria apenas servir aos clientes. Acho que ele ia revirar no túmulo se soubesse o que seu trabalho se transformou", disse Stone.

Perguntado sobre futuros projetos, Oliver Stone desmentiu dois e confirmou outros dois. O primeiro desmentido foi o de que estaria preparando mais um "Wall Street", desta vez sobre a juventude de Gordon Gekko. "Michael Douglas deveria ser mais jovem para isso acontecer", brincou o diretor, em referência ao ator que encarnou Gekko em dois filmes.

Stone ainda revelou ter desistido do documentário que preparava sobre o presidente do Irã, Mahmoud Ahmadinejad. Por outro lado, ele garantiu a conclusão de um outro documentário, este sobre sobre o líder venezuelano Hugo Chávez ("South of the Border"), e contou ter feito uma longa entrevista com o cubano Fidel Castro, também a ser transformada em filme.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 15.05.2010

Na sala Bazin...

2010-05-15T18:52:00.004-03:00

por Rafael Ciccarini

Na fila da sala Bazin para uma sessão das 22:00 do filme africano da Competitiva, a qual perdi na sessão de mais cedo para escrever os textos dos Filmes de Mike Leigh e Woody Allen (cuja sessão hoje foi mais concorrida que a primeira visita dos Beatles aos Estados Unidos, em 1964). Mais no texto do filme, que vai ao ar amanhã. Sentei no chão, no que fui acompanhando por outros jornalistas, que pareciam esperar a ação do primeiro destemido.

Ainda há uma sessão às 00:40, do filme de Gregg Araki, mas isso significaria ir dormir depois das 03:00 da madrugada, sendo que amanhã haverá nada menos que Competitiva 08:30, Un Certain Regard 11:15, e de tarde Jia Zhang-ke e Takeshi Kitano, isso sem contar sessões nessa mesma sala Bazin, e a programação da Semana da Crítica e da Quinzena. Como ver os filmes, alimentar-se e ainda escrever? Eis o desafio insolúvel de Cannes. Um problema do qual não se pode reclamar, after all.

p.s: terminei o post já dentro da sala, onde a Internet já não pega. Só vou poder postar depois do filme.

p.s: postado. é isso aí.

Em Cannes, Woddy Allen adentra a sala

2010-05-15T09:52:00.005-03:00

Filmado por Marcelo Miranda

Puiu e sua aurora

2010-05-14T10:09:00.005-03:00

por Marcelo Miranda

O romeno Cristi Puiu apresentou hoje em Cannes "Aurora", seu segundo longa. Puiu fez o impressionante "A Morte do sr. Lazarescu", exibido e premiado aqui faz poucos anos. Em "Aurora", ele volta a mostrar olhar selvagem e sem falso ilusionismo para a realidade de onde mora. Filme-pancada.

Manoel encanta em Cannes

2010-05-14T05:04:00.004-03:00

por Marcelo Miranda

Definitivamente, não existe um cineasta chamado Manoel de Oliveira. Existe um fenômeno intitulado Manoel de Oliveira. Esse senhor português de 101 anos de idade insiste em maravilhar nossos olhos, ouvidos e sensibilidades fazendo um grande filme atrás de outro - quase literalmente com a periodicidade anual de suas produções desde quando ele completou seus juvenis 80 anos.

Em 2009, ele mostrou no Festival de Berlim "Singularidades de uma Rapariga Loura", verdadeira pepita de ouro ainda inédita no circuito brasileiro. No 63º Festival de Cannes, ontem, Manoel apareceu com outro objeto esquisito e maravilhoso. "O Estranho Caso de Angélica" teve exibição na mostra paralela Um Certo Olhar, em sessão de abertura. É um projeto antigo do cineasta, escrito em 1952, quando ele pretendia narrar o drama de um personagem judeu que sobrevivera ao genocídio nazista.

Quase seis décadas depois, o fotógrafo Isaac (vivido por Ricardo Trêpa, neto de Manoel) deixou de ser refugiado, mas mantém a orientação judaica. "Muitos judeus fugiram para a Espanha e Portugal e, depois, vários seguiram para a América. Tirei do roteiro a referência à guerra porque muito tempo se passou, e até mesmo o Douro (cidade onde a história se ambienta) está muito diferente", disse o cineasta.

Manoel apareceu na coletiva de imprensa com seu tipo habitual: sorriso, chapéu, vivacidade. Durante algumas respostas, pareceu confuso. Talvez fosse por estar falando em francês a uma plateia de repórteres estrangeiros. "Acho que ele está envelhecendo" foi uma frase-brincadeira corrente entre quem se encantou com a disposição do português.

"O Estranho Caso de Angélica" conta as angústias de Isaac a partir do momento em que, chamado com urgência para fotografar uma jovem recentemente falecida, vê a moça sorrir para ele através da lente de sua câmera. A partir daí, numa mistura de drama romântico, filme de fantasma e discurso político, o diretor desfia uma teia de diálogos, encenações e relações passionais como só ele faz. Aliás, outro fato sempre importante de ser registrado: um filme com direção de Manoel de Oliveira não se parece com absolutamente nenhum outro objeto artístico. Só mesmo com algum filme de Manoel.

Por entrar em dimensões metafísicas (algo já presente em projetos anteriores do cineasta, como "Os Canibais"), Manoel precisou responder a várias perguntas sobre fé, religião e morte. "Morrer é uma condição absoluta. Quando nascemos, só estamos certos de que vamos morrer", afirmou. "Não tenho medo da morte. Tenho muito medo é de sofrer".

No filme, o fotógrafo Isaac tem visões da garota falecida e passa a procurar respostas sobre o que lhe acontece. Manoel, por sua vez, garantiu: "Nunca passei por esse tipo de experiência. Não sabemos o que vem depois da morte, e esse é o maior segredo".

Até pela noção de filmar o infilmável (a representação da morte), Manoel de Oliveira aproveitou para diferenciar o cinema do teatro - duas artes sempre relacionadas a seus filmes, assim como a literatura. "O teatro é mais honesto que o cinema, porque os filmes transformam pensamentos em sonhos, enquanto, num palco, isso não acontece, por ser uma arte realista, sem intermediação de uma câmera".

Claramente apaixonado pela arte em geral, Manoel frisou o que sempre gosta de fazer: o que significa o cinema. "É o realismo, é o fantástico, é o cômico. Não precisa acrescentar mais nada a isso".

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 14.5.2010

Cannes e Robin Hood

2010-05-13T14:00:00.005-03:00

por Marcelo Miranda

Russel Crowe entra na sala de conferência do Palácio dos Festivais e se senta. Uma horda de fotógrafos o aguarda diante da mesa e logo pede que ele se levante. Crowe fica de pé, faz pose, careta e, por fim, sorri, meio constrangido. Os cliques se multiplicam, os flashes esbranquiçam mais e mais o rosto do ator. Pode não parecer, mas este é o início da 63ª edição do Festival de Cannes, o mais importante e autoral do cinema mundial. Crowe veio à Riviera Francesa divulgar "Robin Hood", superprodução dirigida por Ridley Scott, que abriu ontem o evento.

Um filme grande (nem sempre um grande filme) tem sido a tônica do primeiro dia de Cannes já faz uns bons anos. A escolha de "Robin Hood", para além de toda a pompa, tem a ver com uma certa falta de títulos de peso midiático prontos em tempo suficiente para carregar este ano tropas de jornalistas ao festival - são aproximadamente 4.000 credenciados.
O que importa, afinal, é "Robin Hood" - cuja estreia no Brasil já será amanhã - abrindo o evento fora de competição.

O antigo personagem de matinês marcou presença nas telas francesas, mas não seu diretor. O inglês Ridley Scott precisou cancelar a vinda a Cannes, por recomendação médica (ele fez uma cirurgia no joelho). Scott, que exibiu no festival seu filme de estreia, "Os Duelistas", em 1977, enviou mensagem frisando a vontade frustrada de estar aqui.

Coube ao australiano Russel Crowe - sorridentemente ajudado pela conterrânea e colega de elenco Cate Blanchett - conduzir a entrevista. Bem-humorado, Crowe não aparentava a figura rabugenta cuja persona ele próprio não se cansa de alimentar: disparou piadas a cada nova resposta, assumiu a paixão pelo futebol, ironizou os próprios jornalistas. E, claro, falou de Robin Hood e do imaginário em torno do personagem.
"Não nos lembrávamos de um filme no qual Robin era mostrado como um indivíduo e nem com suas reais motivações", disse o astro, também produtor executivo do longa. "Me pergunto se ele tem ambições políticas, econômicas, se ele quer ir a Wall Street, ou se ele é simplesmente um cara tentando ajudar as pessoas a viver. Acredito que, se existisse hoje em dia, Robin Hood certamente não ia correr para estourar na mídia".

Blanchett, igualmente à vontade, diz não ter se inspirado em nenhuma outra encarnação anterior de Marian (uma das mais famosas é a de Audrey Hepburn em "Robin e Marian", de 1976, com Sean Connery). "Foi até bom, pois criei uma figura própria". Ao contrário dela, Crowe chegou ao set embebido numa maratona de filmes e séries protagonizados pelo serelepe ladrão da floresta de Sherwood. "Vi de tudo, das encarnações do Douglas Fairbanks e Errol Flynn a um programa de humor feito pelo Mel Brooks".

Diferente das tradicionais versões do herói que rouba dos ricos para dar aos pobres, o filme de Scott mergulha numa faceta pouco conhecida: a de Robin como um guerreiro a serviço da Inglaterra contra o exército francês e o processo até ele se tornar a figura tão marcadamente reconhecida de salvador dos injustiçados. "Inserir elementos históricos gera curiosidade no público, e é isso que um filme como esse precisa ter", definiu Crowe. "As pessoas querem saber sobre como uma figura egoísta provoca uma revolução".

Por diversas vezes, Crowe se desviava do filme e falava de futebol. Ao responder à pergunta de uma jornalista da África do Sul, o ator brincou "Tem muitos países que podem ganhar a Copa, mas a Austrália é que vai dominar o futebol mundial", apostou.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 13.5.2010

Visões de Cannes

2010-05-13T12:31:00.011-03:00

Fotos de Marcelo Miranda

Cannes

Festival de Cannes

Quero ver Robin Hood, SVP

Fotógrafos tentam imagem de Tim Burton

Hora de trabalhar

Escrevendo em Cannes

2010-05-13T12:29:00.004-03:00

por Rafael Ciccarini

Escrevendo de dentro do Grand Teathre: em minutos, começa mais um filme da Competição, cuja exibição para imprensa começa pontualmente (e são xiitas nisso aqui) às 8:30 da manhã. Já está no ar crítica de Tournée, de Mathieu Almaric. Correndo por aqui, aprendendo tudo e ao mesmo tempo tentando oferecer um trabalho decente aos leitores.

Ontem também vi Robin Hood, de Riddley Scott e estrelado por Russell Crowe e Cate Blanchett. O que dizer? Mais um filme chato e destituído de maior interesse feito por Scott, esse ex-cineasta em atividade. Aliás, Scott se transformou (ou sempre foi?) em um operário da indústria, alguém que apenas dá formas burocráticas a projetos megalomaníacos aos estilo velha Hollywood: Robbin Hood é filme de produtor, o próprio Crowe e Brian Grazer, conhecido produtor e responsável, por exemplo, por Código da Vinci.

Que, aliás, abriu o Festival de Cannes em 2007, em uma escolha tão estranha e questionável como essa: ainda que seja normal o festival abrir com um blockbuster (o festival tem patrocinadores e etc.) é curiosa a opção por um filme praticamente já estreado no mundo todo: uma coisa é ver “Up”, da Pixar, meses antes de ser lançado, outra é ver mais um arroubo grandiloqüente quase ao mesmo tempo de seu lançamento: se não é interessante pela novidade, nem pela qualidade, é interessante para quê?

Recife promove mostra sobre Jean Rouch

2010-05-12T20:50:00.008-03:00

Por Nísio Teixeira

O Bacharelado em Cinema da UFPE, a Fundação Joaquim Nabuco (Fundaj) e a Associação Balafon (sediada em MG) promovem a "Mostra Jean Rouch" em Recife, entre os dias 14 e 23 de maio próximos. Serão exibidos 37 filmes, entre curtas e longas, divididos em 17programas. Paralelamente às sessões, mesas onde serão debatidos alguns dos temas centrais à arte de Rouch (fabulação, etnografia, etnoficção, fronteira ficção/documentário, o "outro" no cinema, o improviso...). Toda a programação terá como palco os cinemas e auditórios da Fundaj. A organização local ficou sob a responsabilidade dos professores Laécio Ricardo e Camilo Soares. Todos os filmes são legendados em Português. Entrada franca.

Lançamento de livro

2010-05-12T12:41:00.003-03:00

Mário Alves Coutinho lança, nesse sábado, dia 15 de maio a partir das 11 horas, na Livraria Mineiriana, o livro "Escrever com a câmera: a literatura cinematográfica de Jean-Luc Godard".

A Livraria Mineiriana fica na Rua Paraíba, 1419, na Savassi, em BH.

Todos estão convidados.

Abraços,

Equipe Filmes Polvo

Cannes

2010-05-07T12:30:00.001-03:00

Comunicamos que, este ano, dois polvos estarão presentes na edição 2010 do Festival de Cannes: o editor Rafael Ciccarini e o redator Marcelo Miranda. Ambos vão acompanhar todo o evento. Rafael vai escrever críticas diárias dos filmes para uma cobertura no site. Marcelo viaja pelo veículo no qual trabalha (o jornal O TEMPO) e eventualmente deve colaborar com textos pra cobertura e também publicando seus artigos do jornal aqui neste espaço blogueiro.

Portanto, fiquem ligados! O Festival de Cannes começa na próxima quarta-feira.

Mother, de Bong Joon-ho

2010-04-30T23:59:00.000-03:00

por Ursula Rösele

Estrondoso. O insondável universo interior que abarca esse amor de mãe (inesgotável, insaciável, visceral, delirante, entorpecente, desconhecedor de regras e bom senso), com pitadas de Apichatpong, uma ideia sutil de narrativa clássica que, ao perceber que estamos prestes a embarcar, desvia e segue para outros lugares, serpenteando a loucura e quebrando quaisquer possíveis indícios de lógica; posto que é amor de mãe, posto que esse amor é vida e morte quase que na mesma medida.

Em cartaz em BH na próxima sexta-feira (07/05).

Estrondoso.

O Bem Amado

2010-04-27T13:18:00.003-03:00

por Marcelo Miranda

Impressões brevíssimas de O Bem Amado, novo filme de Guel Arraes, exibido na abertura do 14º Cine PE, em Recife. Aliás, "brevíssimo" é palavra coerente. Poucas vezes assisti a um trabalho tão corre-corre como este. Se o espectador tem como referência a velocidade de Guel em O Auto da Compadecida e Caramuru, mal pode esperar pelo que ele faz em O Bem Amado. Claro, "velocidade" não é necessariamente ruim, vide as comédias de Howard Hawks ou mesmo os desenhos do Papa-Léguas, para ficar em duas lembranças imediatas.

No caso de O Bem Amado, a coisa é radical. Fica difícil qualquer reflexão a partir do que se tenta assistir na tela. É como se a produção tivesse esticado os rolos de filme numa parede e começado a lançar uma infinidade de facas ou machados ao longo da película: onde o instrumento batesse, um corte. Nisso o filme vai aos trancos, acumulando verticalmente uma série de esquetes tendo por base a peça de Dias Gomes.

O irônico é que O Bem Amado funcionou à perfeição na TV. Muito se acusa Guel Arraes de fazer TV no cinema. Neste caso, se ele tivesse realmente feito isso, teria sido saudável ao filme. Como está, resta não perder o fôlego, esforçar-se para acompanhar cena a cena (machadada a machadada) e rir de alguns momentos brilhantes do texto de Gomes. Aliás, é significativo ao filme que sua graça surja sempre do que é dito, jamais do que é (ou de como é) encenado.

Cine PE - O começo

2010-04-25T20:33:00.004-03:00

por Marcelo Miranda

A partir de hoje, leia aqui matérias, comentários, críticas e afins dos filmes exibidos na 14ª edição do Cine PE, no Recife.

Chegando à sua 14ª edição, o Cine PE - Festival do Audiovisual, realizado anualmente no Recife, começa nesta segunda-feira, dia 26, no Cine Teatro Guararapes (a meio caminho entre a capital do Estado e a cidade de Olinda) com a exibição especial de "O Bem Amado". A adaptação de Guel Arraes para a telenovela de Dias Gomes - exibida na Globo entre janeiro e outubro de 1973, inspirada em peça teatral do mesmo autor, escrita em 1962 - ratifica a homenagem que o Cine PE vai prestar a Arraes, filho da terra.

A escolha do festival em homenagear Guel Arraes é coerente com a proposta assumida por Alfredo Bertini, diretor do Cine PE: valorizar, o máximo possível, o caráter potencialmente comercial do cinema brasileiro. "Dentro da minha visão de que a cultura é algo absolutamente heterogêneo e de que as políticas culturais devam seguir nesse sentido, precisamos muito dos filmes comerciais", afirma Bertini. "Quem financia o filme cult são as grandes bilheterias".

A escolha por Arraes, portanto, soa natural. "O Auto da Compadecida" (2000), "Caramuru - A Invenção do Brasil" (2001) e "Lisbela e o Prisioneiro" (2003) - os dois primeiros exibidos na televisão em formato de minissérie, sendo posteriormente remontados para cinema - fizeram do realizador um dos nomes de ouro nos caixas dos cinemas pós-anos 90. Ainda que seu filme anterior, "Romance" (2008), não tenha sido um estouro, "O Bem Amado" estreia no circuito no dia 23 de julho com ares de blockbuster.

O orçamento bate nos R$ 10 milhões, e o elenco já garante atenção de uma boa fatia de público. Marco Nanini assume o personagem central, o político corrupto Odorico Paraguaçu, eternizado por Paulo Gracindo na novela televisiva e já interpretado pelo próprio Nanini nos palcos. As famosas beatas, as irmãs Cajazeiras (vividas no passado por Ida Gomes, Dorinha Duval e Dirce Migliaccio), agora se tornam um trio de peruas, com rosto e corpo de Andréa Beltrão, Drica Moraes e Zezé Polessa.

A nostalgia por trás de "O Bem Amado" e o tom de comédia apressada de Guel Arraes devem ser outros ingredientes a fazerem do filme um sucesso. Isso poderá ser sentido hoje, quando aproximadamente 3.000 espectadores deverão assistir à produção no Cine PE.

Na mostra competitiva de longas, a 14ª edição do Cine PE reafirma o caráter mais comercial de suas escolhas. A seleção do jornalista Hermes Leal, feita a partir de 70 filmes, fechou nos seis títulos que disputam o troféu Calunga.

Entre as quatro ficções e os dois documentários, São Paulo e Rio de Janeiro dominam: “As Melhores Coisas do Mundo”, de Laís Bodanzky, “Cinema de Guerrilha”, de Evaldo Mocarzel, e “Sequestro”, de Wolney Atalla, vêm do primeiro; “Léo e Bia”, de Oswaldo Montenegro, e “Não se Pode Viver sem Amor”, de Jorge Durán, vêm do segundo. Fecha a lista o brasiliense “O Homem Mau Dorme Bem”, de Geraldo Moraes.

Na mostra não-competitiva, o Rio aparece com mais dois títulos, curiosamente dirigidos por cineastas nordestinos: “O Bem Amado” é do pernambucano Guel Arraes, e “Quincas Berro D’Água”, do baiano Sérgio Machado. “Houve um volume grande de filmes. Ainda deixamos de fora quatro ou cinco títulos que tinham força para entrar na competição”, afirma Alfredo Bertini, diretor geral do Cine PE. “Acabamos tendo que adotar alguns critérios, como já ter sido premiado aqui, por exemplo”.

Nesse raciocínio, o maior nome a retornar ao Cine PE é o de Laís Bodanzky. Há quase dez anos, em 2001, a diretora se consagrou no festival com “Bicho de Sete Cabeças”: saiu do evento carregando troféus de melhor filme, direção, ator (Rodrigo Santoro), atriz coadjuvante (Cássia Kiss), ator coadjuvante (Gero Camilo), trilha sonora, som e montagem.

Ainda que muito bem realizado, “As Melhores Coisas do Mundo” não parece ter o mesmo potencial de “Bicho...”, até pela opção de Bodanzky em criar uma narrativa semiplural – girando em torno de um único personagem, mas dando atenção a diversos outros, o que evita o mergulho visceral numa única figura, como era em “Bicho...”.

A surpresa maior do festival (para mal ou bem, a conferir) fica para “Léo e Bia”, no qual o cantor Oswaldo Montenegro adapta para as telas e assume a direção de uma composição musical sua (que já tinha virado peça de teatro).

Os curtas
A seleção de filmes curtos do Cine PE tem os dois únicos competidores mineiros do festival em 2010 . “O Filme mais Violento do Mundo” é o segundo curta de Gilberto Scarpa. Com “Os Filmes que não Fiz”, seu trabalho de estreia, Scarpa levou o troféu de melhor filme da categoria no festival, em 2008. “Revertere ad Locum Tuum” é o outro curta mineiro no Cine PE deste ano, com direção de Armando Mendz.

Ainda na competição, destaques para “Recife Frio” (PE), de Kleber Mendonça Filho, “Faço de Mim o que Quero” (PE), de Sergio Oliveira e Petrônio Lorena, e “Bailão” (SP), de Marcelo Caetano.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 26.4.2010
**Aguarde aqui matérias diárias sobre o Cine PE

"O Caso dos Irmãos Naves" em DVD

2010-04-25T20:15:00.011-03:00

por Marcelo Miranda

Era 1967 quando "O Caso dos Irmãos Naves" estreou nos cinemas brasileiros. A ditadura estava em curso, ainda que a tortura só fosse ser institucionalizada um ano depois, com o AI-5. Em seu filme, o cineasta paulista Luiz Sérgio Person (1936-1976) mostrava um erro judiciário ocorrido em Araguari (no norte do Triângulo Mineiro, a 586 Km de Belo Horizonte). No centro do drama real, um delegado de polícia infligia os mais dolorosos maus-tratos para arrancar dos irmãos Joaquim e Sebastião a confissão de um crime que nunca existiu. Os fatos se deram a partir de 1937, ano da imposição do Estado Novo, regime de Getúlio Vargas. Mas Person fez um dos filmes políticos mais contundentes e contemporâneos que se podia ter notícia naquele momento conturbado para o país.

A versão em DVD de "O Caso dos Irmãos Naves" acaba de chegar às locadoras, em boa edição da distribuidora Videofilmes. Já era hora de se resgatar este trabalho raro, ainda de uma expressividade que o distingue da produção tradicional brasileira. Muito disso se deve à opção de Person em reconstituir quase literalmente os acontecimentos em Araguari. Numa entrevista ao jornalista Ely Azeredo em 1966, diz o diretor: "Nosso desejo era, objetivamente, dar ao espectador o resultado de uma reflexão em torno de fatos e documentos reais. (...) Queríamos um filme seco, simples e direto, sem heróis, mas, ao mesmo tempo, de ideias, de comunicação, de um calor humano (...)".

A proposta se diferenciava radicalmente do filme anterior de Person e sua estreia em longa-metragem, "São Paulo S.A" (1965) - no qual Walmor Chagas circulava pela opressão urbana em constante fragmentação de seus próprios anseios materiais e psicológicos. Se, neste, Person emulava realizadores franceses da época (em especial Alain Resnais), em "O Caso dos Irmãos Naves", o cineasta se aproximava dos italianos, especialmente de filmes políticos de Francesco Rosi e Elio Petri.

"A referência maior de Os Naves é 'O Bandido Giuliano', do Rosi, que Person achava um dos maiores filmes da história", destaca o cineasta Carlos Reichenbach, ex-aluno de Person nos anos 60. "O curioso é que, numa revisão recente, ‘Giuliano’ me pareceu muito envelhecido, datado; ‘Os Naves’, não".

Parceiro de Person na roteirização do filme, o crítico e ensaísta Jean-Claude Bernardet relembra que havia, desde o princípio do projeto, a intenção de retratar o martírio dos Naves com o maior rigor e distanciamento crítico possível - o que jamais significou indiferença. "O ponto de partida foi um recorte que o Person tinha guardado da revista ‘O Cruzeiro’, datado de 1949, narrando os acontecimentos envolvendo os Naves", conta Bernardet, por telefone. "Ele ficou revoltado com aquilo, e foi essa revolta que o levou a fazer o filme".

O roteirista confirma haver também a intenção de se referir às agruras políticas brasileiras pós-1964. "Tínhamos muita consciência de estarmos falando de Araguari em 1937 e, ao mesmo tempo, do nosso presente, de uma polícia que tortura, de uma justiça oprimida".

Temendo possíveis retaliações da censura, Bernardet e Person se cercaram do máximo de fidelidade sobre o que narravam, para evitar questionamentos da veracidade dos fatos. "Fiz uma ampla pesquisa do caso e mantive um fichário com todas as referências dos documentos originais, inclusive relativos à tortura e aos diálogos. O material de base do filme era absolutamente autêntico e idêntico ao que constava nas páginas do processo", afirma Bernardet.

Causos.
O rigor alcançado por Luiz Sérgio Person na estética de “O Caso dos Irmãos Naves” teve como reforço a decisão do cineasta de filmar nas mesmas locações onde os fatos se deram. Portanto, Person e equipe embarcaram para Araguari, e lá ficaram por três meses.

Juca de Oliveira, que estreou como ator de cinema no papel de Sebastião Naves, lembra-se empolgado do período no pequeno município mineiro, hoje com 115 mil habitantes. “Foi uma aventura das mais excepcionais que tive na minha carreira profissional”, exalta. “Peguei meu superfusquinha e dirigi até lá. Foi a oportunidade de conhecer intimamente o Person, figura de quem tenho tremenda saudade. Era um cineasta de alto gabarito, profundamente humano, agradável e incansavelmente trabalhador”.

O elenco principal do filme – que ainda incluía Raul Cortez, Anselmo Duarte e John Herbert – ficou hospedado numa casa. Entre uma filmagem e outra, o quartero aproveitava para se deleitar na cidade. “Eu e o Anselmo arrumamos até namoradas por lá. Ele, inclusive, namorou a Miss Araguari!”, diverte-se Juca.

Na hora de ir para o set, a brincadeira parava. Nas cenas exteriores, por exemplo, o perfeccionista Person apenas saía para filmar com céu nublado. “Se tivesse sol, ele não fazia”, diz Juca, sobre o tom de penumbra que paira em toda a duração do filme – bastante auxiliada pela fotografia de Oswaldo de Oliveira.

Person também exigia o melhor de seu elenco. Além de fazer Raul Cortez e Juca de Oliveira soarem autênticos nas cenas de tortura (“tinha porrada mesmo, não havia jeito de não ter”, diz Juca), o diretor bancou a presença de Anselmo Duarte, ex-galã dos estúdios Vera Cruz que morreu em novembro passado aos 89 anos.

Em baixa por conta de uma série de fracassos na sua carreira de diretor – mesmo tendo ganhado a Palma de Ouro em Cannes com “O Pagador de Promessas” em 1962 –, Duarte teve em “O Caso dos Irmãos Naves” a sua mais elogiada atuação. Ele encarna o delegado enviado a Araguari após a decretação do Estado Novo de Getúlio Vargas. Figura sádica, vilanesca, no limite entre o intimismo e o exagero, o personagem se tornou emblemático na cinematografia brasileira. “O Anselmo até parece mais moço em cena”, crê Juca. “Ele renasceu fazendo o filme”.

O diretor
Luiz Sérgio Person nasceu em fevereiro de 1936 e morreu num acidente de carro, em janeiro de 1976, aos 39 anos. Na sua breve carreira, ele dirigiu comerciais, curtas-metragens e importantes longas, como “São Paulo S.A”, “O Caso dos Irmãos Naves” e “Cassy Jones, o Magnífico Sedutor”, todos os três disponíveis em DVD no Brasil. Ainda inéditos essão “Panca de Valente” e “Um Marido Barra- Limpa”.

*Publicado originalmente em O TEMPO no dia 19.4.2010

Werner Schroeter (1945-2010)

2010-04-14T11:03:00.002-03:00

André Setaro

2010-04-13T10:33:00.005-03:00

por Marcelo Miranda

O crítico baiano André Setaro lança em abril, pela Azougue Editorial em conjunto com a editora da UFBA, a coleção em três volumes Escritos sobre Cinema - Trilogia de um Tempo Crítico. Cada livro aborda um aspecto dos textos de Setaro - a saber: filmes, atores e diretores; linguagem cinematográfica; e cinema baiano.

Em homenagem a este momento especial, reproduzo abaixo a entrevista que fiz com André Setaro em janeiro, na 13ª Mostra de Cinema de Tiradentes, onde ele era integrante do júri da crítica.

Setaro em Tiradentes. Foto de André Fossati

Patrimônio da crítica baiana

*publicado em O TEMPO no dia 31.1.2010

Aos 59 anos, André Setaro é um patrimônio da crítica de cinema na Bahia. Professor e jornalista, escreve desde os anos 70 e formou uma geração de cinéfilos. Em breve, lança coletânea de livros com seus escritos e, hoje, mantém um blog. Confira a conversa.

Você se formou em direito, mas enveredou pela crítica. Como se iniciou nesse meio?
Minha formação em cinema é praticamente autodidata. Também estudei jornalismo e comecei a escrever sobre filmes em 1974. Ia ao cinema todos os dias. Filme inédito, então, não podia perder. Foi quando a "Tribuna da Bahia" me convidou para uma coluna diária de crítica. Lá eu escrevi ao longo de 20 anos. A partir do momento em que os filmes começaram a não me motivar tanto, resolvi passar a escrever semanalmente.

O que você assistia?
Frequento cinema desde 1956 e tenho uma formação em filmes de gênero, basicamente de Hollywood. Quando conheci o Clube de Cinema da Bahia, fundado por Walter da Silveira, comecei a entender mais coisas. Vi nessa época "Hiroshima Mon Amour", "Ladrões de Bicicleta", "Guerra e Humanidade", "Contos da Lua Vaga", "Rocco e seus Irmãos", "Deus e o Diabo na Terra do Sol"... Foram todos filmes-faróis para mim. O assombro de quem vinha de uma criação hollywoodiana, me despertou para o cinema como uma expressão artística.

Tendo acompanhado tão de perto o auge da produção de cinema brasileiro e estrangeiro, como vê nosso circuito comercial?
Vamos focar apenas em Hollywood. Há uma diferença muito grande hoje em relação à produção média dos anos 50 e 60, que era uma produção madura. Nos anos 70, a indústria entrou em crise e surgiram realizadores independentes, como Martin Scorsese e Francis Ford Coppola. Mas, depois de "Star Wars" (1977), de George Lucas, começou a infantilização temática da indústria cultural. Então, a produção média é muito inferior àquele período. Existem exceções, há grandes filmes, mas não existe, no geral, um conjunto de realizadores de tamanha excelência. Antes tínhamos Billy Wilder, Fellini, Visconti, Kurosawa, até um segundo escalão que hoje pode ser considerado de primeiro, como Valerio Zurlino e Mario Monicelli. Atualmente você cata nos dedos alguns grandes diretores, uns dos EUA, outros da Europa, e ainda o surgimento do cinema iraniano e sul-coreano.

Quais gosta mais?
Considero o francês Alain Resnais o maior cineasta vivo. Gosto de Clint Eastwood, dos irmãos Coen, de Paul Thomas Anderson, dos irmãos Taviani.

E o cinema brasileiro?
Não entendo muito bem de economia do cinema, mas essa coisa de captação de recursos é uma camisa-de-força. Perdeu-se muito daquela criatividade dos anos 60. Hoje seria impossível existir um filme como "A Margem" (1969), de Ozualdo Candeias, ou os de José Mojica Marins, que eram todos muito melhores que seu recente "Encarnação do Demônio", já um filme de captação de recursos. Há, claro, ainda bons realizadores, como Beto Brant, Eduardo Coutinho, Carlos Reichenbach e Julio Bressane. O Walter Salles, tão apreciado, eu acho que faz filmes de catequese. Fui a uma sessão de "Linha de Passe" com a presença dele, e ele ficou explicando didaticamente o filme, como se estivéssemos numa pastoral. O cinema não deve ser explicado. Luis Buñuel, sempre que perguntado o que havia na caixinha mostrada em "A Bela da Tarde", respondia: "Não sei".

Vários dos seus escritos vão ser reunidos em livro. Gostaria que falasse do projeto.
É uma coletânea que reúne a seleção de 35 anos de textos cinematográficos. O organizador, o professor Carlos Ribeiro, decidiu dividir em três volumes. Um é dedicado a diretores e filmes, outro sobre o cinema baiano e um só tem artigos de linguagem e estética do cinema. Os livros se chamarão "Escritos sobre Cinema - Trilogia de um Tempo Crítico".

Vou te fazer uma pergunta-clichê: se fosse morar numa ilha deserta e pudesse levar só três filmes, quais seriam?
Eu levaria, apesar de tão batido, "Cidadão Kane", do Orson Welles. E também "O Terror das Mulheres", do Jerry Lewis, e "A Roda da Fortuna", do Vincente Minelli. Mas poderiam ser outros.

Você é professor de cinema na Bahia. Como enxerga o ensino fílmico nas faculdades?
Dou aula desde 1979. De lá para cá, houve um enorme surgimento de escolas de graduação em cinema. A procura aumentou também, todo mundo quer fazer cinema. Acontece que algumas escolas estão ensinando nos moldes "academicizantes". Eu dou aulas, mas não sou acadêmico, não gosto de tratar o filme como rato de laboratório, usando jargão de "comuniquês". Cinema é emoção, razão, interpretação. Os estudos praticados em torno dele estão muito despersonalizados, com aquela escrita influenciada pelo estruturalismo e que cria uma fôrma de bolo para aplicar ao filme. A semiótica, para mim, é um punhal que esfacela a emoção da obra e sai na busca desesperada de significações.

Qual a sua visão sobre como ensinar cinema na faculdade?
As pessoas precisam saber questões de linguagem. "Frenesi", do Alfred Hitchcock, eu sempre exibo em aula, em função da produção de sentidos feita pelo filme em várias cenas. Hitchcock manipula as emoções de tal maneira que você torce pelo assassino. Tudo pela "mise en scéne". Não sei por que o público em geral não adentra a "mise en scéne". Vê-se o filme pelos seus temas nobres. Tema é importante, mas precisa estar associado ao processo de criação do cinema. É como escrever um livro: tem que escrevê-lo bem, saber manipular a sintaxe da língua. Isso não é muito buscado na recepção dos filmes pelo espectador, e isso passa pelo ensino em geral.

A Bahia é um Estado de forte herança crítica, berço de Glauber Rocha (que escreveu antes de se tornar cineasta) e Walter da Silveira.
O Walter eu considero um dos maiores ensaístas que o Brasil já teve, no nível de Paulo Emilio Sales Gomes e Francisco Almeida Salles. O próprio Glauber começou a descobrir o cinema no clube fundado pelo Walter, e também exerceu a crítica no "Jornal da Bahia". Atualmente, em termos de crítica, eu acho a Bahia uma terra arrasada. Tem o João Carlos Sampaio, que sempre escreve algumas coisas boas, mas não temos mais um crítico que extrapole as nossas fronteiras.

Como você enxerga a crítica de cinema atual no Brasil, de um modo geral?
A nossa crítica foi excelente nos anos 50, com Ely Azeredo, José Carlos Avellar, Paulo Perdigão, Sérgio Augusto, José Lino Grünewald, Moniz Vianna. Depois houve o fechamento dos suplementos culturais e a diminuição do espaço na mídia impressa. Ainda temos o Inácio Araujo na "Folha de S.Paulo" e o Luiz Carlos Merten no "Estadão". A grande revelação da nossa crítica, porém, foi o surgimento de textos na internet. Foi no espaço virtual que vim a conhecer a revista Contracampo, publicação que se assemelha, guardadas as proporções, à francesa "Cahiers du Cinéma" e que investiga o cinema. Depois vieram a Cinética, a Paisà, a Filmes Polvo, o Cinemascópio. São todos sites que reúnem pessoas altamente capacitadas para o exercício da crítica.

Maratona cinematográfica

2010-04-08T21:24:00.003-03:00

O editor do Filmes Polvo, Rafael Ciccarini, promove a partir do sábado, dia 10 de abril, uma série de maratonas cinematográficas em Belo Horizonte. Confira algumas outras informações, divulgadas há alguns dias.

Com dinamismo, a maratona propõe uma imersão em nomes consagrados do cinema mundial: seus principais filmes, temas preferidos, conceitos narrativos, principais características técnicas e estéticas, sob a orientação do professor Rafael Ciccarini. Uma iniciativa que visa oferecer a cinéfilos, admiradores, estudantes de cinema, literatura, teatro e artes em geral, a possibilidade de aprofundamento, reflexão e prazer estético-sensorial.

A cada sábado, um grande diretor. Sete horas por dia do melhor cinema.

10 de abril: Stanley Kubrick
17 de abril: Alfred Hitchcock
24 de abril: Ingmar Bergman
1 de maio: Martin Scorsese
8 de maio: David Lynch

Imersão na obra de cada diretor:

- Análise histórica e crítica de toda sua filmografia
- Aspectos biográficos relevantes ao entendimento e fruição de sua obra
- Reflexão sobre o próprio mundo e o cinema contemporâneo.

Horário e cronograma:

das 9h às 12h – Aula expositiva sobre a carreira do diretor, com análise da filmografia, exibição de trechos de seus filmes e discussão das principais características estilísticas e temáticas.

das 12h às 14h – Horário livre para almoço

das 14h às 18h – Continuação da aula expositiva, exibição integral de um longa-metragem a ser escolhido pelo grupo. Após a exibição, a obra será debatido à luz dos conceitos e idéias abordados durante o dia.

Rafael Ciccarini é professor e crítico de cinema. Mestre e doutorando em “Artes – Cinema” pela UFMG. Graduado em “História”, também pela UFMG. Professor de “História do Cinema Brasileiro” na Pós Graduação do IEC/PUC Minas. Professor das disciplinas "Ética e Legislação Cinematográfica" e "Distribuição e Exibição Cinematográfica" na UNA. Professor de “História do Cinema”, “Cinema Brasileiro”, “Crítica Cinematográfica” e “Cinematografias Raras” na Escola Livre de Cinema – E.L.C./BH.

Maiores informações: (31) 3466-4721

"Mangue Negro" e o terror no cinema brasileiro

2010-04-05T12:16:00.007-03:00

por Marcelo Miranda

Num vilarejo capixaba de pescadores, mortos-vivos de corpos putrefatos passam a caminhar pelo mangue e atacar violentamente os moradores locais. A certa altura, para salvar a garota que ama, um dos trabalhadores do lugar recorre a uma preta velha. Ela o orienta a arranjar veneno de baiacu para tentar curar a moça do avanço das criaturas, antes da jovem se transformar em um zumbi.

O enredo estapafúrdio se refere a "Mangue Negro", estreia de Rodrigo Aragão no longa-metragem. Exibido pela primeira vez em 2008 no Fantaspoa (festival de cinema fantástico realizado em Porto Alegre), é atualmente um fenômeno cult entre os amantes do gênero horror. Sem lançamento comercial nos cinemas brasileiros, o filme chega às locadoras nas próximas semanas, num DVD em bela edição dupla, a cargo da distribuidora London. Paralelamente, foi exibido em diversos países mundo afora (Inglaterra, Alemanha, Argentina, Chile e China - neste, faz sucesso avassalador em cópias piratas).

"Mangue Negro" tem ganhado elogios de público e parte da crítica, especialmente de quem se abre à imaginação de um realizador que, no interior do Espírito Santo, colocou para fora a sua paixão cinéfila via visceralidade do terror. "Fiz o filme para mim mesmo, com o que eu gostaria de ver numa produção brasileira de horror", comenta Aragão, em conversa com o Magazine. "É muito legal sentir a recepção e ler até intelectuais falando sobre ele".

Aos 33 anos, residente na comunidade do Perocão, a 8 Km do município de Guarapari (ES), Rodrigo Aragão nasceu e cresceu em meio ao manguezal da região. Daí ele propalar ter feito "Mangue Negro" literalmente no quintal de casa. "Desde criança brinquei nas raízes do mangue e sempre imaginei que ali poderiam existir monstros", relembra. "Achei que poderia transformar isso num filme e tentei pelos caminhos oficiais, mas nunca consegui apoio".

Em 2005, Aragão construiu um barraco de madeira atrás de sua casa, arranjou uma câmera emprestada e filmou dez minutos de uma história de zumbi. Mostrou a um amigo empresário de Belo Horizonte. "Ele gostou e topou ser produtor".

Com parco orçamento de R$ 60 mil, Aragão reuniu uma equipe de sete pessoas ("todo mundo fez de tudo"), juntou alguns atores e gastou três anos dando forma a "Mangue Negro". Suas maiores inspirações (explícitas na tela, aliás) eram "Náusea Total" (1987) e "Fome Animal" (1992), ambos de Peter Jackson; "Zombie - A Volta dos Mortos" (1979), de Lucio Fulci; e "A Morte do Demônio" (1981), de Sam Raimi.

O diretor - também roteirista, editor e responsável pela maquiagem e efeitos visuais do filme - buscou ainda referências bem específicas do Perocão. "Já disseram que, para ser universal, é preciso ser o mais regional possível", afirma.

O espectador acompanha as agruras dos dois protagonistas (vividos por Walderrama dos Santos e Kika de Oliveira) tentando sobreviver em meio aos ataques de zumbis e fugindo por paisagens pouco ou nada vistas no panorama contemporâneo do cinema brasileiro - rios poluídos, manguezais sombrios, casebres decadentes. "É um lugar em processo de deterioração, por causa da poluição e da depredação. Quis, de alguma forma, colocar isso no filme".

E se o Brasil não tem tradição de utilizar efeitos especiais na concepção de seus filmes, Rodrigo Aragão procurou ser bastante atento na hora de preparar os monstrengos de "Mangue Negro". Maquiador artístico profissional, Aragão revela que muito da vontade de fazer o longa se deveu a querer colocar em prática, no cinema, os conhecimentos da área. "Fui dirigir muito pela frustração de não ter onde aplicar meu trabalho", assume. "Comecei como técnico de efeitos em 1994, fazendo curtas-metragens e peças de teatro. A partir de 2000, me dediquei a um espetáculo de terror chamado ‘Mausoleum’. Atualmente dou cursos de efeitos visuais".

Apesar das dificuldades, Aragão é otimista quanto aos rumos dos filmes de terror brasileiros. "Nunca será um cinema de primeira linha por aqui. Se a pessoa não gosta, nada a convence do contrário. Mesmo assim, vejo alguns movimentos interessantes de realizadores". O próprio Aragão já se mobiliza. Prepara para 2011 o segundo longa, "A Noite do Chupacabra", a ser filmado nas montanhas capixabas. Depois, pretende fechar uma trilogia com um outro terror, em paisagens marítimas. Os fãs do gore aguardam.

A NÃO-TRADIÇÃO BRASILEIRA

No livro-ensaio “Da Natureza dos Monstros” (1998), o crítico, pesquisador e professor Luiz Nazario escreve uma definição para o que seriam os filmes de terror: “Dizem respeito, em última análise, à força dramática da aparência. Na tela, o sangue que escorre é artificial; as deformações e feridas são truques; o monstro existe pelo efeito de montagem, lentes de aumento, computação gráfica e mecanismos automáticos (...); as cidades reviradas são maquetes de papelão. A destruição é um gozo secreto”.

A descrição soa universal. A quantos filmes brasileiros ela se encaixaria? A “Mangue Negro”, certamente. Também à produção de José Mojica Marins, fundador do horror no cinema do país com “À Meia-Noite Levarei Sua Alma” (1964) e “Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver” (1966). Talvez um pouco de Ivan Cardoso, em “O Segredo da Múmia” (1982) e “Um Lobisomem na Amazônia” (2005). E não muito mais que isso.

“O gênero não encontra no Brasil condições adequadas para vingar”, afirma Nazario, em entrevista. “Não há tradição porque há pouca literatura fantástica entre nós: raros foram os escritores que se dedicaram a criar universos sombrios, seja na literatura de horror e de mistério, de ficção científica ou policial. Depois do romantismo e do simbolismo, onde autores como Álvares de Azevedo e Cruz e Souza ousaram criar alguns universos sombrios, a ditadura do realismo domina o Brasil”.

Para Nazario, mesmo o cinema de Mojica é limitado por “evidentes limitações culturais”. “Os filmes do Zé do Caixão situam-se naquele limbo onde também se encontra Ed Wood, entre o terror e a chanchada, com imagens meio assustadoras, meio ridículas”.

Marcelo Carrard, também pesquisador e especialista em cinema de horror, aponta alguma produção de temática fantástica no Brasil. “Claro que seu maior expoente é o mestre José Mojica Marins, mas outros diretores se aventuraram nessa área, como Walter Hugo Khouri, em ‘O Anjo da Noite’ e ‘As Filhas do Fogo’, e Jean Garret, em ‘A Força dos Sentidos’ e ‘Excitação’”, enumera.

Carrard acredita no potencial do Brasil de filmar lendas populares que pululam a todo canto. “Os estrangeiros adoram. Tanto veteranos como o Mojica até novos talentos, como Dennison Ramalho e Rodrigo Aragão, sabem explorar muito bem elementos culturais genuinamente brasileiros”. Luiz Nazario completa: “Os brasileiros poderiam criar obras-primas do gênero se estivessem inseridos nessa tradição cultural”.

O próprio Mojica compartilha da opinião. Aos 74 anos, segue como a grande referência no horror brasileiro, mas se ressente do gênero não ter representatividade contínua por aqui. “Tenho saído por esse Brasil afora e vejo muitos curtas-metragens legais de terror, mas, em longa, estamos devendo”, lamenta. “Nosso país tinha que ser o primeiro no gênero. Temos encruzilhada, misticismo, macumba, praia, mulher bonita. Não sei como nada disso é explorado. É o que o terror precisa”. Para ele, falta aos novos realizadores “mais atrevimento”. “Tem que se jogar. Eu paguei caro por tudo que fiz. Enfrentei ditadura e problemas na família por causa disso”.

MOJICA VAI FILMAR LENDA MINEIRA

Além de dois longas protagonizados pelo personagem Zé do Caixão nos anos 60, o diretor José Mojica Marins tem no currículo diversos outros longas de horror, alguns deles obras fundamentais do cinema brasileiro em sentido universal – casos do excepcional e ousado “Ritual dos Sádicos” (1970), censurado pelo regime militar, e de “Exorcismo Negro” (1974).

Após “Encarnação do Demônio”, lançado em 2008 – depois de um hiato de duas décadas sem que Mojica filmasse um longa-metragem –, o mítico diretor se prepara para voltar ao set. Deve fazer ainda este ano “Corpo Seco” (título provisório), inspirado em lenda homônima da cidade de Pouso Alegre, no Sul de Minas.

Reza a crença local que, no começo do século XX, o maléfico morador de um casarão do bairro Santo Antônio gostava de maltratar a mãe e os animais. Doente, definhou até morrer. Porém, seu corpo nunca se decompôs e passou a assombrar o lugar. No projeto de Mojica, será o coveiro Zé do Caixão quem irá enfrentar a vilania de Corpo Seco. “Vou tentar ultrapassar os limites dos próprios limites”, garante o cineasta. Ele prevê a estreia do filme para 2011.

Mojica se diz frustrado por não ter conseguido deixar discípulos onde ele foi o pioneiro. Aponta Dennison Ramalho – diretor do curta de horror “Amor só de Mãe” (2002) e um dos roteiristas de “Encarnação do Demônio” – como um realizador a quem ele dá total apoio “em qualquer coisa que quiser”. Mas puxa a orelha: “É todo mundo lento demais para fazer. Na minha época, eu não perdia nenhuma chance”.

*Originalmente publicado em O TEMPO no dia 4.4.2010

Humberto Mauro por Ronaldo Werneck

2010-04-03T20:48:00.005-03:00

por Marcelo Miranda

Poucos escreveram tanto sobre Humberto Mauro. O cataguasense Ronaldo Werneck, conterrâneo do "pai" do cinema brasileiro, tornou-se amigo do mestre nos anos 70. Ouviu centenas de histórias e reuniu essa produção em "Humberto Mauro Revisto por Ronaldo Werneck", livro lançado pela Arte Paubrasil, com patrocínio do programa Filme em Minas.

Fiz uma entrevista com o Ronaldo, que saiu parcialmente publicada em O TEMPO no dia 28.3.2010. Reproduzo abaixo a versão integral da conversa, pois o papo foi magnífico e vale a reprodução.

Mauro e Ronaldo em 1975, em foto de Clovis Scarpino

Como você definiria "Humberto Mauro revisto por Ronaldo Werneck"?
“Kiryrí Rendáua Toribóca Opé” é um livro que prioriza o afeto. O tempo de sossego e paz (“Kiryrí”) do cineasta em seu derradeiro set de filmagem, o Rancho Alegre (“Toribóca”). Um cantar de amigo, um grande poema épico multifacetado, entrecortado por imagens. Um livro em permanente movimento. Um ensaio que não se prende à cronologia, embora perpassado por momentos biográficos. Uma obra que narra fragmentariamente a saga e a seiva de sua primavera da vida: o “thesouro” da juventude reencontrado, o despertar da brasa dormida – a ganga bruta de onde Humberto Mauro extraiu o sangue mineiro e criativo, o alto teor de inventidade de seu cinema.

Quando e como se deu o seu primeiro contato com Mauro?
Sou de Cataguases, cidade onde HM realizou seus primeiros filmes na década de 1920. Ouvia falar de seu nome desde menino, mas nunca vira nada dele. Em 1961, antes dos 18 anos, assisti pela primeira vez a algumas de suas obras e o vi assim meio de longe no Festival Humberto Mauro realizado na cidade. Um Festival que levou muita gente de cinema a Cataguases, inclusive o jovem Glauber Rocha, que também assistiu ali, e pela primeira vez, como eu, aos filmes de Mauro. Entusiasmado, Glauber publicou logo a seguir no Jornal do Brasil grande matéria destacando a importância de Humberto Mauro para o então novíssimo Cinema Novo. Seis anos depois, conheci pessoalmente o cineasta, que voltou a Cataguases – ao lado do romancista Marques Rebelo e de escritores da Revista Verde – para a comemoração dos 90 anos da cidade, a convite dos jovens “poetas da vanguarda cataguasense”, eu inclusive. E desde então venho escrevendo/falando sobre Humberto Mauro: ensaios e entrevistas com ele para jornais, revistas, livros; depoimentos e entrevistas para programas de tevê e documentários cinematográficos.

Com o passar do tempo, acabamos amigos. Amizade que começou no início dos anos 1970. Eu morava no Rio e publiquei naquela época longo ensaio sobre o cineasta na Revista Vozes. Logo depois, sou surpreendido por um telefonema do próprio Mauro, que havia lido a matéria e me convidava a passar por Volta Grande, para “um café e um papo”. Não deu outra: indo do Rio para Cataguases, ou vice-versa, e sempre que possível, dava uma passada em Volta Grande para papos e mais papos. Foi quando realizei grande entrevista com Mauro para Totem, o Suplemento Literário que eu editava em Cataguases junto com o poeta Joaquim Branco.

Foi aí que nossa amizade se estreitou – no transcorrer dessa longa entrevista, cujas gravações levaram quase um mês. Gravações que se resumiam mais em ouvir as fantásticas histórias maurianas do que propriamente na formulação de perguntas. Aquelas saborosas histórias que muitas vezes giravam em torno de seus tempos de Cataguases, os tipos folclóricos da cidade, histórias dos estúdios da Phebo Brasil Film e de cinema, tema recorrente que pairava sobre tudo que ele falava. E Mauro falava/descrevia por imagens. Falava como se filmasse. O cinema era sua escritura.

E como você definiria a personalidade dele a partir desse contato pessoal?
Como todas as pessoas que primam pela inteligência, Mauro era por excelência um ser muitíssimo bem-humorado – e trazia dentro de si o espírito gozador de moleque mineiro. Antes de tudo, era um curioso. Um ser atento a tudo que se passava à sua volta, ou da qual ouvira falar. Autodidata, não se contentava em saber como o mundo se movia: queria mesmo era mover o mundo. Foi essa curiosidade que o levou a fazer cinema. Primeiro, atraído pela técnica; logo, senhor dela, criando com seu grande talento uma linguagem própria e sempre inovadora.

Foram amigos até a morte dele? Era um contato contínuo?
Não o vi em seus últimos tempos. Depois de seu aniversário de 80 anos, em 1977 (existe uma bela imagem nossa na ocasião, feita pelo saudoso fotógrafo Clóvis Scarpino, e que está no meu livro), fui poucas vezes a Volta Grande. Envolvido com o meu trabalho no Rio, ia cada vez menos e sempre muito rapidamente a Cataguases, e não tinha tempo para desviar viagem e visitar o meu amigo. No dia em que Mauro morreu (04.11.1983), eu estava meio adoentado, e de cama no Rio. Mandei emocionado telegrama pra Dona Bêbe, sua mulher e o grande e único amor de sua vida (eles foram casados por mais de 50 anos, e eram conhecidos como “Romeu e Julieta da Zona da Mata Mineira”). Nunca mais a vi: não tive coragem. Anos depois, chorei, novamente emocionado, ao ver as fotos do sepultamento do cineasta realizadas por meu amigo Walter Carvalho e exibidas em Cataguases, no Centro Cultural Humberto Mauro. Fecho o meu livro com essas fotos do Waltinho e o texto que escrevi para a exposição. Mas, isso é pouco. Na verdade, fiquei em débito com meu amigo. E para sempre. Meu livro é também um pouco-muito para quitar essa minha dívida de afeto com Humberto Mauro.

Humberto Mauro foi um pioneiro não apenas por ter começado no cinema nos anos 20, mas por ter partido do zero, numa cidade do interior mineiro, sem nenhum conhecimento prévio do que ia arriscar fazer. Glauber o chama de "puro", e não de "primitivo". Gostaria que comentasse essa "pureza" do cinema do Humberto Mauro.
Glauber acerta em cheio quando descarta o que possa haver de primitivo em Mauro. Isso porque ele não tinha, nem nunca teve, nada de naïf, de ingênuo. Puro, sim, porque o cinema de Mauro surge dele mesmo, de sua vivência, de suas descobertas – e traz sempre como assinatura a força atávica,a pureza de sua poética rural. Ao voltar sua câmera em panorâmica sobre o mundo da paisagem mineira, ele documenta como ninguém aquele “grande microcosmo” de um Brasil profundo e desconhecido. É como diz o próprio Glauber sobre o cinema de Mauro: “Puro como John Ford, puro como Griffith ou como o cinema intelectual de Eisenstein”.

Mauro foi propulsor das reflexões levantadas pelo Cinema Novo, nos anos 60. Você acredita que os filmes do Mauro ainda podem nos dizer alguma coisa no (e do) Brasil de hoje?
Num trecho de uma de suas palestras radiofônicas, transcrito em meu livro, Mauro fala sobre duas escolas de cinema: a dos diretores americanos, que conserva o compasso de um filme de acordo com o bater normal do coração, que cresce sob emoções mais fortes; e a outra, dos diretores europeus, que atrasa a cadência do filme até o compasso do pulso estar mais adiantado. Uma faz sentir o filme. Outra faz a pessoa ver o filme. Mauro privilegia a primeira: “Sentir é melhor. É muito melhor estar dentro da festa que do lado de fora, apenas observando”. Em lugar de uma posição meramente contemplativa, de uma crítica distanciada, a opção por tomar partido, por mergulhar “dentro da festa”. Por transformar. É o que nos diz ainda hoje o cinema permanentemente novo de Humberto Mauro.

Diante de um cinema brasileiro em busca de ocupação de mercado e cada vez mais tentando se render à indústria para atrair espectadores, como Mauro reagiria à nossa atual realidade de produção?
“O público é o diabo”, me disse Mauro em uma de nossas entrevistas. “Ou você faz cinema, ou faz indústria. Não entendo como se gasta tantos mil contos em uma fita e ninguém vê. O Limite do Mário Peixoto, por exemplo: se passasse, não ficava um espectador até o final. Gostava muito do Mário, era um rapaz muito culto: eu mesmo, pessoalmente, estava recuperando a cópia do filme no Ince (o Instituto Nacional de Cinema Educativo, onde Mauro trabalhou mais de 30 anos e para o qual realizou cerca de 300 documentários). Esse negócio de indústria e cinema é um troço dos diabos: para você fazer indústria tem que fazer o filme, que deve ser exibido, que deve render dinheiro, e este deve voltar para você fazer um novo, senão não vai. O Canto da Saudade (seu último longa-metragem) eu fiz assim, imaginando fazer outro. Mas não deu dinheiro algum”. Acredito que essa sua fala seja válida até hoje – e seria exatamente essa a reação de Mauro à pergunta formulada.

Ironicamente, o maior entrave dos filmes do Mauro foi a distribuição, como ele mesmo dizia. Hoje, os filmes dele ainda são raridade e pouca gente das últimas gerações os assiste (todo mundo ouviu falar de Humberto Mauro, poucos o assistiram de fato). Poderíamos dizer que Mauro continua sofrendo da mesma sina da pouca visibilidade?
Sem dúvida. Embora tenha tido mais público que o já citado Limite (todo mundo fala e elogia, mas pouca gente realmente viu o filme de Mário Peixoto), as fitas de Mauro são hoje, infelizmente, “peças de museu” – e só se encontram preservados graças a técnicos especializados da Cinemateca Brasileira, em São Paulo, ou principalmente do CTAv, o Centro Técnico do Audiovisual, no Rio. Ali e aqui se encontra – cuidadosamente restaurado – o muito, ainda bem, do que restou da extensa filmografia mauriana. Grande parte, já em DVD, numa coleção de vários longas e curtas organizada pelo CTAv há alguns anos, mas infelizmente não lançada em termos comerciais. Sobre essa “sina de pouca visibilidade”, volto a citar Mauro, o que ele ainda me disse quanto à dicotomia cinema/indústria, lançando (a sério?) uma daquelas suas tiradas brincalhonas: “Não sou contra a indústria, mas a verdade é que o pintor pinta sozinho o que quer, o escultor esculpe o que bem entender, põe na galeria em exposição. Vende seu trabalho. Note bem: o seu trabalho. Agora, em cinema, seria ideal se o sujeito pudesse fazer pequenos documentários e exibi-los em exposição, em vernissages, vendendo o seu filme como o pintor ou o escultor. Até que seria bom: ‘Exposição de filmes em 16mm´. O sujeito ia lá, comprava o que queria, e depois passava para a família...”. Nada mais Mauro: cineastas vendendo seus filmes em permanente exposição... quem sabe?

Por fim, para mesclar a sua formação poética, queria que me respondesse o que há de mais poético na obra cinematográfica de Mauro.
Para mim, o “grande Mauro”, onde ele extravasa toda a sua sensibilidade, está nos documentários – naquele incessante voltar de câmera para a paisagem mineira, a retomada do mundo tão familiar de sua infância e juventude. O mundo-Mauro em permanente movimento, instauração de uma écloga de imagens extremamente autorais, de força e beleza tamanhas. Uma poética singlular, passada por aquelas imagens em semi-sépia, como eu digo num dos fragmentos de um dos poemas que inseri no livro: “o sol nos olhos/ carro de bois/ sons da mata/ gerais/ girando/ girando/ gerando o pedal da velha/ o fogo-a água-a roca-a roça-o olho/ mãos que movem a roda/ o engenho/ o girar do mundo/ o sol e seu desenho/ no princípio/ o fim de tudo/ fita que se move/ e fica na retina/ pra sempre presa/ à menina-dos-olhos que nos comove”.

Ely Azeredo e a crítica de cinema

2010-04-03T20:42:00.005-03:00

por Marcelo Miranda

Ele é o crítico de cinema com mais anos de atuação no Brasil. O primeiro texto profissional do carioca Ely Azeredo data de 1953, há exatos 56 anos. Por "proporcionar um número redondo", segundo o próprio, Ely reuniu artigos seus publicados até 2003 no livro "Olhar Crítico - 50 Anos de Cinema Brasileiro" (Instituto Moreira Salles, 416 págs, R$ 54).

De um acervo de aproximadamente 5.500 textos, entre críticas, reportagens e entrevistas, Ely Azeredo selecionou 98 reflexões exclusivamente sobre filmes produzidos no país, indo de "Sinfonia Amazônica" (1952), de Anélio Latini Filho, a "Carandiru" (2003), de Hector Babenco - e passando, obviamente, pelo controverso período do Cinema Novo, do qual Ely cunhou o termo que eternizou o movimento e, ironicamente, foi um de seus mais firmes questionadores.
Confira entrevista.

Fora o recorte específico no cinema brasileiro, houve algum outro critério para escolher o que entrar em "Olhar Crítico"?
Tive também o desejo de expor o processo de maturação de um crítico. De propósito, deixei visíveis certas insuficiências de minha iniciação na prática profissional, lá por 1953, 1954. Em parte por tal motivo, o livro começa com críticas de 2002, 2003. Por exemplo: minha visão do cinema de Nelson Pereira dos Santos (minha admiração cresceu com o tempo) sofreu mudanças. A seleção inclui críticas maiores e mais reflexivas, e resenhas, mas também pequenos ensaios. Há nítidas diferenças na maneira de desenvolver certos textos, porque a seleção abrange escritos para colunas de resenhas, páginas especiais dominicais e periódicos. Como escrevi para mais de 20 veículos (entre jornais e revistas), acho que a amostragem pode ser especialmente útil a estudantes de comunicação. "Olhar Crítico" se organiza em ordem cronológica decrescente, definida pelo senhor como uma "viagem no tempo". Observando textos de 2003 a 1953, o leitor terá "contato" com o crítico da última década e com o mesmo em etapas anteriores de uma vida inteira de observação do cinema. Com essa cronologia, abro uma janela para o estágio do cinema brasileiro da década de 2000 e para outras fases de sua história. Claro que cada leitor tem a liberdade de elaborar seu roteiro preferencial.

Na introdução, o senhor aponta a importância do jornalismo e da crítica como propulsores de importantes movimentos do cinema. Como enxerga a crítica há 50 anos em relação à praticada hoje?
Na passagem dos anos 40 para os 50, a crítica se profissionalizou. Isso se tornou possível a partir do sucesso conquistado por Moniz Vianna no "Correio da Manhã", em 1946, quando esse era o mais influente diário do país. Embora estreante no jornalismo, Moniz ganhou algo que até então era impensável: uma coluna diária exclusivamente de crítica de cinema. No país, era muito baixo o número de jornais com colunas especializadas. A partir do hábito de leitura de críticas implantado por Moniz Vianna, publicar análises de filmes se tornou quase tão obrigatório como apresentar comentários sobre futebol.

E isso foi importante no desenvolvimento dos próprios movimentos culturais?
Nos anos 50 e 60, a crítica deu origem às cinematecas de São Paulo e do Rio. E criou uma série de cineclubes. Como criador e programador dos primeiros Cinemas de Arte (com Alberto Shatovsky), no Rio, em 1949/1960, eu "intervi" diretamente no cardápio - transformando Ingmar Bergman (principal exemplo) em programa "obrigatório" para os cinéfilos. O conjunto dessa atuação contribuiu para a formação de plateias atentas e informadas. Daí o surgimento de um público mais sofisticado, capaz de apreciar o cinema como arte. Essa crítica e esse público deram viabilidade ao moderno cinema brasileiro.

Como o senhor definiria a crítica e sua importância para a arte?
A crítica é a mediadora entre os cineastas e as plateias. Introduz a reflexão no ciclo vital das produções. O pensamento crítico que se oferece ao espectador completa o ciclo iniciado quando se reuniu uma equipe para dar forma audiovisual ao roteiro escrito.

Outro fator bem apontado na sua introdução é o fim da reflexão na mídia impressa por questões de espaço e desinteresse dos veículos. Porém, nos últimos dez ou 15 anos, testemunhamos a ascensão da crítica na internet. O senhor acompanhou esse "deslocamento"?
Acho que a "crítica de papel", com espaço fixo e frequente na imprensa, ainda é o melhor instrumento para a informação e formação de plateias. Mas, hoje, a disponibilidade de espaços generosos na internet é de grande importância, até pelos benefícios da interatividade. Nos anos 50, tentando um contato mais direto com os leitores, eu mantive, durante algum tempo, um horário de atendimento ao telefone na "Tribuna da Imprensa".

O senhor segue acompanhando o cinema brasileiro? Qual a sua visão do que tem sido produzido atualmente? Com o tempo exigido por outros projetos, não acompanhei muito o cinema (e não só o brasileiro) de 2004 para cá. Tenho muita estima pelo cinema de Walter Salles. "Central do Brasil" está entre meus favoritos. Na última década, destaco especialmente "Cidade de Deus", "Lavoura Arcaica", "O Invasor", "O Cheiro do Ralo", "Santiago", "Ônibus 174". E o trabalho nunca suficientemente exaltado de atores como Lázaro Ramos, Matheus Nachtergaele e Selton Mello.

Junto com Moniz Vianna, no Rio, e com Cyro Siqueira, em Minas, o senhor talvez seja o principal nome a problematizar os caminhos tomados pelo Cinema Novo. Em seu livro, no texto sobre “O Amuleto de Ogum”, lê-se: “Ao contrário de tantos filmes do Cinema Novo, este não é uma ‘armação’ do autor-diretor contra os personagens, nem uma contestação formal, nem uma defesa de tese”. Pergunto: a sua visão sobre o Cinema Novo permanece a mesma?
Ao contrário de muitos filmes cinemanovistas, “O Amuleto de Ogum” buscava comunicação com o “grande público”, desenvolvia seus personagens sem grilhões ideológicos e, nessa obra, Nelson Pereira dos Santos ficava longe do “culto da personalidade” (do diretor) que prejudicava muito a aceitação do Cinema Novo. A leitura de “Olhar Crítico” evidencia certa evolução em minhas análises dos filmes desse movimento. Os cinemanovistas também mudaram sua relação com a dramaturgia e com o público. Em meu livro, realço esse câmbio ao falar sobre filmes como “Macunaíma”, “Memórias do Cárcere”, “Imagens do Inconsciente” e outros. O Cinema Novo, fenômeno dos anos 60, original, às vezes caótico, narcisista ou “mensageiro”, vai deixando de existir à medida que progride a década de 70. Em consequência, a arte do ator ganha mais relevo. Os roteiros ganham mais estrutura. Em tempo: minha posição em relação ao cinema brasileiro era inteiramente diversa do enfoque de Moniz Vianna. Esse grande crítico raramente reconheceu algum mérito em filmes nacionais.

Após o Cinema Novo, veio o Cinema Marginal.
“A Margem”, de Ozualdo Candeias, a meu ver, indica um rumo autêntico ao chamado Cinema Marginal. Surgida como reação ao Cinema Novo, essa tendência também sofreu com o narcisismo de alguns realizadores. A maioria desses filmes tinha uma postura que distanciava o público. Acho que quase toda essa vertente perdeu o interesse, com raras exceções,como “O Bandido da Luz Vermelha”.

Gostaria que o senhor comentasse sua breve participação na “Revista de Cinema”, editada pelo Centro de Estudos Cinematográficos de Belo Horizonte nos anos 50.
Gostava tanto (da revista) que a levava pessoalmente para pontos de venda no Rio. Não tenho mais a coleção, mas não esqueço os excelentes textos sobre o método crítico, o realismo, a visceralidade da violência no grande cinema norte-americano. Na “Revista de Cinema” só publiquei dois textos modestos: um artigo sobre Bergman e uma crítica do bergmaniano “Noites de Circo”. A saída de Cyro Siqueira [um dos fundadores e editores da publicação] da crítica foi uma grande perda.

Publicado originalmente em O TEMPO no dia 23.3.2010

Chico Xavier, de Daniel Filho

2010-04-03T00:03:00.003-03:00

por Ursula Rösele

Havia visto o trailer há um tempo, desses com a marca escancarada do Daniel Filho. Um pouco de preguiça, mas já que resignada de que não havia muito o que esperar de diferente do padrão Globo Filmes + Daniel Filho + a total incapacidade de escalação de qualquer ator não global-televisivo; fui ver o filme.

Poucos, pouquíssimos conseguem fazer o que Clint Eastwood fez, de retratar uma figura que por si só já arrebata em graça, humanismo e vigor político como o Mandela, e ainda fazer um belo filme como é Invictus.

Devo dizer que saí de Chico Xavier chorando um bocado e depois de amansar, me veio a questão: seria o ser retratado tão forte, tão intenso, que determinadas – e várias – questões negativas do filme teriam peso menor do que se fosse qualquer outro filme de Daniel Filho? Sei lá. Lembro de uma consulta médica que fui certa vez, e e a médica me perguntou qual a minha religião ou se tenho alguma e ao me ouvir responder de supetão que sou confusa, semi-espírita, ela escreveu no prontuário: “semi-espírita”. Fiquei fã dela. O quê iria fazer com aquela informação, até hoje eu não sei.

Fato é que não prego, não frequento, não sou, na prática, espírita. Mas tenho um carinho, sim, e principalmente pelo ideário de ação da doutrina que parte do princípio de que a caridade é o fundamental, para além das ave-marias e absolvições, no sacrifício, no flagelo, no dinheiro para a igreja. É... um post escapando do cinema, desculpem.

Daniel Filho fez um filme claramente caro, meio super produção, cheio de clichês e travellings para que o personagem de Chico Xavier caminhasse e pudéssemos ver sumir sua mãe quando a câmera passava por uma árvore ou algo do tipo. No trailer mesmo do filme já podemos ver a panorâmica pop de Daniel Filho em um Nelson Xavier assustadoramente idêntico ao personagem que interpreta, enquanto psicografa. Hoje no cinema vi um trailer que prenuncia a “fase de ouro do cinema espírita” – e sim, estou sendo irônica (neste ano Chico Xavier faria 100 anos) -, dirigido por Wagner de Assis (roteirista de vários filmes da Xuxa e diretor da bomba A Cartomante) e uma mega-super-hiper produção: Nosso Lar, baseado em livro psicografado por Chico Xavier, um dos mais lidos na literatura espírita brasileira. Trailer mais pop impossível, ficou o medo real do filme que sairá disso.

Mas enfim. Talvez o que tenha me levado ao post meio sem sentido foi a sensação de que, por mais deprimente que o Daniel Filho seja (em minha opinião, claro), Chico Xavier é um bom filme sobre um personagem maior que ele (filme). Não há o mínimo vigor cinematográfico, mas eu, como “semi-espírita” que sou, fui tocada por algo que em outras proporções me tocou em “Invictus”: há seres humanos neste mundo os quais devíamos mesmo nos espelhar. Existindo ou não Deus - discussão que nem este blog e muito menos a Filmes Polvo entrará – me permitirei um comentário piegas e meio tolo...há o que se aprender naquele ser humano que foi Chico Xavier. Hoje assisti ao filme numa sala lotada, em plena sexta-feira santa. Bilheteria o Daniel Filho terá, sem dúvida. Que fique o que de bom possa ficar ali.

Jacques Rivette

2010-03-20T11:05:00.003-03:00

por Marcelo Miranda

Uma mostra com seis filmes do francês Jacques Rivette está em andamento em Belo Horizonte, no Cine Humberto Mauro (confira programação aqui). Escrevi uma matéria a respeito no começo da semana, que posto abaixo.

RIVETTE, AQUELE INVISÍVEL
Jean-Luc Godard, François Truffaut, Claude Chabrol, Eric Rohmer e... Jacques Rivette. Quase sempre, ao se enumerar quem compôs o movimento da Nouvelle Vague francesa, o nome dele fica por último nas lembranças de cinéfilos não conhecedores de obra. Muito disso se deve a um quase total desaparecimento dos filmes de Rivette em mostras e circuito comercial, tornando-o uma figura mais mítica do que propriamente vista.

Parte dessa obscuridade vai ser sanada em Belo Horizonte até o dia 28 de março, quando o Cine Humberto Mauro exibirá, espalhados em diversas sessões, seis longas-metragens assinados por Rivette. Para além da importância fundamental de uma mostra dessas, é oportunidade rara de tomar contato com um dos realizadores mais complexos e fascinantes do cinema mundial.

"Rivette fez filmes impactantes que sumiram de circulação após serem exibidos, o que às vezes cria a falsa impressão de que a obra dele é para ‘iniciados’", acredita o crítico e pesquisador Cássio Starling Carlos. "Mas, na verdade, muitos desses filmes simplesmente não foram vistos, porque caíram completamente na invisibilidade após aquele primeiro impacto".

Para Cássio, depois de Godard, Rivette é o cineasta da Nouvelle Vague que mais radicaliza as pesquisas de linguagem características do movimento - surgido no final dos anos 50 a partir da inquietação de um grupo de críticos da revista "Cahiers du Cinéma" e que gerou filmes como "Os Incompreendidos" (1959), de Truffaut, "Acossado" (1960), de Godard, "O Signo do Leão" (1959), de Rohmer, e "Nas Garras do Vício" (1958), de Chabrol.

O primeiro longa de Rivette, "Paris nos Pertence", data de 1960. O filme seguinte, "A Religiosa", é de seis anos depois. O esticado intervalo - no mesmo período, Godard, por exemplo, filmou outros 11 longas - vai ao encontro da preocupação formal de Rivette e todo seu cuidado na concepção de cada plano, o que gerou o "ruído" de seu sumiço na memória dos espectadores e estudiosos. "Ainda que seja a figura ideologicamente mais importante daquele momento na França, Rivette fez apenas um único filme dentro do período fértil da Nouvelle Vague, que vai até 1965", aponta o crítico e professor Francis Vogner dos Reis. "Foi ele e Rohmer quem criaram as bases do movimento como uma relação específica do artista com a história do cinema".

Francis descreve Rivette como um cineasta "materialista", para quem o aspecto sensorial e contemplativo, ainda que presente, não era um elemento definidor. "Os plano de duração longa do Rivette não são os do fluxo de imagens e tempos mortos. Ao contrário: eles sempre consistem num princípio de ação. Nos filmes dele, onde supostamente não acontece nada sempre tem algum movimento, um prolongamento da ação. Isso o aproxima de um cineasta como Howard Hawks, a quem ele admirava". O próprio Rivette assim definia sua arte: "O cinema consiste em capturar algo que acontece em certo tempo e espaço e que não ocorrerá novamente".

Cássio Starling problematiza as relações de Rivette com outros realizadores, algo atrelado à imagem da Nouvelle Vague. "Ele dialoga com forças do próprio cinema. Um de seus filmes recentes, ‘Não Toque no Machado’ (2007), torna a palavra importante como fazem Manoel de Oliveira e Julio Bressane", aponta. "Não vejo a cinefilia do Rivette no sentido clássico do culto. Ele tem uma bibliofilia e teatrofilia mais acentuados".

Crítica e teatro
A mostra Jacques Rivette, sob coordenação de Maria Chiaretti, não dá conta de toda a filmografia do cineasta - no total, Rivette tem até o momento 19 longas-metragens, tendo exibido o mais recente, "36 Vues du Pic Saint Loup", no Festival de Veneza do ano passado. Porém, a seleção é porta de entrada ideal para se conhecer a estética e riqueza do diretor.

Há, por exemplo, o trabalho que lhe trouxe de volta aos holofotes, nos anos 90: a obra-prima "A Bela Intrigante", filme monumental de mais de quatro horas de duração que ganhou do próprio diretor, pouco tempo depois do lançamento, uma versão reduzida para 150 minutos e subintitulada "Divertimento". As duas versões - com trechos distintos entre si - vão ser exibidas no Cine Humberto Mauro. Também na programação está "Céline e Julie Vão de Barco" - ou, no original, "Céline et Julie Vont en Bateau" -, que reúne algumas das principais características da obra do diretor, como o profundo diálogo com o teatro.

Rivette deve muito de sua expressividade justamente às artes cênicas - mais precisamente, ao conceito de encenação teatral. "Ele sempre dialogou intensamente com o teatro e o que ele considerava a ‘mise en scène’ [pôr em cena], da qual foi dos grandes teóricos na ‘Cahiers du Cinéma’", diz o crítico Cássio Starling Carlos. "Dos filmes aos quais assisti, ele não assinava com ‘dirigido por Jacques Rivette’, mas ‘mise en scène de Jacques Rivette’. O teatro entra como tema, como espaço dos personagens e como a teatralização da própria existência".

Nos anos 50, Rivette foi um pensador seminal de um cinema até então pouco valorizado fora da Europa, em especial os norte-americanos Howard Hawks e Otto Preminger, de quem era entusiasta e sobre quem escreveu textos até hoje referenciais para a reflexão séria de cinema. O crítico Francis Vogner acredita que Rivette continua demonstrando, nos filmes, as preocupações que tinha como crítico: "Se a gente for ler o que ele fala dos próprios filmes, o procedimento retórico do Rivette-cineasta é muito parecido com o Rivette-crítico. O limite de um e outro está no processo: ao refletir o trabalho de terceiros, ele analisava o objeto acabado; como diretor, está no meio de um procedimento, e podemos senti-lo caminhar nesse sentido".

Cássio Starling, por sua vez, evita vincular a experiência crítica de Rivette com o ofício de diretor. "Não é algo sobre o qual eu tenha pensado com muita profundidade, porque buscar essas relações talvez possa reduzir a obra dele no cinema a uma mera ilustração do que escrevia".

*Matéria originalmente publicada em O TEMPO no dia 15.3.2010

**Busque textos traduzidos de Jacques Rivette no

Dicionários de Cinema.